Art Deco - Art Deco

Z Wikipédie, Voľnej Encyklopédie

Pin
Send
Share
Send

Art Deco
Chrysler Building 1 (4684845155).jpg
Chicago world's fair, a century of progress, expo poster, 1933, 2.jpg
Victoire 2 by Rene Lalique Toyota Automobile Museum.jpg
Zhora nadol: Budova Chrysler v New Yorku (1930); Plagát pre Svetová výstava v Chicagu Weimer Pursell (1933); a ozdoba kapucne Victoire od René Lalique (1928)
Roky aktívnec. 1910–1939
KrajinaGlobálne

Art Deco, niekedy označované ako Deco, je štýl vizuálneho umenia, architektúry a dizajnu, ktorý sa vo Francúzsku prvýkrát objavil tesne pred prvou svetovou vojnou.[1] Art Deco ovplyvnilo dizajn budov, nábytku, šperkov, módy, automobilov, kín, vlakov, zaoceánske lode, a predmety každodennej potreby, ako sú rádiá a vysávače.[2] Trvalo to svoje meno, skratka Arts Décoratifs, z Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Medzinárodná výstava moderného dekoratívneho a priemyselného umenia) konaná v Paríži v roku 1925.[3] Kombinovala moderné štýly s jemným remeselným spracovaním a bohatými materiálmi. Počas svojho rozkvetu predstavovalo Art Deco luxus, pôvab, bujarosť a vieru v sociálny a technologický pokrok.

Art Deco bol od začiatku ovplyvňovaný odvážnymi geometrickými formami Kubizmus a Viedenská secesia; svetlé farby Fauvizmus a Ballets Russes; modernizované remeselné spracovanie nábytku z dôb Louis Philippe I. a Ľudovít XVI; a exotické štýly Čína a Japonsko, India, Perzia, staroveký Egypt a Maya umenie. Predstavoval vzácne a drahé materiály, ako napríklad eben a slonovinu, a vynikajúce remeselné spracovanie. The Budova Chrysler a ďalšie mrakodrapy v New Yorku postavené v 20. a 30. rokoch sú pamiatky v štýle Art Deco.

V 30. Rokoch, počas Veľká depresia, Art Deco bolo utlmenejšie. Prišli nové materiály vrátane pochrómovanie, nehrdzavejúca oceľa plast. Elegantnejšia forma štýlu, tzv Zefektívniť moderné, sa objavil v 30. rokoch; predstavovalo zakrivené tvary a hladké leštené povrchy.[4] Art Deco je jedným z prvých skutočne medzinárodných štýlov, ale jeho dominancia sa skončila začiatkom Druhá svetová vojna a rozmach prísne funkčných a nezdobených štýlov moderná architektúra a Medzinárodný štýl architektúry, ktorá nasledovala.[5]

Pomenovanie

Názov Art Deco si vzal skratku umelecké dekorácie, z Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes ktorá sa konala v Paríži v roku 1925,[3] hoci rôzne štýly, ktoré charakterizujú Art Deco, sa už v Paríži a Bruseli objavili pred prvou svetovou vojnou.

Termín umelecké dekorácie bol prvýkrát použitý vo Francúzsku v roku 1858; uverejnené v Bulletin de la Société française de photographie.[6] V roku 1868 Le Figaro noviny tento výraz použili objets d'art décoratifs pokiaľ ide o objekty javiskovej scenérie vytvorené pre Théâtre de l'Opéra.[7][8][9] V roku 1875 dostala francúzska vláda od návrhárov nábytku, návrhárov textilu, šperkov a skla a ďalších remeselníkov oficiálne štatút umelcov. V reakcii na to École royale gratuite de dessin (Kráľovská slobodná škola dizajnu), založená v roku 1766 za vlády kráľa Ľudovít XVI vzdelávať umelcov a remeselníkov v remeslách týkajúcich sa výtvarného umenia, bola premenovaná na École nationale des arts décoratifs (Národná umelecká škola). Trvalo jej súčasné meno ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) v roku 1927.

Počas výstavy v roku 1925 architekt Le Corbusier napísal pre svoj časopis sériu článkov o výstave L'Esprit Nouveau, pod názvom „1925 EXPO. UMENIE. DÉCO.“, ktoré boli spojené do knihy, L'art décoratif d'aujourd'hui (Dekoratívne umenie dnes). Kniha bola ráznym útokom na excesy farebných a honosných predmetov na výstave; a na myšlienke, že praktické predmety, ako je nábytok, by nemali mať vôbec žiadnu výzdobu; jeho záver bol, že „moderná výzdoba nemá žiadnu výzdobu“.[10]

Skutočná fráza art déco v tlači sa objavil až v roku 1966, keď sa objavil v názve prvej modernej výstavy na túto tému, ktorá sa konala v Parížskom múzeu dekoratívneho umenia, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, ktorá pokrývala rôzne významné štýly v 20. a 30. rokoch.[11] Termín art déco bol potom použitý v článku z roku 1966 od Hillary Gelsonovej v Časy (Londýn, 12. novembra), ktorá popisuje rôzne štýly na výstave.[12][13]

Art Deco získalo menu ako široko aplikovaná štylistická značka v roku 1968, keď bol historikom Bevis Hillier vydala prvú významnú akademickú knihu o štýle: Art Deco 20. a 30. rokov.[2] Hillier poznamenal, že tento výraz už používajú obchodníci s umením a cituje ho Časy (2. novembra 1966) a pomenovaná esej Les Arts Déco v Elle časopis (november 1967) ako príklady predchádzajúceho použitia.[14] V roku 1971 usporiadal Hillier výstavu v Inštitút umenia v Minneapolise, o ktorom podrobne informuje vo svojej knihe, Svet art deco.[15][16]

Počiatky

Spoločnosť dekoratívnych umelcov (1901–1913)

Vznik Art Deco bol úzko spojený s nárastom postavenia dekoratívnych umelcov, ktorí boli až do konca 19. storočia považovaní jednoducho za remeselníkov. Termín umelecké dekorácie bol vynájdený v roku 1875 a úradníkom bol udelený štatút dizajnérom nábytku, textilu a iných dekorácií. The Société des artistes décorateurs (Spoločnosť dekoratívnych umelcov) alebo SAD bola založená v roku 1901 a dekoratívni umelci dostali rovnaké autorské práva ako maliari a sochári. Podobné hnutie sa vyvinulo aj v Taliansku. Prvá medzinárodná výstava venovaná výlučne dekoratívnemu umeniu Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna, sa konalo v Turín v roku 1902. V Paríži bolo založených niekoľko nových časopisov venovaných dekoratívnemu umeniu, vrátane Umenie a výzdoba a L'Art décoratif moderne. Sekcie dekoratívneho umenia boli zavedené do každoročných salónov Sociéte des artistes françaisa neskôr v Salon d'Automne. Na obnove dekoratívneho umenia sa podieľal aj francúzsky nacionalizmus; Francúzski dizajnéri sa cítili byť výzvami rastúceho vývozu lacnejšieho nemeckého nábytku. V roku 1911 SAD navrhla usporiadanie významnej novej medzinárodnej výstavy dekoratívneho umenia v roku 1912. Nemali byť povolené žiadne kópie starých štýlov; iba moderné diela. Expozícia bola odložená do roku 1914, potom sa kvôli vojne odložila do roku 1925, keď dala meno celej rodine štýlov známych ako „Déco“.[17]

Parížske obchodné domy a módni návrhári tiež hrali dôležitú úlohu pri vzniku Art Deco. Založené podniky, ako napríklad firma so strieborným príborom Christofle, návrhár skla René Laliquea klenotníci Louis Cartier a Boucheron, ktorí všetci začali navrhovať výrobky v modernejších štýloch.[18][19] Od roku 1900 obchodné domy prijímali dekoratívnych umelcov do ich dizajnérskych štúdií. Výzdoba roku 1912 Salon d'Automne bol zverený do obchodného domu Printemps.[20][21] V priebehu toho istého roku Printemps vytvorila vlastnú dielňu s názvom Primavera.[21] Do roku 1920 Primavera zamestnával viac ako tristo umelcov. Štýly sa pohybovali od aktualizovaných verzií Ľudovíta XIV., Ľudovíta XVI., A najmä od nábytku Louisa Philippeho, ktorý vyrobili Louis Süe a Primavera dielňa, k modernejším formám z dielne Au Louvre obchodný dom. Ostatní návrhári, vrátane Émile-Jacques Ruhlmann a Paul Foliot odmietol použiť hromadnú výrobu a trval na tom, aby bol každý kus vyrobený individuálne ručne. Skorý štýl Art Deco obsahoval luxusné a exotické materiály ako napr eben, slonová kosť a hodváb, veľmi svetlé farby a štylizované motívy, najmä koše a kytice kvetov všetkých farieb, ktoré dávajú modernistický vzhľad.[22]

Viedenská secesia a Wiener Werkstätte (1905–1911)

Architekti Viedenská secesia (vznik 1897), najmä Josef Hoffmann, mal výrazný vplyv na Art Deco. Jeho Stocletov palác v Bruseli (1905–1911) bol prototypom štýlu Art Deco s geometrickými objemami, symetriou, priamymi líniami, betónom pokrytým mramorovými doskami, jemne tvarovaným ornamentom a honosnými interiérmi vrátane mozaikových vlysov od Gustáv Klimt. Hoffmann bol tiež zakladateľom spoločnosti Wiener Werkstätte (1903–1932), združenie remeselníkov a návrhárov interiérov pracujúcich v novom štýle. Toto sa stalo vzorom pre Compagnie des arts français, ktorá vznikla v roku 1919 a ktorá sa spojila André Marea Louis Süe, prví poprední francúzski návrhári a dekoratéri v štýle Art Deco.[23]

Nové materiály a technológie

Nové materiály a technológie, najmä železobetón, boli kľúčom k vývoju a vzhľadu art deco. Prvý betónový dom bol postavený v roku 1853 na predmestí Paríža François Coignet. V roku 1877 Joseph Monier predstavil myšlienku spevnenia betónu pletivom zo železných tyčí v grilovom vzore. V roku 1893 Auguste Perret postavil prvú betónovú garáž v Paríži, potom bytový dom, dom, potom v roku 1913 budovu Théâtre des Champs-Élysées. Divadlo bolo odsúdené jedným kritikom ako „Zeppelin z Avenue Montaigne“, údajný germánsky vplyv, kopírovaný z Viedenská secesia. Potom bola väčšina budov v štýle art deco vyrobená zo železobetónu, čo poskytovalo väčšiu slobodu tvaru a menšiu potrebu výstužných stĺpov a stĺpov. Perret bol tiež priekopníkom v obkladaní betónu keramickými dlaždicami, či už kvôli ochrane alebo dekorácii. Architekt Le Corbusier sa najskôr dozvedel o použití železobetónu a pracoval ako projektant v Perretovom štúdiu.[24]

Ďalšími novými technológiami, ktoré boli pre Art Deco dôležité, boli nové spôsoby výroby tabuľového skla, ktoré bolo lacnejšie a umožňovalo oveľa väčšie a silnejšie okná, a tiež hromadná výroba. hliník, ktorý sa používal na stavebné a okenné rámy a neskôr Corbusier a ďalší na ľahký nábytok.

