Secesia - Art Nouveau - Wikipedia

Z Wikipédie, Voľnej Encyklopédie

Pin
Send
Share
Send

Secesia
Abatyše.JPG
Alfons Mucha - F. Champenois Imprimeur-Éditeur.jpg
Louis comfort tiffany, lampada da tavolo pomb lily, 1900-10 ca..JPG
Louis Majorelle - nástenná skrinka - Walters 6587.jpg
Tassel House stairway.JPG
V smere hodinových ručičiek zľava hore: stanica metra Paríž Abatyšeod, Hector Guimard (1900); Litografia Alfons Mucha (1898); Nástenná skrinka od Louis Majorelle; Svietidlo Louis Comfort Tiffany (1900–1910); Interiér Hôtel Tassel od Victor Horta (1892–1893).
Roky aktívnec. 1890–1910
Krajinazápadný svet

Secesia (/ˌɑːrtnˈv,ˌɑːr/; Francúzština:[aʁ nuvo]) je medzinárodný štýl umenia, architektúry a úžitkové umenie, najmä dekoratívne umenie, známe v rôznych jazykoch pod rôznymi názvami: Jugendstil V Nemecku, Stile Liberty v taliančine, Modernisme català v katalánčine atď. V angličtine je tiež známy ako Moderný štýl (britský secesný štýl). Štýl bol najpopulárnejší medzi rokmi 1890 a 1910.[1] Bola to reakcia proti akademické umenie, eklekticizmus a historizmus architektúry a výzdoby 19. storočia. Často bola inšpirovaná prírodnými formami, ako sú vlnité krivky rastlín a kvetov.[2] Ďalšími charakteristikami secesie bol zmysel pre dynamiku a pohyb, často daný asymetriou resp linky na krka použitie moderných materiálov, najmä železa, skla, keramiky a neskôr betónu, na vytvorenie neobvyklých foriem a väčších otvorených priestorov.[3]

Jedným z hlavných cieľov secesie bolo prelomiť tradičné rozlíšenie medzi výtvarným umením (najmä maliarstvom a sochárstvom) a úžitkovým umením. Najčastejšie sa používal v interiérovom dizajne, grafike, nábytku, sklárskom umení, textíliách, keramike, klenotníctve a kovoobrábaní. Tento štýl reagoval na popredných teoretikov 19. storočia, ako napríklad francúzsky architekt Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814–1879) a britský kritik umenia John Ruskin (1819–1900). V Británii to bolo ovplyvnené William Morris a Hnutie umeleckých remesiel. Nemeckí architekti a dizajnéri sa usilovali o duchovné povznesenie Gesamtkunstwerk („celkové umelecké dielo“), ktoré by zjednotilo architektúru, zariadenie a umenie v interiéri v spoločnom štýle, aby pozdvihlo a inšpirovalo obyvateľov.[3]

Prvé secesné domy a interiérové ​​dekorácie sa objavil v Bruseli v 90. rokoch 19. storočia v architektúre a vnútornom dizajne domov navrhnutých Paul Hankar, Henry van de Velde, a hlavne Victor Horta, ktorého Hôtel Tassel bola dokončená v roku 1893.[4][5][6] Rýchlo sa presunul do Paríža, kde bol adaptovaný Hector Guimard, ktorý videl prácu Horty v Bruseli a použil štýl pre vstupy nových Paris Métro. Vrchol dosiahol pri 1900 Parížska medzinárodná výstava, ktorá predstavila secesnú tvorbu umelcov ako napr Louis Tiffany. V grafike sa objavila na plagátoch Alfons Muchaa sklo z René Lalique a Émile Gallé.

Z Belgicka a Francúzska sa rozšírila do zvyšku Európy a v každej krajine získala odlišné názvy a charakteristiky (pozri Sekcia pomenovania nižšie). Často sa objavovala nielen v hlavných mestách, ale aj v rýchlo sa rozvíjajúcich mestách, ktoré chceli vytvoriť umeleckú identitu (Turín a Palermo v Taliansku; Glasgow v Škótsku; Mníchov a Darmstadt v Nemecku), ako aj v centrách hnutí za nezávislosť (Helsinki vo Fínsku, potom súčasťou ruského impéria; Barcelona v Katalánsko, Španielsko).

Do roku 1914 a na začiatku Prvá svetová vojna, Secesia bola do značnej miery vyčerpaná. V 20. rokoch 20. storočia ju ako dominantný architektonický a dekoratívny umelecký štýl nahradil Art Deco a potom Modernizmus.[7] Secesnému štýlu sa začala pozitívnejšia pozornosť kritikov dostávať koncom 60. rokov 20. storočia, keď sa uskutočnila veľká výstava diel Hector Guimard na Múzeum moderného umenia v roku 1970.[8]

Pomenovanie

Termín Secesia bol prvýkrát použitý v 80. rokoch 19. storočia v belgickom časopise L'Art Moderne opísať prácu Les Vingt, dvadsať maliarov a sochárov, ktorí hľadajú reformu prostredníctvom umenia. Názov spopularizoval Maison de l'Art Nouveau („Dom nového umenia“), umelecká galéria otvorená v Paríži v roku 1895 francúzsko-nemeckou formou predajca umenia Siegfried Bing. V Británii francúzsky výraz Secesia sa bežne používalo, zatiaľ čo vo Francúzsku sa to často nazývalo týmto výrazom Štýl moderný (podobný britskému výrazu Moderný štýl) alebo Štýl 1900.[9] Vo Francúzsku sa tomu tiež niekedy hovorilo Štýl Jules Verne (po prozaikovi Jules Verne), Style Métro (po Hector Guimardželezné a sklenené vchody metra), Art Belle Époquealebo Art fin de siècle.[10]

Secesia súvisí, ale nie je totožná so štýlmi, ktoré sa objavili v mnohých krajinách Európy približne v rovnakom čase. Ich miestne názvy sa často používali v príslušných krajinách na opísanie celého hnutia.