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913)

Antoine Bourdelle, 1910–12, Apollon et sa meditácia entourée des 9 múz (Meditácia Apolla a múz), reliéf, Théâtre des Champs-Élysées, Paríž. Táto práca predstavuje jeden z prvých príkladov toho, čo sa stalo známe ako socha Art Deco

The Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913), pod Auguste Perret, bola prvou významnou budovou v štýle art deco dokončenou v Paríži. Predtým železobetón bol používaný iba na priemyselné a bytové domy, postavil Perret v rokoch 1903–04 prvý moderný železobetónový bytový dom v Paríži na ulici Benjamin Franklin. Henri Sauvage, ďalší významný budúci architekt v štýle art deco, postavil ďalšieho v roku 1904 o 7, rue Trétaigne (1904). Dvadsaťjedenročný Le Corbusier pracoval v rokoch 1908 až 1910 ako kreslič v Perretovej kancelárii a učil sa techniky betónovej konštrukcie. Budova Perret mala čistý obdĺžnikový tvar, geometrickú výzdobu a priame línie, budúce ochranné známky v štýle Art Deco. Revolučná bola aj výzdoba divadla; fasáda bola zdobená vysoké reliéfy od Antoine Bourdelle, kupola od Maurice Denis, obrazy od Édouard Vuillard, a záves v štýle Art Deco od Ker-Xavier Roussel. Divadlo sa stalo známym ako dejisko mnohých z prvých predstavení divadla Ballets Russes.[25] Perret a Sauvage sa v 20. rokoch 20. storočia stali poprednými architektmi v štýle art deco v Paríži.[26][27]

Salon d'Automne (1912–1913)

Pri zrode v rokoch 1910 až 1914 bol art deco výbuchom farieb, vyznačujúcich sa jasnými a často sa stretávajúcimi odtieňmi, často v kvetinových vzoroch, prezentovanými v nábytku. čalúnenie, koberce, paravány, tapety a textílie. Mnoho farebných diel, vrátane stoličiek a stola od Maurice Dufrêne a jasný koberec Gobelin Paul Follot boli predložené v roku 1912 Salon des artistes décorateurs. V rokoch 1912–1913 dizajnér Adrien Karbowsky vyrobil kvetinové kreslo s dizajnom papagája pre poľovnícku chatu zberateľa umenia Jacques Doucet.[28] Návrhári nábytku Louis Süe a André Mare sa prvýkrát zúčastnili na výstave v roku 1912 pod názvom Ateliér français, ktorý kombinuje farebné látky s exotickými a drahými materiálmi vrátane ebenu a slonoviny. Po prvej svetovej vojne sa stali jednou z najvýznamnejších francúzskych firiem zaoberajúcich sa interiérovým dizajnom a vyrábali nábytok pre prvotriedne salóny a kabíny francúzskeho transatlantického obchodu zaoceánske lode.[29]

Živé farby v štýle Art Deco pochádzali z mnohých zdrojov vrátane exotických scénografií od Léon Bakst pre Ballets Russes, ktorý spôsobil senzáciu v Paríži tesne pred prvou svetovou vojnou. Niektoré farby boli inšpirované skôr Fauvizmus hnutie vedené Henri Matisse; ostatné podľa Orfizmus maliarov ako napr Sonia Delaunay;[30] iné hnutím nazvaným Nabis a dielom symbolistického maliara Odilona Redona, ktorý navrhol krbové paravány a ďalšie dekoratívne predmety. Jasné farby boli znakom práce módneho návrhára Paul Poiret, ktorých tvorba ovplyvnila módu v štýle art deco aj interiérový dizajn.[29][31][32]

Kubizmus

Jozef Csaky, 1912, Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche), pôvodná omietka, vystavená v roku 1912 Salon d'Automne a 1914 Salon des Indépendants, socha Proto-Art Deco

The umelecké hnutie známy ako Kubizmus sa objavil vo Francúzsku v rokoch 1907 až 1912 a ovplyvnil vývoj art deco.[25][30][31] V Art Deco Complete: Definitívny sprievodca dekoratívnym umením 20. a 30. rokov Alastair Duncan píše: „Kubizmus sa v nejakej zbastardovanej podobe stal lingua franca dekoratívnych umelcov éry.“[31][33] Kubisti sú sami pod vplyvom Paul Cézanne, sa zaujímali o zjednodušenie tvarov na ich geometrické základy: valec, guľa, kužeľ.[34][35]

V roku 1912 umelci z Sekcia d'Or vystavené diela boli oveľa prístupnejšie širokej verejnosti ako analytický kubizmus Picassa a Braqua. Kubistický slovník bol zameraný na prilákanie návrhárov módy, nábytku a interiérov.[30][32][35][36]

Spisy z roku 1912 André Vera, Štýl Le Nouveau, uverejnené v časopise L'Art décoratif, vyjadril odmietnutie Secesia formy (asymetrické, polychrómované a malebné) a požaduje sa simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie, témy, ktoré by sa nakoniec v Art Deco stali bežnými;[19] hoci štýl Deco bol často mimoriadne farebný a často zložitý.[37]

V Art Décoratif Oddelenie Salon d'Automne z roku 1912 bolo vystavené architektonické zariadenie známe ako La Maison Cubiste.[38][39] Fasádu navrhol Raymond Duchamp-Villon. Výzdoba domu bola André Mare.[40][41] La Maison Cubiste bola zariadená inštalácia s fasádou, schodiskom, zábradlím z tepaného železa, spálňou, obývacou izbou - budovou Salón buržoáz, kde maľby od Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger a Roger de La Fresnaye boli obesení.[42][43][44] Cez plnohodnotný model prešli tisíce divákov v salóne.[45]

Fasáda domu, ktorú navrhol Duchamp-Villon, nebola na moderné pomery veľmi radikálna; preklady a štíty mali hranolové tvary, ale inak fasáda pripomínala dobový obyčajný dom. Pre tieto dve izby navrhla Mare tapetu so štylizovanými ružami a kvetinovými vzormi spolu s čalúnením, nábytkom a kobercami, všetko s okázalými a farebnými motívmi. Bol to zreteľný zlom od tradičného dekoru. Kritik Emile Sedeyn opísal Mareovu prácu v časopise Art et Décoration: "Nerobí si hanbu z jednoduchosti, pretože rozmnožuje kvety všade, kam sa len dajú. Efekt, ktorý hľadá, je zjavne v malebnosti a veselosti. Dosahuje to."[46] Kubistický prvok poskytli obrazy. Inštalácia bola napadnutá niektorými kritikmi ako mimoriadne radikálna, čo prispelo k úspechu.[47] Táto architektonická inštalácia bola následne vystavená v roku 1913 Zbrojárska šou, New York, Chicago a Boston.[30][35][48][49][50] Vďaka veľkej časti výstavy sa výraz „kubistický“ začal uplatňovať na čokoľvek moderné, od účesov žien cez odevy až po divadlo. výkony.[47]

Kubistický vplyv pokračoval v rámci Art Deco, aj keď sa Deco rozvetvoval mnohými inými smermi.[30][31] V roku 1927 kubisti Jozef Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, sochár Gustave Miklosa ďalší spolupracovali na výzdobe Štúdiového domu, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, ktorú navrhol architekt Paul Ruaud a ktorú vlastní francúzsky módny návrhár Jacques Doucet, tiež zberateľ Postimpresionistický umenie Henriho Matissa a kubistické maľby (vrátane Les Demoiselles d'Avignon, ktorý kúpil priamo od Picassovho štúdia). Laurens navrhol fontánu, Csaky navrhol Doucetovo schodisko,[51] Lipchitz vyrobil krbovú rímsu a Marcoussis kubistický koberec.[30][52][53][54]

Okrem kubistických umelcov Doucet prizval ďalších interiérových dizajnérov Deco, aby pomohli pri zdobení domu, vrátane Pierra Legraina, ktorý bol zodpovedný za organizáciu výzdoby, a Paul IribeMarcel Coard, André Groult, Eileen Grey a Rose Adler poskytnúť nábytok. Súčasťou dekorácie boli masívne kúsky vyrobené z macassarského ebenu inšpirované africkým umením a nábytok potiahnutý marockou kožou, krokodílou kožou a hadou kožou a vzormi prevzatými z afrických vzorov.[55]

Kubumbiánska geometria sa v 20. rokoch 20. storočia stala mincou ríše. Vývoj selektívnej geometrie kubizmu v širšom spektre tvarov v štýle Art Deco priniesol kubizmus ako obrazovú taxonómiu pre oveľa širšie publikum a širšiu príťažlivosť. (Richard Harrison Martin, Metropolitné múzeum umenia)[56]

Vplyvy

Art Deco nebol jediný štýl, ale zbierka rôznych a niekedy protichodných štýlov. V architektúre bolo Art Deco nástupcom secesie, reakciou proti secesii, štýlu, ktorý v Európe prekvital medzi rokmi 1895 a 1900 a postupne nahradil aj Beaux-Arts a neoklasicistický ktoré prevládali v európskej a americkej architektúre. V roku 1905 Eugène Grasset napísal a zverejnil Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes,[57] v ktorej systematicky skúmal dekoratívne (ornamentálne) aspekty geometrických prvkov, foriem, motívov a ich variácií, na rozdiel od (a ako odklon od) zvlneného secesného štýlu Hector Guimard, také populárne v Paríži o niekoľko rokov skôr. Grasset zdôraznil zásadu, že základom všetkých kompozičných usporiadaní sú rôzne jednoduché geometrické tvary, ako sú trojuholníky a štvorce. Železobetónové budovy Auguste Perret a Henri Sauvage, najmä Théâtre des Champs-Élysées, ponúkol novú formu stavby a dekorácie, ktorá bola kopírovaná do celého sveta.[58]

V dekorácii si Art Deco vypožičalo a používalo veľa rôznych štýlov. Zahŕňali pre-moderné umenie z celého sveta a pozorovateľné na Musée du Louvre, Musée de l'Homme a Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. Populárny záujem bol aj o archeológiu kvôli vykopávkam v Pompeje, Trója, a hrobka 18. dynastie faraóna Tutanchamón. Umelci a dizajnéri integrovali motívy z staroveký Egypt, Mezopotámia, Grécko, Rím, Ázia, Mesoamerica a Oceánia s Strojový vek prvkov.[59][60][61][62][63][64]

Medzi ďalšie vypožičané štýly patrila aj ruština Konštruktivizmus a talianske Futurizmus, rovnako ako orfizmus, Funkcionalizmusa Modernizmus všeobecne.[35][59][65][66] Art Deco tiež použilo rôzne farby a vzory fauvizmu, najmä v dielach Henriho Matissa a André Derain, inšpirovala návrhy textílií v štýle art deco, tapiet a maľovanej keramiky.[35] Využilo to nápady z módneho slovníka vysokej doby, ktorý obsahoval geometrické vzory, krokve, cikcaky a štylizované kytice kvetov. Ovplyvnili to objavy v Egyptológiaa rastúci záujem o Orient a o africké umenie. Od roku 1925 sa často inšpirovala vášňou pre nové stroje, ako sú vzducholode, automobily a zaoceánske lode, a do roku 1930 tento vplyv vyústil do štýlu tzv. Zefektívniť moderné.[67]

Štýl luxusu a modernosti

Art Deco bolo spojené s luxusom aj modernosťou; kombinoval veľmi drahé materiály a vynikajúce remeselné spracovanie do modernistických foriem. V štýle Art Deco nebolo nič lacné: kusy nábytku obsahovali slonovinové a strieborné intarzie a kúsky šperkov v štýle art deco kombinovali diamanty s platinou, nefritom a inými drahými materiálmi. Tento štýl bol použitý na výzdobu prvotriednych salónov zaoceánskych lodí, luxusných vlakov a mrakodrapov. Po celom svete sa používala na výzdobu veľkých filmových palácov konca 20. a 30. rokov. Neskôr, po Veľká depresia, štýl sa zmenil a stal sa triezvejším.

Dobrým príkladom luxusného štýlu Art Deco je budoár módneho návrhára Jeanne Lanvin, navrhol Armand-Albert Rateau (1882–1938) vyrobené v rokoch 1922–25. Nachádzala sa v jej dome na adrese 16 rue Barbet de Jouy v Paríži, ktorý bol zbúraný v roku 1965. Miestnosť bola zrekonštruovaná v Parížskom múzeu dekoračného umenia. Steny sú pokryté tvarovanou lištou lambris dole vytvarované basreliéfy v štuku. Výklenok je orámovaný mramorovými stĺpmi so základňami a soklom z tvarovaného dreva. Podlaha je z bieleho a čierneho mramoru a v skriniach sú ozdobné predmety zobrazené na pozadí modrého hodvábu. V jej kúpeľni bola vaňa a umývadlo zo sienového mramoru so stenou z vyrezávaného štuku a bronzového kovania.[68]

Do roku 1928 sa štýl stal pohodlnejším s klubovými stoličkami z hlbokej kože. Štúdia, ktorú navrhla parížska firma Alavoine pre amerického podnikateľa v rokoch 1928–30, teraz v Brooklynské múzeum.

Do 30. rokov bol štýl trochu zjednodušený, bol však stále extravagantný. V roku 1932 vykonal dekoratér Paul Ruoud sklenený salón pre Suzanne Talbot. Zahŕňalo to hadovité kreslo a dve rúrkové kreslá od Eileen Grayovej, podlahu z matných postriebrených sklenených dosiek, panel abstraktných vzorov v striebornom a čiernom laku a sortiment zvieracích koží.[69]

Medzinárodná výstava moderného dekoratívneho a priemyselného umenia (1925)

Udalosť, ktorá poznamenala zenit štýlu a dala mu meno, bola Medzinárodná výstava moderného dekoratívneho a priemyselného umenia ktorá sa konala v Paríži od apríla do októbra roku 1925. Oficiálne ju sponzorovala francúzska vláda a týkala sa parížskeho pozemku s rozlohou 55 akrov, ktorý Grand Palais na pravom brehu do Les Invalides na ľavom brehu a pozdĺž brehov Seiny. Grand Palais, najväčšia sála v meste, bola naplnená exponátmi dekoračného umenia zo zúčastnených krajín. Bolo tam 15 000 vystavovateľov z dvadsiatich rôznych krajín vrátane Anglicka, Talianska, Španielska, Poľska, Československa, Belgicka, Japonska a nových Sovietsky zväz, aj keď Nemecko nebolo pozvané z dôvodu napätia po vojne a USA sa z dôvodu nepochopenia účelu výstavy odmietli zúčastniť. Počas sedemmesačného obdobia ho navštívilo šestnásť miliónov ľudí. Pravidlá výstavy vyžadovali, aby všetky práce boli moderné; neboli povolené žiadne historické štýly. Hlavným účelom výstavy bola propagácia francúzskych výrobcov luxusného nábytku, porcelánu, skla, kovovýroby, textilu a iných dekoratívnych výrobkov. Na ďalšiu propagáciu týchto výrobkov mali svoje vlastné pavilóny všetky hlavné parížske obchodné domy a významní dizajnéri. Expozícia mala druhoradý účel pri propagácii výrobkov z francúzskych kolónií v Afrike a Ázii, vrátane slonoviny a exotických drevín.

Hôtel du Collectionneur bol obľúbenou atrakciou na výstave; boli na ňom zobrazené nové nábytkové vzory Emile-Jacquesa Ruhlmanna, ako aj tkaniny, koberce v štýle art deco a maľba od Jean Dupas. Interiérový dizajn sledoval rovnaké princípy symetrie a geometrických tvarov, ktoré ho odlišujú od secesie, a jasné farby, jemné remeselné spracovanie vzácnych a drahých materiálov, ktoré ho odlišujú od prísnej funkčnosti modernistického štýlu. Zatiaľ čo väčšina pavilónov bola bohato zdobená a naplnená ručne vyrobeným luxusným nábytkom, dva pavilóny, a to Sovietsky zväz a Pavilion du Nouveau Esprit, postavené podľa časopisu s rovnakým menom Le Corbusiera, boli postavené v strohom štýle s obyčajné biele steny a žiadna dekorácia; patrili medzi najskoršie príklady modernistická architektúra.[70]

Mrakodrapy

Americké mrakodrapy označili vrchol štýlu art deco; stali sa najvyššími a najuznávanejšími modernými budovami na svete. Boli navrhnuté tak, aby ukazovali na prestíž svojich staviteľov prostredníctvom ich výšky, tvaru, farby a dramatického osvetlenia v noci.[71] The Americká budova radiátora od Raymond Hood (1924) skombinoval v dizajne budovy gotické a dekoračné moderné prvky. Čierna tehla na priečelí budovy (symbolizujúca uhlie) bola vybraná, aby poskytla predstavu o solídnosti a dala budove pevnú hmotu. Ostatné časti fasády boli pokryté zlatými tehlami (symbolizujúcimi oheň) a vstup zdobili mramorové a čierne zrkadlá. Ďalším skorým mrakodrapom v štýle art deco bol Detroit Budova opatrovníka, ktorý bol otvorený v roku 1929. Navrhnutý modernistom Wirt C. Rowland, bola budova prvou, ktorá ako dekoratívny prvok použila nehrdzavejúcu oceľ a namiesto tradičných ozdôb hojne využívala farebné vzory.

Panoráma New Yorku bola radikálne zmenená Budova Chrysler na Manhattane (dokončená v roku 1930), ktorú navrhol William Van Alen. Bola to obrovská sedemdesiatsedemposchodová reklama na automobily Chrysler. Vrchol korunovala veža z nehrdzavejúcej ocele a zdobili ju dekoračné „chrliče“ v podobe ozdôb viečka chladiča z nehrdzavejúcej ocele. Základňu veže, tridsaťtri poschodí nad ulicou, zdobili farebné vlysy v štýle art deco a vstupnú halu zdobili symboly a obrazy vyjadrujúce modernosť v štýle art deco.[72]

Po budove Chrysler nasledoval Empire State Building od William F. Lamb (1931) a Budova RCA (dnes 30 Rockefeller Plaza) od Raymonda Hooda (1933), čo spolu úplne zmenilo panorámu New Yorku. Vrchy budov boli zdobené korunami Art Deco a vežami pokrytými nehrdzavejúcou oceľou a v prípade budovy Chrysler chrličmi Art Deco podľa ornamentov radiátorov, zatiaľ čo vchody a predsiene boli honosne zdobené sochou Art Deco. keramika a dizajn. Podobné budovy, aj keď nie také vysoké, sa čoskoro objavili v Chicagu a ďalších veľkých amerických mestách. Budova Chrysler Building bola čoskoro výškovo prekonaná Empire State Building v trochu menej honosnom štýle Deco. Rockefellerovo centrum pridalo nový dizajnový prvok: niekoľko vysokých budov zoskupených okolo otvoreného námestia s fontánou v strede.[73]

Neskoré art deco

V roku 1925 v rámci Art Deco koexistovali dve rôzne konkurenčné školy: tradicionalisti, ktorí založili Spoločnosť dekoratívnych umelcov; patrili k tomu návrhár nábytku Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, sochár Antoine Bourdelle a dizajnér Paul Poiret; kombinovali moderné formy s tradičným remeselným spracovaním a drahými materiálmi. Na druhej strane boli modernisti, ktorí čoraz viac odmietali minulosť a chceli štýl založený na pokroku v nových technológiách, jednoduchosti, nedostatku dekorácií, lacných materiáloch a hromadnej výrobe. Modernisti založili vlastnú organizáciu, Francúzsky zväz moderných umelcov, v roku 1929. Medzi jej členov patrili architekti Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-StevensCorbusier a v Sovietskom zväze Konštantín Melnikov; írska návrhárka Eileen Gray a francúzska návrhárka Sonia Delaunay, klenotníčka Jean Fouquet a Jean Puiforcat. Zúrivo zaútočili na tradičný štýl art deco, ktorý podľa nich bol stvorený iba pre bohatých, a trvali na tom, že dobre postavené budovy by mali mať k dispozícii všetci a táto forma by mala nasledovať po funkcii. Krása objektu alebo budovy spočívala v tom, či bola dokonale spôsobilá na plnenie svojej funkcie. Moderné priemyselné metódy znamenali, že nábytok a budovy sa mohli vyrábať hromadne, a nie ručne.[74][75]

Interiérový dizajnér Art Deco Paul Follot obhajoval Art Deco takto: „Vieme, že človek sa nikdy neuspokojí s tým nevyhnutným a že nadbytočný je vždy potrebný ... Ak nie, museli by sme sa zbaviť hudby, kvetov a parfumy ..! “[76] Le Corbusier bol však skvelým publicistom pre modernistickú architektúru; uviedol, že dom je jednoducho „stroj na život“, a neúnavne presadzoval myšlienku, že Art Deco je minulosť a modernizmus budúcnosť. Le Corbusier's ideas were gradually adopted by architecture schools, and the aesthetics of Art Deco were abandoned. The same features that made Art Deco popular in the beginning, its craftsmanship, rich materials and ornament, led to its decline. The Great Depression that began in the United States in 1929, and reached Europe shortly afterwards, greatly reduced the number of wealthy clients who could pay for the furnishings and art objects. In the Depression economic climate, few companies were ready to build new skyscrapers.[35] Even the Ruhlmann firm resorted to producing pieces of furniture in series, rather than individual hand-made items. The last buildings built in Paris in the new style were the Museum of Public Works by Auguste Perret (now the French Economic, Social and Environmental Council) a Palais de Chaillot od Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu a Léon Azémaa Palais de Tokyo z 1937 Paris International Exposition; they looked out at the grandiose pavilion of Nazi Germany, designed by Albert Speer, which faced the equally grandiose socialist-realist pavilion of Stalin's Soviet Union.