  • V Belgicku sa to niekedy nazývalo Štýl puču („Štýl Whiplash“), Paling Stijl („Štýl úhora“) alebo Štýl nouille („Nudlový štýl“) jeho kritikmi.[10]
  • V Británia, okrem secesie bol známy ako Moderný štýl, alebo z dôvodu prác používateľa Glasgowská školaako Glasgowský štýl. Termín Moderný sa tiež používa v Azerbajdžan, Kazachstan, Rusko a Ukrajinaa Modernas v Litva.
  • V Nemecku a Škandinávii sa to volalo Reformstil („Reformný štýl“) alebo Jugendstil („Štýl mládeže“), po populárnom nemeckom umeleckom časopise s rovnakým názvom,[10] ako aj Wellenstil („Štýl vlny“) alebo Lilienstil („Štýl Lily“).[9] Teraz sa volá Jugend vo Fínsku a Švédsku, Juugend v Estónskoa Jūgendstils v Lotyšsko.
  • V Dánsku je známa ako Skønvirke („Dielo krásy“).
  • V Rakúsku a susedných krajinách je potom súčasťou Rakúsko-Uhorské cisárstvo, Wiener Jugendstilalebo Secesie ("Secesný štýl"), podľa umelcov Viedenská secesia (Maďarský: szecesszió, Česky: secese, Slovák: secesia, Poľský: secesja).
  • V Taliansku sa tomu často hovorilo Štýl slobody, po Arthur Lasenby Liberty, zakladateľ spoločnosti London's Liberty & Co., ktorých textilné vzory boli populárne. Tiež sa to niekedy volalo Stile floreale („Kvetinový štýl“) alebo Arte nuova („Nové umenie“).[10]
  • V Spojených štátoch kvôli spojeniu s Louis Comfort Tiffany, niekedy sa mu hovorilo „štýl Tiffany“.[3][11][9][12]
  • V Holandsku sa to volalo Nieuwe Kunst („Nové umenie“) alebo Nieuwe Stijl ("Nový štýl").[11][9]
  • V Portugalsku Arte nova.
  • V Španielsku, Modernizmus, Modernizmus (v katalánčine) a Arte joven („Mladé umenie“).
  • Vo Švajčiarsku, Štýl Sapin („Štýl borovice“).[9]
  • Vo Fínsku Štýl Kalevala.
  • V Rusku, Модерн („Moderný“) alebo na maľovanie Мир Искусства (Mir Iskusstva„Svet umenia“).
  • V Japonsku, Shiro-Uma.[13]
  • V Rumunsko, Arta Nouă („Nové umenie“) alebo Noul Stil ("Nový štýl").[14]

História

Počiatky

Nové umelecké hnutie malo korene v Británii v kvetinových vzoroch William Morrisa v Hnutie umeleckých remesiel založili žiaci Morrisa. Medzi skoré prototypy štýlu patrí Červený dom s interiérmi od Morrisa a architektúrou od Philip Webb (1859), a honosné Peacock Room od James Abbott McNeill Whistler. Nové hnutie bolo tiež silne ovplyvnené Prerafaelitov maliari vrátane Dante Gabriel Rossetti a Edward Burne-Jones, a najmä britskými grafikmi z 80. rokov 19. storočia, vrátane Selwyn Obrázok, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert, a hlavne Aubrey Beardsley.[15] Kreslo navrhol Arthur Mackmurdo bol uznaný ako predchodca secesného dizajnu.[16]

Vo Francúzsku to ovplyvnil teoretik architektúry a historik Eugène Viollet-le-Duc, vyhlásený za nepriateľa historického Beaux-Arts architektonický štýl. Vo svojej knihe z roku 1872 Entretiens sur l'architecture, napísal: "Využívajte prostriedky a vedomosti, ktoré nám poskytuje naša doba, bez zasahujúcich tradícií, ktoré už dnes nie sú životaschopné, a tak môžeme otvoriť novú architektúru. Pre každú funkciu jej materiál; pre každý materiál jej forma a jej ozdoba. ““[17] Táto kniha ovplyvnila generáciu architektov vrátane Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimarda Antoni Gaudí.[18]

Francúzski maliari Maurice Denis, Pierre Bonnard a Édouard Vuillard zohral dôležitú úlohu pri integrácii výtvarného umenia do dekorácie. „Verím, že skôr ako všetko musí maľba zdobiť,“ napísal Denis v roku 1891. „Výber motívov alebo scén nie je nič. Ducha a ducha dokážem dosiahnuť pomocou hodnoty tónov, farebného povrchu a harmónie línií. prebudiť emócie. “[19] Všetci títo maliari robili tradičnú maľbu aj dekoratívnu maľbu na obrazovky, sklo a iné médiá.[20]

Ďalším dôležitým vplyvom na nový štýl bol Japonizmus. To bola vlna nadšenia Japončina drevotlač, najmä diela Hiroshige, Hokusaia Utagawa Kunisada, ktoré sa do Európy dovážali začiatkom 70. rokov 19. storočia. Podnikavý Siegfried Bing založil mesačník, Le Japon artistique v roku 1888 a vyšlo tridsaťšesť čísel predtým, ako sa skončilo v roku 1891. Ovplyvnilo to zberateľov aj umelcov Gustáv Klimt. Štylizované prvky japonských výtlačkov sa objavili v secesnej grafike, porceláne, šperkoch a nábytku. Od začiatku roku 1860 bola an Ďaleký východ vplyv sa náhle prejavil. V roku 1862 si milovníci umenia z Londýna alebo Paríža mohli kúpiť Japonské umelecké diela, pretože v tom roku sa Japonsko po prvý krát objavilo ako vystavovateľ na veľtrhu Medzinárodná výstava v Londýne. Tiež v roku 1862 v Paríži, La Porte Chinoise obchod, na Rue de Rivoli, bol otvorený, kde japonský ukiyo-e a ďalšie predmety z Ďalekého východu boli predané. V roku 1867 Príklady čínskych ozdôb od Owen Jones sa objavil a v roku 1870 Umenie a priemysel v Japonsku R. Alcocka a o dva roky neskôr publikovali O. H. Moser a T. W. Cutler knihy o japonskom umení. Niektorým secesným umelcom sa páči Victor Horta, vlastnil zbierku umenia Ďalekého východu, najmä japonského.[13]