After World War II the dominant architectural style became the International Style pioneered by Le Corbusier, and Mies Van der Rohe. A handful of Art Deco hotels were built in Miami Beach after World War II, but elsewhere the style largely vanished, except in industrial design, where it continued to be used in automobile styling and products such as jukeboxes. In the 1960s, it experienced a modest academic revival, thanks in part to the writings of architectural historians such as Bevis Hillier. In the 1970s efforts were made in the United States and Europe to preserve the best examples of Art Deco architecture, and many buildings were restored and repurposed. Postmodern architecture, which first appeared in the 1980s, like Art Deco, often includes purely decorative features.[35][59][77][78] Deco continues to inspire designers, and is often used in contemporary fashion, jewelry, and toiletries.[79]

Maľba

There was no section set aside for painting at the 1925 Exposition. Art deco painting was by definition decorative, designed to decorate a room or work of architecture, so few painters worked exclusively in the style, but two painters are closely associated with Art Deco. Jean Dupas painted Art Deco murals for the Bordeaux Pavilion at the 1925 Decorative Arts Exposition in Paris, and also painted the picture over the fireplace in the Maison de la Collectioneur exhibit at the 1925 Exposition, which featured furniture by Ruhlmann and other prominent Art Deco designers. His murals were also prominent in the decor of the French ocean liner SS Normandie. His work was purely decorative, designed as a background or accompaniment to other elements of the decor.[80]

The other painter closely associated with the style is Tamara de Lempicka. Born in Poland, she emigrated to Paris after the Ruská revolúcia. She studied under Maurice Denis a André Lhote, and borrowed many elements from their styles. She painted portraits in a realistic, dynamic and colorful Art Deco style.[81]

In the 1930s a dramatic new form of Art Deco painting appeared in the United States. During the Great Depression, the Federal Art Project z Works Progress Administration was created to give work to unemployed artists. Many were given the task of decorating government buildings, hospitals and schools. There was no specific art deco style used in the murals; artists engaged to paint murals in government buildings came from many different schools, from American regionalism to sociálny realizmus; they included Reginald Marsh, Rockwell Kent and the Mexican painter Diego Rivera. The murals were Art Deco because they were all decorative and related to the activities in the building or city where they were painted: Reginald Marsh and Rockwell Kent both decorated U.S. postal buildings, and showed postal employees at work while Diego Rivera depicted automobile factory workers for the Inštitút umenia v Detroite. Diego Rivera's mural Man at the Crossroads (1933) for Rockefeller Center featured an unauthorized portrait of Lenin.[82][83] When Rivera refused to remove Lenin, the painting was destroyed and a new mural was painted by the Spanish artist Josep Maria Sert.[84][85][86]

Plastika

Monumental and public sculpture

Sculpture was a very common and integral feature of Art Deco architecture. In France, allegorical bas-reliefs representing dance and music by Antoine Bourdelle decorated the earliest Art Deco landmark in Paris, the Théâtre des Champs-Élysées, in 1912. 1925 had major sculptural works placed around the site, pavilions were decorated with sculptural friezes, and several pavilions devoted to smaller studio sculpture. In the 1930s, a large group of prominent sculptors made works for the 1937 Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne at Chaillot. Alfred Janniot made the relief sculptures on the façade of the Palais de Tokyo. The Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, and the esplanade in front of the Palais de Chaillot, facing the Eiffel Tower, was crowded with new statuary by Charles Malfray, Henry Arnold, and many others.[87]

Public art deco sculpture was almost always representational, usually of heroic or allegorical figures related to the purpose of the building or room. The themes were usually selected by the patrons, not the artist. Abstract sculpture for decoration was extremely rare.[88][89]

In the United States, the most prominent Art Deco sculptor for public art was Paul Manship, who updated classical and mythological subjects and themes in an Art Deco style. His most famous work was the statue of Prometheus o Rockefellerovo centrum in New York, a 20th-century adaptation of a classical subject. Other important works for Rockefeller Center were made by Lee Lawrie, including the sculptural facade and the Atlas statue.

Počas Veľká depresia in the United States, many sculptors were commissioned to make works for the decoration of federal government buildings, with funds provided by the WPA, or Works Progress Administration. They included sculptor Sidney Biehler Waugh, who created stylized and idealized images of workers and their tasks for federal government office buildings.[90] In San Francisco, Ralph Stackpole provided sculpture for the facade of the new San Francisco Stock Exchange budova. In Washington DC, Michael Lantz made works for the Federálna obchodná komisia budova.

In Britain, Deco public statuary was made by Eric Gill pre BBC Broadcasting House, while Ronald Atkinson decorated the lobby of the former Daily Express Building in London (1932).

One of the best known and certainly the largest public Art Deco sculpture is the Kristus Vykupiteľ by the French sculptor Paul Landowski, completed between 1922 and 1931, located on a mountain top overlooking Rio de Janeiro, Brazil.

Studio sculpture

Many early Art Deco sculptures were small, designed to decorate salons. One genre of this sculpture was called the Chryselephantine statuette, named for a style of ancient Greek temple statues made of gold and ivory. They were sometimes made of bronze, or sometimes with much more lavish materials, such as ivory, onyx, alabaster, and gold leaf.

One of the best-known Art Deco salon sculptors was the Romanian-born Demétre Chiparus, who produced colorful small sculptures of dancers. Other notable salon sculptors included Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol and Gustav Schmidtcassel.[91] Another important American sculptor in the studio format was Harriet Whitney Frishmuth, who had studied with Auguste Rodin v Paríži.

Pierre Le Paguays was a prominent Art Deco studio sculptor, whose work was shown at the 1925 Exposition. He worked with bronze, marble, ivory, onyx, gold, alabastr and other precious materials.[92]

François Pompon was a pioneer of modern stylized animalier sculpture. He was not fully recognized for his artistic accomplishments until the age of 67 at the Salon d'Automne of 1922 with the work Ours blanc, taktiež známy ako The White Bear, now in the Musée d'Orsay v Paríži.[93]

Parallel with these Art Deco sculptors, more avant-garde and abstract modernist sculptors were at work in Paris and New York. The most prominent were Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff a Pablo Gargallo.[94]

Graphic arts

The Art Deco style appeared early in the graphic arts, in the years just before World War I. It appeared in Paris in the posters and the costume designs of Léon Bakst for the Ballets Russes, and in the catalogs of the fashion designers Paul Poiret.[95] The illustrations of Georges Barbier, and Georges Lepape and the images in the fashion magazine La Gazette du bon ton perfectly captured the elegance and sensuality of the style. In the 1920s, the look changed; the fashions stressed were more casual, sportive and daring, with the woman models usually smoking cigarettes. American fashion magazines such as Vogue, Veľtrh márnosti a Harperov bazár quickly picked up the new style and popularized it in the United States. It also influenced the work of American book illustrators such as Rockwell Kent. In Germany, the most famous poster artist of the period was Ludwig Hohlwein, who created colorful and dramatic posters for music festivals, beers, and, late in his career, for the Nazi Party.[96]

During the Art Nouveau period, posters usually advertised theatrical products or cabarets. In the 1920s, travel posters, made for steamship lines and airlines, became extremely popular. The style changed notably in the 1920s, to focus attention on the product being advertised. The images became simpler, precise, more linear, more dynamic, and were often placed against a single color background. In France popular Art Deco designers included, Charles Loupot and Paul Colin, who became famous for his posters of American singer and dancer Josephine Baker. Jean Carlu designed posters for Charlie Chaplin movies, soaps, and theaters; in the late 1930s he emigrated to the United States, where, during the World War, he designed posters to encourage war production. The designer Charles Gesmar became famous making posters for the singer Mistinguett a pre Air France. Among the best known French Art Deco poster designers was Cassandre, who made the celebrated poster of the ocean liner SS Normandie v roku 1935.[96]

In the 1930s a new genre of posters appeared in the United States during the Great Depression. The Federal Art Project hired American artists to create posters to promote tourism and cultural events.

Architektúra

The architectural style of art deco made its debut in Paris in 1903–04, with the construction of two apartment buildings in Paris, one by Auguste Perret on rue Benjamin Franklin and the other on rue Trétaigne by Henri Sauvage. The two young architects used reinforced concrete for the first time in Paris residential buildings; the new buildings had clean lines, rectangular forms, and no decoration on the facades; they marked a clean break with the art nouveau štýl.[97] Between 1910 and 1913, Perret used his experience in concrete apartment buildings to construct the Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Between 1925 and 1928 he constructed the new art deco facade of the La Samaritaine department store in Paris.[98]

After the First World War, art deco buildings of steel and reinforced concrete began to appear in large cities across Europe and the United States. In the United States the style was most commonly used for office buildings, government buildings, movie theaters, and railroad stations. It sometimes was combined with other styles; Radnica v Los Angeles combined Art Deco with a roof based on the ancient Greek Mauzóleum v Halikarnase, kým Los Angeles railroad station combined Deco with Spanish mission architecture. Art Deco elements also appeared in engineering projects, including the towers of the Golden Gate Bridge and the intake towers of Hooverova priehrada. In the 1920s and 1930s it became a truly international style, with examples including the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts) in Mexico City od Federico Mariscal [es], Mayakovskaya Metro Station v Moskva a National Diet Building in Tokyo by Watanabe Fukuzo.[potrebná citácia]

The Art Deco style was not limited to buildings on land; the ocean liner SS Normandie, whose first voyage was in 1935, featured Art Deco design, including a dining room whose ceiling and decoration were made of glass by Lalique.[99]

"Cathedrals of Commerce"

The grand showcases of Art deco interior design were the lobbies of government buildings, theaters, and particularly office buildings. Interiors were extremely colorful and dynamic, combining sculpture, murals, and ornate geometric design in marble, glass, ceramics and stainless steel. An early example was the Fisher Building in Detroit, by Joseph Nathaniel French; the lobby was highly decorated with sculpture and ceramics. The Guardian Building (originally the Union Trust Building) in Detroit, by Wirt Rowland (1929), decorated with red and black marble and brightly colored ceramics, highlighted by highly polished steel elevator doors and counters. The sculptural decoration installed in the walls illustrated the virtues of industry and saving; the building was immediately termed the "Cathedral of Commerce". The Medical and Dental Building called 450 Sutter Street in San Francisco by Timothy Pflueger bol inšpirovaný Mayov architecture, in a highly stylized form; it used pyramid shapes, and the interior walls were covered highly stylized rows of hieroglyphs.[100]