Nové technológie v tlači a publikovaní umožnili secesii rýchlo osloviť globálne publikum. Umelecké časopisy, ilustrované fotografiami a farbami litografie, zohralo zásadnú úlohu pri popularizácii nového štýlu. Štúdio v Anglicku, Arts et idèes a Art et décoration vo Francúzsku a Jugend v Nemecku umožnil, aby sa štýl rýchlo rozšíril do všetkých kútov Európy. Aubrey Beardsley v Anglicku a Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautreca Félix Vallotton dosiahol medzinárodné uznanie ako ilustrátori.[21]S plagátmi od Jules Chéret pre tanečníka Loie Fullerová v roku 1893 a do Alfons Mucha pre herečku Sarah Bernhardt v roku 1895 sa plagát stal nielen reklamou, ale aj umeleckou formou. Sarah Bernhardtová vyhradila veľké množstvo svojich plagátov na predaj zberateľom.[22]

Rozvoj - Brusel (1893–1898)

Prvé secesné mestské domy, Hankarov dom od Paul Hankar (1893) a Hôtel Tassel od Victor Horta (1892–1893),[4][5] boli postavené takmer súčasne v Brusel. Hankara inšpirovali najmä teórie francúzskeho architekta Eugène Viollet-le-Duc. S cieľom vytvoriť syntézu výtvarného a dekoratívneho umenia priniesol Adolphe Crespin [fr] a Albert Ciamberlani [fr] vyzdobiť interiér a exteriér pomocou sgrafito, alebo nástenné maľby. Hankar vyzdobil obchody, reštaurácie a galérie v budove, ktorú miestny kritik označil za „skutočné delírium originality“. Zomrel v roku 1901, práve keď sa hnutiu začalo dostávať uznania.[23]

Victor Horta patril medzi najvplyvnejších architektov ranej secesie a jeho Hôtel Tassel (1892–1893) je jednou z pamiatok tohto štýlu.[24][25] Hortovo architektonické školenie bolo ako asistent Alfons Balat, architekt do Leopold II Belgický, výstavba monumentálneho železa a skla Skleníky v Laekene.[26] V rokoch 1892–1893 túto skúsenosť využil veľmi odlišne. Na veľmi úzkom a hlbokom mieste navrhol rezidenciu významného belgického chemika Émile Tassela. Ústredným prvkom domu bolo schodisko, ktoré nebolo ohradené múrmi, ale bolo otvorené, zdobené curlingovým zábradlím z tepaného železa a umiestnené pod vysokým strešným oknom. Podlahy podopierali štíhle železné stĺpy ako kmene stromov. Mozaikové podlahy a steny boli zdobené jemnými arabesky v kvetinových a rastlinných formách, ktoré sa stali najpopulárnejším podpisom štýlu.[27][28] V krátkom období postavila Horta ďalšie tri mestské domy, všetky s otvoreným interiérom a všetky so strešnými oknami pre maximálne osvetlenie interiéru: Hôtel Solvay, Hôtel van Eetveldea Maison & Atelier Horta. Všetky štyri sú teraz súčasťou a Svetové dedičstvo UNESCO.

Henry van de Velde, narodený v Antverpy, bola ďalšou zakladateľskou osobnosťou pri zrode secesie. Van de Veldeho návrhy zahŕňali interiér jeho rezidencie, Bloemenwerf (1895).[29][30] Exteriér domu bol inšpirovaný Červený dom, bydlisko spisovateľa a teoretika William Morris, zakladateľ spoločnosti Hnutie umeleckých remesiel. Van de Velde sa vyučil za maliara a zameral sa na ilustráciu, potom na dizajn nábytku a nakoniec na architektúru. Pre Bloemenwerf, vytvoril textil, tapety, striebro, šperky a dokonca aj odevy, ktoré zodpovedali štýlu rezidencie.[31] Van de Velde odišiel do Paríža, kde navrhol nábytok a dekorácie pre Samuel Bing, ktorej parížska galéria dala štýlu meno. Bol tiež skorým secesným teoretikom, požadujúcim použitie dynamických, často protichodných línií. Van de Velde napísal: "Čiara je sila ako všetky ostatné základné sily. Niekoľko čiar spojených dohromady, ale proti nim, má prítomnosť rovnako silnú ako niekoľko síl." V roku 1906 odišiel z Belgicka Weimar (Nemecko), kde založil veľkovojvodskú Školu umeleckých remesiel, kde bola zakázaná výučba historických štýlov. Zohral dôležitú úlohu v Nemecký Werkbund, pred návratom do Belgicka.[32]

Debut secesnej architektúry v Bruseli sprevádzala vlna dekoratívneho umenia v novom štýle. Zahrnutí významní umelci Gustave Strauven, ktorí pomocou tepaného železa dosiahli barokové efekty na bruselských fasádach; návrhár nábytku Gustave Serrurier-Bovy, známy svojimi vysoko originálnymi stoličkami a kĺbovým kovovým nábytkom; a návrhár šperkov Philippe Wolfers, ktorí vyrábali šperky v podobe vážok, motýľov, labutí a hadov.[33]

The Bruselská medzinárodná výstava uskutočnená v roku 1897, priniesla medzinárodnú pozornosť tomuto štýlu; Na návrhu veľtrhu sa okrem iných podieľali Horta, Hankar, Van de Velde a Serrurier-Bovy a Henri Privat-Livemont vytvoril plagát k výstave.

Paríž - Maison de l'Art Nouveau (1895) a Castel Beranger (1895–1898)

Francúzsko-nemecký obchodník s umením a vydavateľstvo Siegfried Bing zohrával kľúčovú úlohu pri propagácii tohto štýlu. V roku 1891 založil časopis venovaný umeniu Japonska, ktorý pomáhal propagovať Japonizmus v Európe. V roku 1892 usporiadal výstavu siedmich umelcov, medzi nimi aj Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec a Eugène Grasset, ktorého súčasťou boli tak moderné maliarske, ako aj dekoratívne práce. Táto výstava bola uvedená na Société nationale des beaux-arts v roku 1895. V tom istom roku Bing otvoril novú galériu na adrese 22 rue de Provence v Paríži Maison de l'Art Nouveau, venovaná novým dielam vo výtvarnom i dekoratívnom umení. Interiér a nábytok galérie navrhol belgický architekt Henry van de Velde, jeden z priekopníkov secesnej architektúry. The Maison de l'Art Nouveau ukázal obrazy od Georges Seurat, Paul Signac a Toulouse-Lautrec, sklo z Louis Comfort Tiffany a Émile Gallé, šperky od René Laliquea plagáty od Aubrey Beardsley. Práce, ktoré tam boli zobrazené, neboli vôbec štýlovo jednotné. Bing v roku 1902 napísal: „Secesia v čase svojho vzniku nijako neusilovala o to, aby mala tú česť stať sa druhovým pojmom. Bol to jednoducho názov domu otvoreného ako miesto zhromaždenia pre všetkých mladých a horliví umelci netrpezliví ukázať modernosť svojich tendencií. ““[34]

Tento štýl si rýchlo všimli v susednom Francúzsku. Po návšteve Hortinho hotela Tassel, Hector Guimard postavil Castel Béranger, medzi prvými parížskymi budovami v novom štýle, medzi rokmi 1895 a 1898.[pozn. 1] Parížania sa sťažovali na jednotvárnosť architektúry budovaných bulvárov Napoleon III od Georges-Eugène Haussmann. Castel Beranger bol zvláštnou zmesou neogotiky a secesie so zakrivením šľahnutie čiary a prirodzené tvary. Guimard, kvalifikovaný publicista pre svoju prácu, vyhlásil: "Čomu sa treba za každú cenu vyhnúť je ... paralelnosť a symetria. Príroda je najväčší tvorca všetkých a príroda nerobí nič, čo by bolo paralelné a čo by bolo symetrické." [36]

Parížania privítali originálny a malebný Guimardov štýl; zámok Castel Béranger bol vybraný ako jedna z najlepších nových fasád v Paríži a zahájil tak Guimardovu kariéru. Guimard dostal poverenie, aby navrhlo vstupy pre nové Paris Métro systém, ktorý upriamil pozornosť štýlu na milióny návštevníkov mesta 1900 Expozícia Universelle.[10]

Paríž Expozícia Universelle (1900)

Paríž 1900 Expozícia universelle označil vrchol secesie. V období od apríla do novembra 1900 prilákal takmer päťdesiat miliónov návštevníkov z celého sveta a predstavil architektúru, dizajn, sklenené výrobky, nábytok a dekoratívne predmety tohto štýlu. Architektúra výstavy bola často zmesou secesie a Architektúra krásneho umenia: hlavná výstavná sieň, Grand Palais mal fasádu Beaux-Arts úplne nesúvisiacu s veľkolepým secesným schodiskom a výstavnou halou v interiéri.

Všetci francúzski dizajnéri vytvorili špeciálne diela pre výstavu: Lalique krištáľ a šperky; šperky od Henri Vever a Georges Fouquet; Daum sklo; the Manufacture nationale de Sèvres v porcelán; keramika od Alexandrom Bigotom; tvarované sklenené lampy a vázy od Émile Gallé; nábytok od Édouard Colonna a Louis Majorelle; a mnoho ďalších popredných umeleckých a remeselných firiem. Na výstave v Paríži v roku 1900 Siegfried Bing predstavil pavilón tzv Secesný Bing, ktorý obsahoval šesť rôznych interiérov úplne zdobených v štýle.[37][38]

Expozícia bola prvou medzinárodnou prehliadkou secesných dizajnérov a umelcov z celej Európy i mimo nej. Vrátane výhercov cien a účastníkov Alfons Mucha, ktorí vyrobili nástenné maľby pre pavilón Bosna a Hercegovina a navrhol menu pre reštauráciu pavilónu; dekoratérov a dizajnérov Bruno Paul a Bruno Möhring z Berlína; Carlo Bugatti od Turín; Bernhardt Pankok z Bavorsko; Ruský architekt-dizajnér Fyodor Schechtela Louis Comfort Tiffany a spoločnosť zo Spojených štátov.[39] Viedenský architekt Otto Wagner bol členom poroty a predstavil model secesnej kúpeľne vlastného mestského bytu vo Viedni so sklenenou vaňou.[40] Josef Hoffmann navrhol viedenský exponát na parížskej výstave a vyzdvihol dizajny Viedenská secesia.[41] Eliel Saarinen získal medzinárodné uznanie za svoj nápaditý dizajn pavilónu Fínska.[42]

Zatiaľ čo parížska výstava bola zďaleka najväčšia, iné expozície prispeli k popularizácii štýlu. The 1888 barcelonská svetová výstava znamenal začiatok Modernizmus štýlu v Španielsku s niektorými budovami z Lluís Domènech i Montaner. The Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna z roku 1902 v talianskom Turíne, predstavili dizajnérov z celej Európy vrátane Victor Horta z Belgicka a Jozef Maria Olbrich z Viedne, spolu s miestnymi umelcami ako napr Carlo Bugatti, Galileo Chini a Eugenio Quarti.[43]