In France, the best example of an Art Deco interior during period was the Palais de la Porte Dorée (1931) by Albert Laprade, Léon Jaussely a Léon Bazin. The building (now the National Museum of Immigration, with an aquarium in the basement) was built for the Paris Colonial Exposition of 1931, to celebrate the people and products of French colonies. The exterior facade was entirely covered with sculpture, and the lobby created an Art Deco harmony with a wood parquet floor in a geometric pattern, a mural depicting the people of French colonies; and a harmonious composition of vertical doors and horizontal balconies.[100]

Movie palaces

Many of the best surviving examples of Art Deco are movie theaters built in the 1920s and 1930s. The Art Deco period coincided with the conversion of silent films to sound, and movie companies built enormous theaters in major cities to capture the huge audience that came to see movies. Movie palaces in the 1920s often combined exotic themes with art deco style; Graumanovo egyptské divadlo in Hollywood (1922) was inspired by ancient Egyptian tombs a pyramídy, kým Fox Theater in Bakersfield, California attached a tower in California Mission style to an Art Deco hall. The largest of all is Radio City Music Hall in New York City, which opened in 1932. Originally designed as a stage theater, it quickly transformed into a movie theater, which could seat 6,015 persons. The interior design by Donald Deskey used glass, aluminum, chrome, and leather to create a colorful escape from reality. The Paramount Theatre in Oakland, California, by Timothy Pflueger, had a colorful ceramic facade a lobby four stories high, and separate Art Deco smoking rooms for gentlemen and ladies. Similar grand palaces appeared in Europe. The Grand Rex in Paris (1932), with its imposing tower, was the largest movie theater in Europe. The Gaumont State Cinema in London (1937) had a tower modeled after the Empire State building, covered with cream-colored ceramic tiles and an interior in an Art Deco-Italian Renaissance style. The Paramount Theater in Šanghaj, China (1933) was originally built as a dance hall called The gate of 100 pleasures; it was converted to a movie theater after the Communist Revolution in 1949, and now is a ballroom and disco. In the 1930s Italian architects built a small movie palace, the Cinema Impero, in Asmara v čom je teraz Eritrea. Today, many of the movie theaters have been subdivided into multiplexes, but others have been restored and are used as cultural centers in their communities.[101]

Zefektívniť moderné

In the late 1930s, a new variety of Art Deco architecture became common; it was called Zefektívniť moderné or simply Streamline, or, in France, the Style Paqueboat, or Ocean Liner style. Buildings in the style had rounded corners and long horizontal lines; they were built of reinforced concrete, and were almost always white; and they sometimes had nautical features, such as railings that resembled those on a ship. The rounded corner was not entirely new; it had appeared in Berlin in 1923 in the Mossehaus od Erich Mendelsohn, and later in the Hoover Building, an industrial complex in the London suburb of Perivale. In the United States, it became most closely associated with transport; Streamline moderne was rare in office buildings, but was often used for bus stations and airport terminals, such as the terminal at La Guardia airport in New York City that handled the first transatlantic flights, via the PanAm clipper flying boats; and in roadside architecture, such as gas stations and diners. In the late 1930s a series of diners, modeled after streamlined railroad cars, were produced and installed in towns in New England; at least two examples still remain and are now registered historic buildings.[102]

Decoration and motifs

Decoration in the Art Deco period went through several distinct phases. Between 1910 and 1920, as Art Nouveau was exhausted, design styles saw a return to tradition, particularly in the work of Paul Iribe. In 1912 André Vera published an essay in the magazine L'Art Décoratif calling for a return to the craftsmanship and materials of earlier centuries, and using a new repertoire of forms taken from nature, particularly baskets and garlands of fruit and flowers. A second tendency of Art Deco, also from 1910 to 1920, was inspired by the bright colors of the artistic movement known as the Fauves and by the colorful costumes and sets of the Ballets Russes. This style was often expressed with exotic materials such as sharkskin, mother of pearl, ivory, tinted leather, lacquered and painted wood, and decorative inlays on furniture that emphasized its geometry. This period of the style reached its high point in the 1925 Paris Exposition of Decorative Arts. In the late 1920s and the 1930s, the decorative style changed, inspired by new materials and technologies. It became sleeker and less ornamental. Furniture, like architecture, began to have rounded edges and to take on a polished, streamlined look, taken from the streamline modern style. New materials, such as chrome-plated steel, aluminum and bakelite, an early form of plastic, began to appear in furniture and decoration.[103]

Throughout the Art Deco period, and particularly in the 1930s, the motifs of the decor expressed the function of the building. Theaters were decorated with sculpture which illustrated music, dance, and excitement; power companies showed sunrises, the Chrysler building showed stylized hood ornaments; The friezes of Palais de la Porte Dorée at the 1931 Paris Colonial Exposition showed the faces of the different nationalities of French colonies. The Streamline style made it appear that the building itself was in motion. The WPA murals of the 1930s featured ordinary people; factory workers, postal workers, families and farmers, in place of classical heroes.[104]

Nábytok

French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the President of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style, and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colors inspired by Fauvism and the Nabis.[105]

The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined together to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.[106]

The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.[107] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.[108]

Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered art deco furniture at the end of in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.[109] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.

The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif štýl. He attacked furniture made only for the rich, and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.[110]

In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminum, chrome, and bakelite, an early form of plastic.[111] The Waterfall style was popular the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.[112]

Dizajn

Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamický principles developed for aviation and balistika to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.[61] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.[113][114][115][116]

New industrial materials began to influence design of cars and household objects. Medzi ne patrili aj tieto hliník, chróma bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily molded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.

Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palác vo Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.[35]

Textiles and fashion

Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colorful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly colored and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy a Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.[117]

The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colors. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth a Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.[118]

Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic colors and geometric designs.[118]

Fashion changed dramatically during the Art Deco period, thanks in particular to designers Paul Poiret a neskôr Coco Chanel. Poiret introduced an important innovation to fashion design, the concept of draping, a departure from the tailoring and pattern-making of the past.[119] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.[119] His styles offered structural simplicity[119] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. with the use of new materials, brighter colors and printed designs.[119] The designer Coco Chanel continued the transition, popularizing the style of sporty, casual chic.[120]

Šperky

In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamanty by introducing more colorful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. The settings for diamonds also changed; More and more often jewelers used platina instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewelers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.[121]

Jewelry became much more colorful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colorful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.[121]

Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewelry. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colorful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wrist-watch before World War I inspired jewelers to create extraordinary decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.[122]

The established jewelry houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussina Van Cleef & Arpels all created jewelry and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with nefrit, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.[122] The jeweler Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colors by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.[122]

Glass art

Rovnako ako secesné obdobie pred ním, aj Art Deco bolo výnimočným obdobím pre jemné sklo a iné dekoratívne predmety, navrhnuté tak, aby vyhovovali ich architektonickému prostrediu. Najznámejším výrobcom sklenených predmetov bol René Lalique, ktorého diela od váz až po ozdoby na kapoty pre automobily sa stali dobovými symbolmi. Pred prvou svetovou vojnou podnikal so sklom a navrhoval fľaše pre parfumy François Coty, ale s vážnou výrobou umeleckého skla sa začal až po 1. svetovej vojne. V roku 1918, vo veku 58 rokov, kúpil veľké sklárne v Combs-la-Ville a začal vyrábať umelecké aj praktické sklenené predmety. Sklo spracoval ako formu sochy, vytvoril sošky, vázy, misky, lampy a ozdoby. Namiesto olovnatého krištáľu používal skôr polokryštál, ktorý bol mäkší a ľahšie sa formoval, aj keď nie taký lesklý. Niekedy používal farebné sklo, ale častejšie používal opaleskujúce sklo, kde bola časť alebo celá vonkajšia plocha zafarbená praním. Lalique poskytla ozdobné sklenené panely, svetlá a osvetlené sklenené stropy pre zaoceánske lode SSÎle de France v roku 1927 a SS Normandie v roku 1935 a pre niektoré z prvotriednych lôžkových vozňov francúzskych železníc. Na výstave dekoratívnych umení v roku 1925 mal vlastný pavilón, navrhol jedáleň so sedadlom a zodpovedajúcim skleneným stropom pre pavilón Sèvres a navrhol sklenenú fontánu pre nádvorie Cours des Métier, štíhly sklenený stĺp, ktorý chrlila vodu zo strán a v noci bola osvetlená.[123]

Medzi ďalších významných výrobcov skla v štýle art deco patril Marius-Ernest Sabino, ktorý sa špecializoval na figúrky, vázy, misky a sklenené plastiky rýb, aktov a zvierat. Na tieto účely často používal opaleskujúce sklo, ktoré sa v závislosti od svetla mohlo meniť z bielej na modrú až po jantárovú. Jeho vázy a misky obsahovali tvarované vlysy zvierat, akty alebo busty žien s ovocím alebo kvetmi. Jeho práca bola menej jemná, ale farebnejšia ako práca Lalique.[123]

Medzi ďalších pozoruhodných návrhárov skla Deco patril Edmond Etling, ktorý tiež používal jasné opalizujúce farby, často s geometrickými vzormi a tvarovanými aktmi; Albert Simonet a Aristide Colotte a Maurice Marinot, ktorý bol známy svojimi hlboko leptanými sochárskymi fľašami a vázami. Firma Daum z mesta Nancy, ktorý sa preslávil secesným sklom, vyrobil rad dekoračných váz a sklenených plastík, pevných, geometrických a robustných tvarov. Jemnejšie viacfarebné diela vytvoril Gabriel Argy-Rousseau, ktorí vyrábali jemne sfarbené vázy s vyrezávanými motýľmi a nymfami, a Francois Decorchemont, ktorého vázy boli pruhované a mramorované.[123]

Veľká hospodárska kríza zničila veľkú časť priemyslu dekoratívneho skla, ktorý závisel od bohatých klientov. Niektorí umelci sa rozhodli pre návrh vitrážových okien pre kostoly. V roku 1937 Steuben sklárska spoločnosť začala praktizovať poverovanie slávnych umelcov výrobou skleneného tovaru.[123] Louis Majorelle, ktorý je známy svojím secesným nábytkom, navrhol pozoruhodné okno z farebného skla v štýle art deco, ktoré zobrazuje pracovníkov ocele pre kancelárie Aciéries de Longwy, oceliareň v Longwy, Francúzsko.

Katedrála v Amiens má vzácny príklad vitráží v štýle art deco v kaplnke Najsvätejšieho srdca, vyrobený v rokoch 1932-34 parížskym sklárskym umelcom Jean Gaudin podľa kresieb Jacquesa Le Bretona.[124]

Kovové umenie

Umelci v štýle art deco vyrábali širokú škálu praktických predmetov v štýle art deco, vyrobených z priemyselných materiálov od tradičného tepaného železa až po pochrómovanú oceľ. Americký umelec Norman Bel Geddes navrhol koktejlovú súpravu pripomínajúcu mrakodrap z pochrómovanej ocele. Raymond Subes navrhol elegantnú kovovú mriežku pre vstup do Palais de la Porte Dorée, ktorý je stredobodom parížskej koloniálnej výstavy v roku 1931. Francúzsky sochár Jean Dunand vyrobili nádherné dvere na tému „Lov“ pokryté zlatými listami a farbou na sadre (1935).[125]

Animácia

Vizuály a obrázky v štýle art deco boli použité vo viacerých animované filmy počítajúc do toho Batman, Nočná kukla, Všetky fér na veľtrhu, Veselé figuríny, Strana Slečna Gloryová, Fantázia a Spiaca kráska.[126]

Art deco architektúra po celom svete

Architektúra v štýle art deco začala v Európe, ale do roku 1939 existovali príklady vo veľkých mestách na každom kontinente a takmer v každej krajine. Toto je výber významných budov na každom kontinente. (Komplex existujúcich budov podľa krajín nájdete v Zoznam architektúry v štýle art deco.)

Afrika

Väčšina budov v štýle art deco v Afrike bola postavená počas európskej koloniálnej nadvlády a často ich navrhovali talianski a francúzski architekti.

Ázia

Veľa budov v štýle Art Deco v Ázii navrhli európski architekti. Ale na Filipínach miestni architekti ako napr Juan Nakpil, Juan Arellano a ďalšie boli vynikajúce. Mnoho pamiatok v Ázii v štýle art deco bolo zničených počas veľkej hospodárskej expanzie Ázie na konci 20. storočia, stále však zostávajú niektoré pozoruhodné enklávy architektúry, najmä v r. Šanghaj a Bombaj.

Austrália a Nový Zéland

Melbourne a austrálske Sydney majú niekoľko pozoruhodných budov v štýle art deco, vrátane Budova jednoty v Manchestri a bývalý Policajné riaditeľstvo na ulici Russell Street v Melbourne, Múzeum umenia v Castlemaine v Castlemaine, centrálna Viktória a Grace Building, Veža AWA a Anzac Memorial v Sydney.

Niekoľko miest na Novom Zélande vrátane Napier a Hastings boli po roku prestavané v štýle Art Deco 1931 zemetrasenie v Hawkeovom zálive, a veľa z týchto budov bolo chránených a obnovených. Napier bol nominovaný na UNESCO Stránka svetového dedičstva status, prvá kultúrna stránka na Novom Zélande, ktorá bola nominovaná.[128][129] Wellington si zachovala značný počet budov v štýle art deco.[130]

Kanada, Mexiko a USA

V Kanade sa zachovali štruktúry v štýle art deco hlavne vo veľkých mestách; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontárioa Vancouver. Pohybujú sa od verejných budov ako Radnica vo Vancouveri do komerčných budov (College Park) na verejné práce (R. C. Harris Úpravňa vody).

V Mexiko, najimpozantnejším príkladom art deco je interiér Palacio de Bellas Artes (Palác výtvarných umení), dokončený v roku 1934 s prepracovanou výzdobou a nástennými maľbami. Príklady bytovej architektúry Art Deco možno nájsť v Condesa susedstvo, veľa navrhla Francisco J. Serrano.

V Spojených štátoch sa budovy Art Deco nachádzajú od pobrežia k pobrežiu vo všetkých veľkých mestách. Najčastejšie sa používal pre kancelárske budovy, vlakové stanice, letiskové terminály a kiná; obytné budovy sú zriedkavé. V 20. a 30. rokoch 20. storočia architekti v Juhozápad USA, najmä v americkom štáte Nové Mexiko, kombinované Pueblo revival s Art Deco na vytvorenie Pueblo Deco, ako je vidieť na Divadlo KiMo v Albuquerque. V 30. rokoch 20. storočia sa stal obľúbeným prísnejší racionálny štýl. Mnoho budov bolo zbúraných medzi rokmi 1945 a koncom 60. rokov, ale potom sa začalo úsilie chrániť najlepšie príklady. Mesto Miami Beach založilo Architektonická štvrť v Miami Beach aby sa zachovala farebná zbierka budov Art Deco, ktoré sa tam nachádzajú.

Stredná Amerika a Karibik

Typický pôdorys, budova Lopez Serrano

Budovy v štýle art deco nájdete v celej Strednej Amerike. Obzvlášť bohatý

zbierka sa nachádza v Kuba, postavený predovšetkým pre veľký počet turistov, ktorí prišli na ostrov z USA. Jednou z takýchto budov je López Serrano postavená v rokoch 1929 až 1932 v Vedado časť Havana.

Európe

Architektonický štýl sa prvýkrát objavil v Paríži Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) od Auguste Perreta, potom sa však rýchlo rozšíril po Európe, až kým nenájdeme príklady takmer v každom veľkom meste, od Londýna po Moskvu. V Nemecku v 20. a 30. rokoch prekvitali dve variácie art deco: The Neue Sachlichkeit štýl a Expresionistická architektúra. Medzi pozoruhodné príklady patrí Mossehaus Ericha Mendelsohna a Schaubühne divadlo v Berlín, Fritz Högerje Chilehaus v Hamburg a jeho Kirche am Hohenzollernplatz v Berlíne, Anzeigerova veža v Hannover a veža Borsig v Berlíne.[132]

Jednou z najväčších budov v štýle art deco v západnej Európe je budova Bazilika Najsvätejšieho srdca v Koekelbergu v Bruseli. V roku 1925 získal architekt Albert van Huffel so svojou maketou baziliky Veľkú cenu za architektúru na výstave Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes v Paríži.[133]

Španielsko a Portugalsko majú niekoľko pozoruhodných príkladov budov v štýle art deco, najmä kín. Príkladom v Portugalsku je divadlo Capitólio (1931) a divadlo Éden Cine (1937) v Lisabon, Divadlo Rivoli (1937) a Coliseu (1941) v Porto a divadlo Rosa Damasceno (1937) v Santarém. Príkladom v Španielsku je Cine Rialto vo Valencii (1939).

V 30. rokoch 20. storočia mal Art Deco výrazný vplyv na dizajn domu vo Veľkej Británii,[59] ako aj návrh rôznych verejných budov.[77] Priame, bielo vykreslené priečelia domu stúpajúce k plochým strechám, ostro geometrické obklopenie dverí a vysoké okná, rovnako ako konvexne zakrivené kovové rohové okná, boli pre toto obdobie charakteristické.[78][134][135]


The Londýnske metro je známy mnohými príkladmi architektúry Art Deco,[136] a pozdĺž budovy je niekoľko budov v tomto štýle Zlatá míľa v Brentforde. V západnom Londýne sa tiež nachádza budova Hoover Building, ktorá bola pôvodne postavená pre Spoločnosť Hoover a začiatkom 90. rokov bola zmenená na supermarket.

Bukurešť, Rumunsko Bukurešť kedysi známa ako „Malý Paríž“ 19. storočia sa po prvej svetovej vojne vydáva na nové dobrodružstvo spolu s novými trendmi a pokrokom v oblasti technológií, čím svoju inšpiráciu presmerovala na ďalší horizont, New York. 30. roky 20. storočia prinášajú novú módu prinesenú novšou generáciou, ktorá sa odráža v kine, divadle, tanečných štýloch, umení a architektúre. Bukurešť sa v 30. rokoch 20. storočia niesla v znamení čoraz viac architektúry art deco od väčších bulvárov, ako je ulica Magheru, až po súkromné ​​domy a menšie štvrte. Jednou z prvých pamiatok modernej Bukurešti je Palác telefónov, ktorý by bol prvým mrakodrapom mesta. Bola to najvyššia budova medzi rokmi 1933 a 70. rokmi, s výškou 52,5 m. Architektmi boli Louis Weeks a Edmond Van Saanen a inžinier Walter Troy. Pomníky v štýle art deco sú rozhodujúcou súčasťou celej postavy Bukurešti, pretože opisujú a označujú dôležité obdobie z histórie, interbelický život (1. - 2. svet.). Bohužiaľ, väčšina budov z tých rokov je náchylná na katastrofy, Bukurešti hrozí ďalšie zemetrasenie, veľmi časté pre jej geografický región. Je skutočne dôležité chrániť dedičstvo art deco v Bukurešti a zachovať ďalšie veľké a základné hlavné mesto art deco z Európy. [137]

India

Indický inštitút architektov, založený v Bombaji v roku 1929, hral významnú úlohu pri propagácii hnutia Art Deco. V novembri 1937 tento inštitút usporiadal „výstavu ideálneho domova“, ktorá sa konala na radnici v Bombaji a ktorá trvala 12 dní a prilákala asi stotisíc návštevníkov. Vďaka tomu bol časopisom Journal of the Indian Institute of Architects vyhlásený za úspech. Exponáty zobrazovali „ideálne“ alebo lepšie popísané ako „najmodernejšie“ úpravy pre rôzne časti domu, pričom venovali veľkú pozornosť detailom, aby sa predišlo omylom v architektúre, a predstavili najefektívnejšie a najpremyslenejšie modely. Výstava sa zamerala na rôzne prvky domácnosti, od nábytku, prvkov interiérovej výzdoby, rádií a chladničiek s využitím nových a vedecky relevantných materiálov a metód.[138] Indických architektov, vedených túžbou napodobniť západ, fascinovala industriálna moderna, ktorú ponúka Art Deco.[138] Západné elity ako prvé experimentovali s technologicky vyspelými aspektmi art deco a architekti začali proces transformácie začiatkom 30. rokov.[138]

Rozširujúci sa prístavný obchod v Bombaji v 30. rokoch viedol k rastu vzdelanej populácie strednej triedy. Taktiež zaznamenala nárast počtu migrujúcich do Bombaja pri hľadaní pracovných príležitostí. To viedlo k naliehavej potrebe nového rozvoja prostredníctvom schém meliorácie a výstavby nových verejných a bytových budov.[139] Súčasne meniaca sa politická klíma v krajine a ašpiračná kvalita estetiky Art Deco viedli k úplnému prijatiu štýlu budovy v rozvoji mesta. Väčšinu budov z tohto obdobia možno vidieť rozmiestnených po mestských štvrtiach v oblastiach ako Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra a Chembur.[140][141]

Južná Amerika

Art Deco v Južnej Amerike je prítomné najmä v krajinách, ktoré v prvej polovici 20. storočia zaznamenali veľkú prisťahovaleckú vlnu, s pozoruhodnými dielami v ich najbohatších mestách, ako sú São Paulo a Rio de Janeiro v r. Brazília a Buenos Aires v Argentína.The Budova Kavanagh v Buenos Aires (1934), autor: Sánchez, Lagos a de la Torre, bola po dokončení najvyššou železobetónovou konštrukciou a pozoruhodným príkladom neskorého štýlu art deco.