Miestne variácie

Secesia vo Francúzsku

Po výstave v roku 1900 bol hlavným mestom secesie Paríž. Najextravagantnejšie rezidencie v tomto štýle boli postavené Jules Lavirotte, ktorí úplne pokryli fasády keramickou sochárskou výzdobou. Naj okázalejším príkladom je Budova Lavirotte, o 29, avenue rapp (1901). V kancelárskych budovách a obchodných domoch boli vysoké nádvoria pokryté kupolami z farebného skla a keramickou výzdobou. Tento štýl bol populárny najmä v reštauráciách a kaviarňach Maxim o 3, rue Royalea Le Train bleu na Gare de Lyon (1900).[44]

Status Paríža priťahoval do mesta zahraničných umelcov. Švajčiarsky umelec Eugène Grasset bol jedným z prvých tvorcov francúzskych secesných plagátov. Pomáhal zdobiť slávny kabaret Le Chat Noir v roku 1885 vytvoril prvé plagáty pre Fêtes de Paris a oslavovaný plagát Sarah Bernhardt v roku 1890. V Paríži učil na Guérinskej umeleckej škole (École normale d'enseignement du dessin), kam patrili aj jeho študenti Augusto Giacometti a Paul Berthon.[45][46] Rodený Švajčiar Théophile-Alexandre Steinlen vytvoril slávny plagát pre Paríž kabaret Le Chat noir v roku 1896. The Česky umelec Alfons Mucha (1860–1939) pricestoval do Paríža v roku 1888 a v roku 1895 vytvoril v predstavení plagát pre herečku Sarah Bernhardtovú Gismonda od Viktorien Sardou v Théâtre de la Renaissance. Úspech tohto plagátu viedol k kontraktu na výrobu plagátov k ďalším šiestim hrám Bernhardta.

Mesto Nancy v Lorraine sa stalo ďalším francúzskym hlavným mestom nového štýlu. V roku 1901 Alliance provinciale des industries d'art, tiež známy ako École de Nancy, bola založená s cieľom narušiť hierarchiu, ktorá kladie maľbu a sochárstvo nad dekoratívne umenie. Medzi významných umelcov, ktorí tam pôsobili, patrili sklenená váza a tvorcovia žiaroviek Émile Gallé, Daum bratia v dizajne skla a návrhár Louis Majorelle, ktorí vytvorili nábytok s ladnými kvetinovými a rastlinnými formami. Architekt Henri Sauvage priniesol so sebou Nancy nový architektonický štýl Villa Majorelle v roku 1902.

Francúzsky štýl rozšírili nové časopisy vrátane Štúdio, Arts et Idées a Art et Décoration, ktorého fotografie a farby litografie dal štýl poznať dizajnérom a bohatým zákazníkom z celého sveta.

Vo Francúzsku tento štýl dosiahol svoj vrchol v roku 1900 a potom rýchlo vykĺzol z módy a do roku 1905 sa z Francúzska prakticky vytratil. Secesia bola luxusným štýlom, ktorý si vyžadoval odborníkov a vysoko platených remeselníkov a nemohol byť ľahko ani lacno hromadný -produkované. Jedným z mála secesných výrobkov, ktoré sa dali hromadne vyrábať, bola flakón parfumu, ktorý sa dodnes vyrába v tomto štýle.

Secesia v Belgicku

Belgicko bolo skorým centrom secesie, predovšetkým vďaka architektúre Victor Horta, ktorý navrhol jeden z prvých secesných domov, the Hôtel Tassel v roku 1893 a ďalšie tri meštianske domy vo variáciách rovnakého štýlu. Teraz sú Pamiatky UNESCO. Horta mala silný vplyv na prácu mladých Hector Guimard, ktorý sa prišiel pozrieť na rozostavaný hotel Tassel a neskôr vyhlásil, že Horta je „vynálezcom“ secesie.[47] Hortovou novinkou nebola fasáda, ale interiér, ktorý pomocou veľkého množstva železa a skla otvoril priestor a zaplavil miestnosti svetlom, a zdobil ich kovanými železnými stĺpmi a zábradliami v zakrivených rastlinných formách, ktoré sa odrážali na podlahách a steny, ako aj nábytok a koberce, ktoré navrhla spoločnosť Horta.[48]

Paul Hankar bol ďalším priekopníkom bruselskej secesie. Jeho dom bol dokončený v roku 1903, toho istého roku ako Hortov hotel Tassel, a predstavoval ho sgrafity nástenné maľby na fasáde. Hankara ovplyvnili obaja Viollet-le-Duc a nápady Angličanov Hnutie umeleckých remesiel. Jeho koncepčnou myšlienkou bolo spojiť dekoratívne a výtvarné umenie do súvislého celku. Poveril sochára Alfreda Cricka a maliara Adolphe Crespin [fr] aby svojou prácou vyzdobili fasády domov. Najvýraznejším príkladom bol dom a štúdio postavené pre umelca Alberta Ciamberlaniho v 48, ulica Defacqz/Defacqzstraat v Bruseli, pre ktorý vytvoril bujnú fasádu pokrytú sgrafito nástenné maľby s maľovanými figúrkami a ornamentom, ktoré vytvárajú dekoratívnu architektúru kostola Quattrocento, alebo Taliansko z 15. storočia.[49] Hankar zomrel v roku 1901, keď sa jeho dielo ešte len dostalo uznania.[50]

Gustave Strauven bol Hortovým asistentom predtým, ako vo veku 21 rokov začal svoju vlastnú prax. Jeho najslávnejším dielom je Maison Saint Cyr na námestí Ambiorix v Bruseli. Iba štyri metre široký je zhora nadol zdobený zakriveným ornamentom v prakticky secesno-barokovom štýle.