Zachovanie a Neo Art Deco

V mnohých mestách sa vyvinulo úsilie na ochranu zvyšných budov v štýle art deco. V mnohých mestách USA sa zachovali historické kiná v štýle art deco, ktoré sa zmenili na kultúrne centrá. V rámci amerického architektonického dedičstva sa zachovali ešte skromnejšie budovy v štýle art deco; kaviareň a čerpacia stanica v štýle art deco pozdĺž Route 66 v Shamrocku v Texase je historická pamiatka. Architektonická štvrť v Miami Beach chráni niekoľko stoviek starých budov a vyžaduje, aby nové budovy zodpovedali tomuto štýlu. V HavanaNa Kube sa veľa budov v štýle art deco veľmi zhoršilo. V súčasnosti sa vyvíjajú snahy o vrátenie budov pôvodnej farbe a vzhľadu.

V 21. storočí sa v niektorých amerických mestách objavili moderné varianty art deco, ktoré sa nazývajú Neo Art Deco (alebo Neo-Art Deco), inšpirované klasickými budovami art deco v 20. a 30. rokoch.[142] Medzi príklady patrí Veža NBC v Chicagu, inšpirovaný 30 Rockefellerovo námestie v New Yorku; a Smithovo centrum múzických umení v Las Vegas v Nevade, ktorého súčasťou sú prvky art deco od Hooverova priehrada, päťdesiat míľ ďaleko.[142][143][144][145]