Medzi ďalších významných secesných umelcov z Belgicka patril architekt a dizajnér Henry van de Velde, aj keď najdôležitejšiu časť jeho kariéry strávil v Nemecku; výrazne ovplyvnil výzdobu kostola sv Jugendstil. Medzi ďalších patril aj dekoratér Gustave Serrurier-Bovya grafik Fernand Khnopff.[5][51][52] Belgickí dizajnéri využili bohatú ponuku slonová kosť dovezené z Belgické Kongo; zmiešané sochy kombinujúce kameň, kov a slonovinu od umelcov ako Philippe Wolfers, bol populárny.[53]

Nieuwe Kunst v Holandsku

V Holandsku bol štýl známy ako Nieuwe Stijl („Nový štýl“) alebo Nieuwe Kunst („Nové umenie“), a to sa ubralo iným smerom od kvetinovejšieho a zakrivenejšieho štýlu v Belgicku. Bolo to ovplyvnené geometrickejšími a štylizovanejšími formami nemčiny Jugendstil a rakúske Viedenská secesia.[53] Ovplyvnilo to tiež umenie a dovezené dreviny z Indonézia, potom Holandská východná India, najmä vzory textílií a textilných výrobkov batikovanie od Java.

Najvýznamnejším architektom a návrhárom nábytku v tomto štýle bol Hendrik Petrus Berlage, ktorí odsúdili historické štýly a zasadzovali sa za čisto funkčnú architektúru. Napísal: „Je potrebné bojovať proti umeniu ilúzie, klamať a rozpoznávať lož, aby sme našli podstatu a nie ilúziu.“[54] Páči sa mi to Victor Horta a Gaudí, bol obdivovateľom architektonických teórií Viollet-le-Duc.[55] Jeho nábytok bol navrhnutý tak, aby bol prísne funkčný a aby rešpektoval prírodné formy dreva, a nie ho ohýbal alebo krútil, akoby bol kovový. Poukázal na príklad egyptského nábytku a uprednostnil stoličky s pravými uhlami. Jeho prvým a najslávnejším architektonickým dielom bol Beurs van Berlage (1896–1903), Amsterdamská komoditná burza, ktorú postavil na základe zásad z r konštruktivizmus. Všetko bolo funkčné, vrátane línií nitov, ktoré zdobili steny hlavnej miestnosti. K svojim budovám často zaraďoval veľmi vysoké veže, aby ich zvýraznil, čo je prax, ktorú používajú iní secesní architekti tohto obdobia, vrátane Jozef Maria Olbrich vo Viedni a Eliel Saarinen vo Fínsku.[56]

Medzi ďalšie budovy v tomto štýle patrí Americký hotel (1898–1900), tiež Berlage; a Astoria (1904–1905) od Herman Hendrik Baanders a Gerrit van Arkel v Amsterdam; the Železničná stanica v Haarlem (1906–1908) a bývalá administratívna budova budovy Holland America Lines (1917) v Rotterdam, teraz Hotel New York.

Zahŕňajú poprední grafici a ilustrátori v rovnakom štýle Jan Toorop, ktorého práca inklinovala k mystika a symbolika, dokonca aj v jeho plagátoch k šalátovému oleju. Vo svojich farbách a dizajnoch tiež niekedy prejavovali vplyv umenia Java.[56]

Medzi významných osobností holandskej keramiky a porcelánu patrili Jurriaan Kok a Theo Colenbrander. Použili farebný kvetinový vzor a tradičnejšie secesné motívy v kombinácii s neobvyklými formami keramiky a kontrastnými tmavými a svetlými farbami, vypožičané z batikovanej výzdoby Jávy.[57]

Moderný štýl a Glasgowská škola v Británii

Secesia mala svoje korene v Británii, v Hnutie umeleckých remesiel ktorá sa začala v 60. rokoch 18. storočia a do medzinárodného uznania sa dostala v 80. rokoch 18. storočia. Vyzývalo na lepšie zaobchádzanie s dekoratívnym umením a inšpirovalo sa v stredovekom remesle a dizajne a v prírode.[58] Jedným z pozoruhodných prvých príkladov moderného štýlu je Arthur Mackmurdonávrh obalu jeho eseje o mestských kostoloch v Sir Christopher Wren, publikované v roku 1883, rovnako ako jeho mahagónová stolička z toho istého roku.[59]

Medzi ďalších významných inovátorov v Británii patrili grafickí dizajnéri Aubrey Beardsley ktorej kresby obsahovali zakrivené čiary, ktoré sa stali najrozpoznateľnejšou črtou štýlu. Voľne plynúce tepané železo možno uviesť aj 80. roky 18. storočia alebo niektoré ploché kvetinové vzory textilu, z ktorých väčšina vďačila za určitý impulz vzorom dizajnu 19. storočia. Zahrnutí boli aj ďalší britskí grafici, ktorí mali v tomto štýle dôležité miesto Walter Crane a Charles Ashbee.[60]

The Sloboda obchodný dom v Londýne zohral dôležitú úlohu prostredníctvom farebných štylizovaných kvetinových vzorov pre textil a strieborných, cínových a šperkových vzorov Manxman (škótskeho pôvodu) Archibald Knox. Jeho vzory šperkov v materiáloch a formách sa úplne vymykali historickým tradíciám šperkárskeho dizajnu.