Galéria

Pozri tiež

Referencie

  1. ^ Texier 2012, s. 128.
  2. ^ a b Hillier 1968, s. 12.
  3. ^ a b Benton a kol. 2003, s. 16.
  4. ^ Renaut, Christophe a Lazé, Christophe, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), Editions Jean-Paul Gisserot, strany 110–116
  5. ^ Benton, Benton and Wood & Art Déco (1910–1939) 2010, s. 13–28.
  6. ^ „M. Cunny présente une Note sur un procédé vitro-héliographique applicable aux arts décoratifs“, Bulletin de la Société française de photographie, Société française de photographie. Éditeur: Société française de photographie (Paríž), 1858, Bibliothèque nationale de France, département Sciences et techniques, 8-V-1012
  7. ^ „Enfin, dans les ateliers, on travaille à l'achèvement des objets d'art décoratifs, qui sont très nombreux“, Le Figaro, Éditeur: Figaro (Paríž), 1869-09-18, č. 260, Bibliothèque nationale de France
  8. ^ L'Art décoratif à Limoges, Provincia La Voix de la: Revue littéraire, artistique, agricole et commerciale, 1862, (1862/04/01 (N1) -1863/01/01 (N12)), Bibliothèque francophone multimédia de Limoges, 2013-220524, Bibliothèque nationale de France
  9. ^ Revue des arts décoratifs (Paríž), 1880–1902, Bibliothèque nationale de France, département Sciences et techni, 4-V-1113
  10. ^ Le Corbusier, L'Art décoratif d'aujourd'hui„& Éditions Crès, zbierka„ L'Esprit Nouveau “, Paríž, 1925, s. 70-81.
  11. ^ Les années "25": art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau (francuzsky). Musée des arts décoratifs. 1966.
  12. ^ David Raizman; Carma Gorman (2009). Objekty, publikum a literatúra: Alternatívne príbehy v dejinách dizajnu. Vydavateľstvo Cambridge Scholars Publishing. p. 131. ISBN 978-1-4438-0946-7.
  13. ^ Richard Poulin (2012). Grafický dizajn a architektúra, História 20. storočia: Sprievodca písaním, obrázkami, symbolmi a vizuálnym rozprávaním v modernom svete. Rockport Publishers. p. 85. ISBN 978-1-61058-633-7.
  14. ^ Benton a kol. 2003, s. 430.
  15. ^ Hillier, Bevis (1971). Svet art deco: výstava organizovaná Inštitútom umenia v Minneapolise, jún - september 1971. E.P. Dutton. ISBN 978-0-525-47680-1.
  16. ^ Benton, Charlotte, Benton, Tim, Wood, Ghislaine, Art Déco dans le monde- 1910–39, 2010, Renaissance du Livre, ISBN 9782507003906, strany 16-17
  17. ^ Benton 2002, s. 165–170.
  18. ^ Metropolitná revue, zväzok 2, Metropolitan Press Publications, 1989, s. 8
  19. ^ a b Campbell, Gordon, Encyklopédia dekoračného umenia v Grove, Oxford University Press, USA, 9. novembra 2006, s. 42 (Vera), 43 (Cartier), 243 (Christofle), 15, 515, 527 (Lalique), 13, 134 (Boucheron), ISBN 0195189485
  20. ^ Salon d'Automne 2012, katalóg výstav
  21. ^ a b Campbell, Gordon, Encyklopédia dekoračného umenia v Grove, Oxford University Press, USA, 9. novembra 2006, str. 42-43 ISBN 0195189485
  22. ^ Laurent, Stephane, "L'artiste décorateur", v Art Deco, 1910–1939 autorky Charlotte Benton, Tim Benton a Ghislain Wood (2002), Renaissance du Livre, strany 165–171
  23. ^ Texier, Simon, Art Déco (2019), s. 5-7
  24. ^ Cabanne 1986, s. 225.
  25. ^ a b Bevis Hillier, Štýl storočia, 1900-1980, Dutton, New York, 1983, s. 62, 67, 70
  26. ^ Peter Collins, Betón: Vízia novej architektúry, New York: Horizon Press, 1959
  27. ^ Poisson 2009, s. 318–319.
  28. ^ Popisný text vo výzdobe dekoračného umenia na Musée d'Orsay, Paríž
  29. ^ a b Arwas 1992, s. 51-55.
  30. ^ a b c d e f Victor Arwas, Frank Russell, Art Deco, vydavateľ Harry N. Abrams. Inc. New York, 1980, s. 21, 52, 85, 171-184, 197-198], ISBN 0-8109-0691-0
  31. ^ a b c d Alastair Duncan, Encyklopédia art deco, Ilustratívny sprievodca dekoratívnym štýlom v rokoch 1920 až 1939, E.P. Dutton, New York, 1988, PP. 46-47, 71, 73, 76, 82, 130
  32. ^ a b Alice Mackrell, Paul Poiret, Holmes & Meier, New York, 1990, s. 16, 56
  33. ^ Duncan, Alastair (2009). Art Deco Complete: Definitívny sprievodca dekoratívnym umením 20. a 30. rokov. Abrams. ISBN 978-0-8109-8046-4.
  34. ^ Erle Loran (1963). Cézannova kompozícia: Analýza jeho formy s diagramami a fotografiami jeho motívov. University of California Press. p. 9. ISBN 978-0-520-00768-0.
  35. ^ a b c d e f g h Goss, Jared. „Francúzske art deco“. Metropolitné múzeum umenia. Získané 29. augusta 2016.
  36. ^ La Section d'or, 1912-1920-1925, Cécile Debray, Françoise Lucbert, Musées de Châteauroux, Musée Fabre, katalóg výstav, Éditions Cercle d'art, Paríž, 2000
  37. ^ André Vera, Štýl Le Nouveau, publikované v L'Art décoratif, január 1912, s. 21–32
  38. ^ Eve Blau, Nancy J. Troy, „The Maison Cubiste a význam modernizmu vo Francúzsku pred rokom 1914 “, v Architektúra a kubizmus, Montreal, Cambridge, MA, Londýn: MIT Press − Center Canadien d'Architecture, 1998, s. 17–40, ISBN 0-262-52328-0
  39. ^ Nancy J. Troy, Modernizmus a dekoratívne umenie vo Francúzsku: secesia Le Corbusierovi, New Haven CT a London: Yale University Press, 1991, s. 79–102, ISBN 0-300-04554-9
  40. ^ Stránka „Portréty architektov - André Mare“ v Cité de l'Architecture et du Patrimoine (vo francúzštine)
  41. ^ Christopher Green (2000). „Kapitola 8, Moderné priestory; Moderné objekty; Moderní ľudia“. Umenie vo Francúzsku, 1900–1940. Yale University Press. p. 161. ISBN 978-0-300-09908-9.
  42. ^ André Mare, Salon Bourgeois, Salon d'AutomneLiterárny prehľad Doom of the Antique, 30. novembra 1912, s. 1012]
  43. ^ Slnko (New York, NY), 10. novembra 1912. Kronika Ameriky: Historické americké noviny. Lib. Kongresu
  44. ^ Ben Davis, „Kubizmus“ na stretnutiach: moderné umenie, ktoré vyzerá tragicky starožitne, Výstava: „Kubizmus: Zbierka Leonarda A. Laudera“, Metropolitné múzeum umenia, Správy ArtNet, 6. novembra 2014]
  45. ^ La Maison Cubiste, 1912 Archivované 13. marca 2013 na Wayback Machine
  46. ^ Arwas 1992, s. 52.
  47. ^ a b Arwas 1992, s. 54.
  48. ^ Kubistische werken op de Armory Show
  49. ^ Detail knihy Duchamp-Villon Architektonická fasáda, katalógové číslo 609, neidentifikovaný fotograf, 1913. Walt Kuhn, rodinné noviny Kuhn a Zbrojárska výstava, 1859–1984, hromadné 1900–1949. Archívy amerického umenia, Smithsonian Institution
  50. ^ „Katalóg medzinárodnej výstavy moderného umenia: vo Zbrojnici šesťdesiatej deviatej pechoty, 1913, Duchamp-Villon, Raymond, Fasádne architektonické
  51. ^ Green, Christopher (2000). Schodisko Josepha Csakyho v dome Jacquesa Douceta. ISBN 0300099088. Získané 18. decembra 2012.
  52. ^ Aestheticus Rex (14. apríla 2011). „Štúdio svätého Jakuba Jacquesa Douceta v Neuilly-sur-Seine“. Aestheticusrex.blogspot.com.es. Získané 18. decembra 2012.
  53. ^ Imbert, Dorothée (1993). Modernistická záhrada vo Frances. ISBN 0300047169. Získané 18. decembra 2012.
  54. ^ Balas, Edith (1998). Joseph Csáky: Priekopník moderného sochárstva. Americká filozofická spoločnosť. p.5. ISBN 9780871692306. Získané 18. decembra 2012.
  55. ^ Arwas 1982, s. 70.
  56. ^ Richard Harrison Martin, Kubizmus a móda, Metropolitné múzeum umenia (New York, NY), 1998, s. 99, ISBN 0870998889
  57. ^ Eugène Grasset (1905). „Méthode de composition ornementale, Éléments rectilignes“ (francuzsky). Librarie Centrale des Beaux-Arts, Paríž. Získané 18. decembra 2012 - cez Gallicu.
  58. ^ Eugène Grasset (1905). „Méthode de composition ornementale“ (vo francúzštine) (zverejnené 10. marca 2001). Získané 18. decembra 2012.
  59. ^ a b c d "Štýl Art Deco". Múzeum v Londýne. Archivované od pôvodné 7. februára 2008. Získané 6. novembra 2008.
  60. ^ Wood, Ghislaine (2003). Základné art deco. London: VA&A Publications. ISBN 0-8212-2833-1.
  61. ^ a b Hauffe, Thomas (1998). Dizajn: Stručná história (1. vyd.). Londýn: Laurence King.
  62. ^ „Študijný sprievodca Art Deco“. Múzeum Viktórie a Alberta. Archivované z pôvodného dňa 25. októbra 2008. Získané 1. novembra 2008.
  63. ^ Juster, Randy. „Úvod do art deco“. decopix.com. Archivované od pôvodné dňa 29. októbra 2008. Získané 7. novembra 2008.
  64. ^ "Ako vzniklo art deco". University Times. University of Pittsburgh. 36 (4). 9. októbra 2003.
  65. ^ Jirousek, Charlotte (1995). „Umenie, dizajn a vizuálne myslenie“. Archivované od originálu 2. decembra 2008. Získané 7. novembra 2008.
  66. ^ Duncan 1988, s. 8-10.
  67. ^ Duncan 1988, s. 7–8.
  68. ^ Arwas 1992, s. 82.
  69. ^ Arwas 1992, s. 77.
  70. ^ Charles 2013, s. 35–104.
  71. ^ John Burchard a Albert Bush Brown, Architektúra Ameriky (1966), Atlantic, Little and Brown, strana 277
  72. ^ Benton 202, s. 249–258.
  73. ^ Morel 2012, s. 125–30.
  74. ^ Le Corbusier, Verzia architektúry, Flammarion, publikované v roku 1995, strana xix
  75. ^ On-line vydanie encyklopédie Larousse (vo francúzštine)
  76. ^ Duncan 1988, s. 8.
  77. ^ a b Fell, Charlotte; Fell, Peter (2006). Príručka k dizajnu: Koncepty, materiály a štýly (1. vyd.). Taschen.
  78. ^ a b Heindorf, Anne (24. júla 2006). „Art Deco (20. až 30. roky)“. Archivované od pôvodné 7. februára 2008. Získané 6. novembra 2008.
  79. ^ Gaunt, Pamela (august 2005). „Dekoratívne umenie dvadsiateho storočia: Príbeh úpadku a oživenia“ (PDF). Archivované od pôvodné (PDF) dňa 17. decembra 2008.
  80. ^ Louis René Vian, Les Arts décoratifs à bord des paquebots français, Éditions Fonmare, 1992
  81. ^ Blondel, Alain (1999). Tamara de Lempicka: a Catalogue Raisonné 1921–1980. Lausanne: Edície Acatos.
  82. ^ Balfour, Alan (1978). Rockefellerovo centrum: Architektúra ako divadlo. McGraw-Hill, Inc., s. 311, ISBN 978-0-070-03480-8
  83. ^ „Kritika Archibalda MacLeisha“. Enotes.com. Získané 8. decembra 2011.
  84. ^ „City College of San Francisco: Rivera Mural - San Francisco CA“. Živá nová dohoda. Katedra geografie, Kalifornská univerzita v Berkeley. Získané 15. júna 2015.
  85. ^ Atkins, Robert (1993). ArtSpoke: Sprievodca modernými myšlienkami, hnutiami a módnymi slovami, 1848–1944. Abbeville Press. ISBN 978-1-55859-388-6.
  86. ^ „Projekt obnovy umeleckého diela Works Progress Administration (WPA)“. Úrad generálneho inšpektora, Správa všeobecných služieb. Archivované od pôvodné dňa 19. septembra 2015. Získané 13. júna 2015.
  87. ^ Arwas 1992, s. 165–66.
  88. ^ Eva Weber, Art deco v Amerike, Exeter Books, 1985, s. 32, ISBN 0671808044
  89. ^ Duncan, Alistair, Art Deco, s. 121-141
  90. ^ Duncan, Art Deco (1988), str. 140
  91. ^ Arwas 1992, s. 141–163.
  92. ^ Brian Catley, Deco a ďalšie bronzy, s. 203–209, ISBN 978-1851493821
  93. ^ Kjellberg, Pierre (1994). Bronzy 19. storočia (Prvé vydanie). Atglen, Pensylvánia: Schiffer Publishing, Ltd. s. 551. ISBN 0-88740-629-7.
  94. ^ Edith Balas, 1998, Joseph Csaky: Priekopník moderného sochárstva, Philadelphia: Americká filozofická spoločnosť
  95. ^ Paul Iribe, Les robes de Paul Poiret, 1908
  96. ^ a b Duncan 1988, s. 148–150.
  97. ^ Poisson, 2009 a strany 299 a 318.
  98. ^ Slivka 2014, s. 134.
  99. ^ Ardman, s. 86-87
  100. ^ a b Duncan 1988, s. 198–200.
  101. ^ Duncan 1988, s. 197–199.
  102. ^ Duncan 1988, s. 197.
  103. ^ Vysvetľujúci text k art deco v Múzeu dekoračného umenia v Paríži
  104. ^ Duncan 1988, s. 250.
  105. ^ Benton 2002, s. 91–93.
  106. ^ Arwas 1992, s. 51.
  107. ^ Duncan 1988, s. 15.
  108. ^ Arwas 1992, s. 56.
  109. ^ Duncan 1988, s. 18–19.
  110. ^ Alexandra Griffith Winton, Dizajn, 1925–50. Metropolitné múzeum umenia, Heilbrunn, časová os dejín umenia, október 2008
  111. ^ Duncan 1988, s. 36.
  112. ^ Cooper, Dan (november 2011). „Nábytok jazzovej doby“. Interiéry starých domov. William J. O'Donnell. 7 (6): 42.
  113. ^ Gartman, David (1994). Auto ópium. Routledge. s. 122–124. ISBN 978-0-415-10572-9.
  114. ^ „Krivky ocele: efektívny dizajn automobilov“. Múzeum umenia vo Phoenixe. 2007. Získané 1. september 2010.
  115. ^ Armi, C. Edson (1989). Umenie amerického automobilového dizajnu. Pennsylvania State University Press. p. 66. ISBN 978-0-271-00479-2.
  116. ^ Hinckley, James (2005). Veľká kniha automobilovej kultúry: Sprievodca kreslom pre automobilku Americana. Vydavateľstvo MotorBooks / MBI. p. 239. ISBN 978-0-7603-1965-9.
  117. ^ De Morant, Henry, Histoire des arts décoratifs (1970), str. 448-453
  118. ^ a b Beltra, Rubio, Za poznaním art deco v textilnom a módnom dizajne, 20. Decembra 2016, webová stránka Metropolitné múzeum
  119. ^ a b c d Metropolitné múzeum umenia - špeciálne výstavy: Poiret: kráľ módy
  120. ^ Horton, Ros; Simmons, Sally (2007). Ženy, ktoré zmenili svet. Quercus. p. 103. ISBN 978-1847240262. Získané 8. marca 2011.
  121. ^ a b Arwas 1992, s. 121–123.
  122. ^ a b c Arwas 1992, s. 125.
  123. ^ a b c d Arwas 1992, s. 245–250.
  124. ^ Plagnieux 2003, s. 82.
  125. ^ Duncan 1988, s. 71–81.
  126. ^ „Prezentácia Art Deco v animácii“. Cartoon Brew. 4. marca 2008.
  127. ^ Denison, Edward (2007). Sprievodca Bradtom: Eritrea. Bradt. p. 112. ISBN 978-1-84162-171-5.
  128. ^ „Zemetrasenie v Napieri“. Artdeconapier.com. 3. februára 1931. Archivované od pôvodné dňa 6. júla 2010. Získané 8. júla 2010.
  129. ^ „Domov - Art Deco Trust“. Artdeconapier.com. Archivované z pôvodného 30. júna 2010. Získané 8. júla 2010.
  130. ^ „Stezka dedičstva Art Deco“ (PDF). wellington.gov.nz. Získané 22. februára 2016.
  131. ^ „Turner, prof. David Warren, (narodený 16. júla 1927), pracovník Balliol College v Oxforde, 1967 - 1994, dnes emeritný pracovník; Profesor elektrónovej spektroskopie, Oxford, 1985 - 1994, teraz emeritný profesor", Kto je kto, Oxford University Press, 1. decembra 2007, doi:10.1093 / ww / 9780199540884.013.38212
  132. ^ James, Kathleen (1997). Erich Mendelsohn a architektúra nemeckej moderny. Cambridge University Press. ISBN 9780521571685.
  133. ^ „Bazilika Najsvätejšieho srdca, Koekelberg“. Basilicakoekelberg.be. 8. marca 2011. Získané 7. decembra 2012.
  134. ^ „Budovy v štýle art deco“. london-footprints.co.uk. 2007. Archivované z pôvodného dňa 11. decembra 2008. Získané 6. novembra 2008.
  135. ^ „Art Deco vo Frintone na mori“. Art Deco Classics. 2006. Archivované od pôvodné dňa 1. decembra 2008. Získané 6. novembra 2008.
  136. ^ „Štyri programy - ikony v štýle art deco“. BBC. 14. novembra 2009. Získané 8. júla 2010.
  137. ^ https://artdecobucharest.ro/
  138. ^ a b c Prakash, Gyan (2010). Bombajské bájky. Princeton University Press. p. 99. ISBN 9780691142845.
  139. ^ Sharada., Dwivedi (1995). Bombaj: mestá vo vnútri. Mehrotra, Rahul., Mulla-Feroze, Umaima. Bombaj: India Book House. ISBN 818502880X. OCLC 33153751.
  140. ^ Sharada., Dwivedi (2008). Bombay Deco. Mehrotra, Rahul., Gobhai, Noshir. Bombaj: Eminenčné vzory. ISBN 978-8190382151. OCLC 300923025.
  141. ^ „Inventár | Art Deco“. www.artdecomumbai.com. Získané 10. januára 2018.
  142. ^ a b Barbara B. Capitman, Znovuobjavenie art deco v USA, Viking Studio Books, 1994, s. 52, ISBN 0525934421
  143. ^ Schwarz Architects o Smithovom centre
  144. ^ [1] Archivované 24. marca 2010 na Wayback Machine
  145. ^ Vaše meno tu (24. januára 2013). „Často kladené otázky (FAQ) - Smithovo centrum múzických umení“. Thesmithcenter.com. Archivované od pôvodné dňa 2. mája 2015. Získané 23. marca 2013.

Bibliografia

Vonkajšie odkazy

Pin
Send
Share
Send