Pre secesnú architektúru a dizajn nábytku bolo najdôležitejším strediskom v Británii Glasgow, s výtvormi Charles Rennie Mackintosh a Glasgowská škola, ktorého tvorba bola inšpirovaná Škótska barónska architektúra a japonský dizajn.[61] Od roku 1895 vystavoval Mackintosh svoje návrhy na medzinárodných výstavách v Londýne, Viedni a Turíne; jeho návrhy osobitne ovplyvnili secesný štýl vo Viedni. Medzi jeho architektonické výtvory patrili budova Glasgow Herald Building (1894) a knižnica Glasgowská umelecká škola (1897). V úzkej spolupráci so svojou manželkou si tiež získal reputáciu ako návrhár a dekorátor nábytku. Margaret Macdonald Mackintosh, významný maliar a dizajnér. Spoločne vytvorili nápadné vzory, ktoré kombinovali geometrické priame čiary s jemne zakrivenými kvetinovými dekoráciami, najmä slávnym symbolom štýlu, Glasgow Rose “.[62]

Léon-Victor Solon, významným spôsobom prispel do secesnej keramiky ako umelecký riaditeľ v spoločnosti Mintons. Špecializoval sa na plakety a na trubičkové vázy uvádzané na trh ako "secesionistické výrobky" (obvykle sa označujú ako pomenované po Viedenské umelecké hnutie).[63] Okrem keramiky navrhoval textil pre Hodvábny priemysel z póru[64] a zdvojnásobenia pre kníhviazača (G.T.Bagguley z Newcastlu pod Lyme), ktorý si dal patentovať Sutherland väzba v roku 1895.

George Skipper bol možno najaktívnejším secesným architektom v Anglicku. Budova Edwarda Everarda v Bristole, postavená v rokoch 1900–01 ako sídlo spoločnosti tlačiarne Edwarda Everarda, má secesnú fasádu. Zobrazené čísla sú z Johannes Gutenberg a William Morris, obaja vynikajúci v oblasti tlače. Okrídlená postava symbolizuje „Ducha svetla“, zatiaľ čo postava držiaca lampu a zrkadlo symbolizuje svetlo a pravdu.

Jugendstil v Nemecku

Nemecká secesia je všeobecne známa podľa nemeckého názvu, Jugendstilalebo „Štýl mládeže“. Názov je prevzatý z umeleckého časopisu, Die Jugendalebo Mládež, ktorá vyšla v Mníchove. Časopis založil v roku 1896 Georg Hirth, ktorý zostal redaktorom až do svojej smrti v roku 1916. Časopis prežil až do roku 1940. Na začiatku 20. storočia Jugendstil bol aplikovaný iba na grafiku.[65] Týkalo sa to najmä foriem typografia a grafický dizajn nájdené v nemeckých časopisoch ako napr Jugend, Pana Simplicissimus. Jugendstil bol neskôr aplikovaný na ďalšie verzie secesie v Nemecku, Holandsku. Tento termín bol požičaný z nemčiny v niekoľkých jazykoch Nemecka Pobaltské štáty a Severské krajiny opísať secesiu (pozri Pomenovanie časť).[11][66]

V roku 1892 Georg Hirth vybral meno Mníchovská secesia za Zväz výtvarných umelcov Slovenska Mníchov. The Viedenská secesia, založená v roku 1897,[67] a Berlínska secesia tiež prevzal ich mená z mníchovskej skupiny.

Časopisy Jugend a Simplicissimus, vydané v Mníchove, a Pan, publikované v Berlíne, boli významnými zástancami Jugendstil. Jugendstil umenie kombinovalo vlnité krivky a viac geometrických línií a bolo použité na obálky románov, reklám a výstava plagáty. Dizajnéri často vytvorili originálne štýly typ písma ktoré harmonicky pracovali s obrazom, napr. Písmo Arnolda Böcklina v roku 1904.

Otto Eckmann bol jedným z najvýznamnejších nemeckých umelcov spájaných s oboma Die Jugend a Pan. Jeho obľúbeným zvieraťom bola labuť a jeho vplyv bol taký veľký, že labuť začala slúžiť ako symbol celého hnutia. Ďalším prominentným návrhárom v tomto štýle bol Richard Riemerschmid, ktorí vyrábali nábytok, keramiku a iné dekoratívne predmety v triezvom geometrickom štýle, ktorý smeroval k art deco.[68] Švajčiarsky umelec Hermann Obrist, žijúci v Mníchove, ilustroval štátny prevrat alebo motív whiplash, vysoko štylizovaná dvojitá krivka naznačujúca pohyb prevzatý z drieku cyklámen kvetina.

The Darmstadtská umelecká kolónia bola založená v roku 1899 r Ernest Ludwig, veľkovojvoda z Hesenska. Architektom, ktorý postavil dom veľkovojvodu, ako aj najväčšou stavbou kolónie (Svadobná veža), bol Jozef Maria Olbrich, Jeden z Viedenská secesia zakladatelia. Ďalšími významnými umelcami kolónie boli Peter Behrens a Hans Christiansen. Ernest Ludwig tiež poveril prestavbou kúpeľného komplexu v Bad Nauheim na začiatku storočia. Úplne nový Sprudelhof [de] komplex bol postavený v rokoch 1905–1911 pod vedením Wilhelm Jost [de] a dosiahol jeden z hlavných cieľov Jugendstilu: syntéza všetkých umení.[69]Ďalším členom vládnucej rodiny, ktorý si objednal secesnú štruktúru, bol Kňažná Alžbeta Hessenská a Rýn. Založila Marfo-Mariinského kláštora v Moskve v roku 1908 a jeho katholikon je uznávaný ako secesné majstrovské dielo.[70]

Ďalším pozoruhodným zväzkom v Nemeckej ríši bol Deutscher Werkbund, založená v roku 1907 v Mníchov na podnet Hermann Muthesius od umelcov kolónie Darmstadt Jozef Maria Olbrich, Peter Behrens; ďalším zakladateľom spoločnosti Viedenská secesia Josef Hoffmann, ako aj Wiener Werkstätte (založený Hoffmannom), Richard Riemerschmid, Bruno Paul a ďalší umelci a spoločnosti.[71] Neskôr belgický Henry van de Velde sa pripojil k hnutiu[pozn. 2]. The Grand-Ducal School of Arts and Crafts [de], founded by him in Weimar, was a predecessor of Bauhaus, one of the most influential currents in Modernistická architektúra.[73]

In Berlin Jugendstil was chosen for the construction of several railway stations. Najpozoruhodnejšie[74] je Bülowstraße od Bruno Möhring (1900–1902), other examples are Mexikoplatz (1902–1904), Botanická záhrada (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911–1913) and Pankow (1912–1914) stations. Another notable structure of Berlin is Hackesche Höfe (1906) which used polychrome glazed brick for the courtyard facade.

Art Nouveau in Strasbourg (then part of the German Empire as the capital of the Reichsland Elsaß-Lothringen) was a specific brand, in that it combined influences from Nancya Brusel, s vplyvmi z Darmstadta Viedeň, to operate a local synthesis which reflected the history of the city between the Germanic and the French realms.

Secession in Austria–Hungary

Viedenská secesia

Vienna became the centre of a distinct variant of Art Nouveau, which became known as the Viedenská secesia. The movement took its name from Mníchovská secesia established in 1892. Vienna Secession was founded in April 1897 by a group of artists that included Gustáv Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Jozef Maria Olbrich, Max Kurzweil, Ernst Stöhr, a ďalšie.[67] The painter Klimt became the president of the group. They objected to the conservative orientation toward historizmus vyjadrené Viedenský Künstlerhaus, the official union of artists. The Secession founded a magazine, Ver Sacrum, to promote their works in all media. The Secession style was notably more feminine, less heavy and less nationalist than the Jugendstil in neighbouring Germany.[75] The architect Joseph Olbrich designed the domed Secession building in the new style, which became a showcase for the paintings of Gustav Klimt and other Secession artists.

Klimt became the best-known of the Secession painters, often erasing the border between fine art painting and decorative painting. Koloman Moser was an extremely versatile artist in the style; his work including magazine illustrations, architecture, silverware, ceramics, porcelain, textiles, stained glass windows, and furniture.

The most prominent architect of the Viedenská secesia bol Otto Wagner,[76] he joined the movement soon after its inception to follow his students Hoffmann and Olbrich. His major projects included several stations of the urban rail network (the Stadtbahn), Linke Wienzeile Buildings (consisting of Majolica House, the House of Medallions and the house at Köstlergasse). The Karlsplatz Station is now an exhibition hall of the Viedenské múzeum. The Kirche am Steinhof of Steinhof Psychiatric hospital (1904–1907) is a unique and finely-crafted example of Secession religious architecture, with a traditional domed exterior but sleek, modern gold and white interior lit by abundance of modern stained glass.

V roku 1899 Jozef Maria Olbrich presťahoval do Darmstadtská umelecká kolónia, v roku 1903 Koloman Moser a Josef Hoffmann založil Wiener Werkstätte, a training school and workshop for designers and craftsmen of furniture, carpets, textiles and decorative objects.[77] V roku 1905 Koloman Moser a Gustáv Klimt separated from Vienna Secession, later in 1907 Koloman Moser vľavo Wiener Werkstätte as well, while its other founder Josef Hoffmann pripojil sa k Deutscher Werkbund.[71] Gustáv Klimt a Josef Hoffmann continued collaborating, they organized Kunstschau Exhibition [de] in 1908 in Viedeň a postavil Stocletov palác v Brusel (1905–1911) that announced the coming of modernistická architektúra.[78][79] Bol označený ako a Stránka svetového dedičstva od UNESCO v júni 2009.[80]

Maďarský Szecesszió

The pioneer and prophet of the Szecesszió (Secession in Hungarian), the architect Ödön Lechner, created buildings which marked a transition from historicism to modernism for Hungarian architecture.[81]His idea for a Hungarian architectural style was the use of architectural ceramics and oriental motifs. In his works, he used pygorganite placed in production by 1886 by Zsolnay Porcelain Manufactory.[81] This material was used in the construction of notable Hungarian buildings of other styles, e.g. the Hungarian Parliament Building a Matyášov kostol.

Works by Ödön Lechner[82] zahrnúť Múzeum úžitkového umenia (1893–1896), other building with similar distinctive features are Geological Museum (1896–1899) and The Postal Savings Bank building (1899–1902), all in Budapešť. However, due to the opposition of Hungarian architectural establishment to Lechner's success, he soon was unable to get new commissions comparable to his earlier buildings.[81] But Lechner was an inspiration and a master to the following generation of architects who played the main role in popularising the new style.[81] Within the process of Maďarizácia numerous buildings were commissioned to his disciples in outskirts of the kingdom: e.g. Marcell Komor [hu] a Dezső Jakab were commissioned to build the Synagóga (1901–1903) and Town Hall (1908–1910) in Szabadka (now Subotica, Srbsko), County Prefecture (1905–1907) and Palace of Culture (1911–1913) in Marosvásárhely (now Târgu Mureș, Rumunsko). Later Lechner himself built the Blue Church in Pozsony (present-day Bratislava, Slovensko) in 1909–1913.

Another important architect was Károly Kós who was a follower of John Ruskin a William Morris. Kós took the Finnish National Romanticism movement as a model and the Transylvanian vernacular as the inspiration.[83] His most notable buildings include the Roman Catholic Church in Zebegény (1908–09), pavilions for the Budapest Municipal Zoo (1909–1912) and the Székely National Museum in Sepsiszentgyörgy (now Sfântu Gheorghe, Romania, 1911–12).

The movement that promoted Szecesszió in arts was Gödöllő Art Colony, founded by Aladár Körösfői-Kriesch, also a follower John Ruskin a William Morris and a professor at the Royal School of Applied Arts in Budapešť v roku 1901.[84] Its artists took part in many projects, including the Hudobná akadémia Franza Liszta v Budapešti.[85]

An associate to Gödöllő Art Colony,[86] Miksa Róth was also involved in several dozen Szecesszió projects, including Budapest buildings including Gresham Palace (stained glass, 1906) and Török Bank [fr] (mosaics, 1906) and also created mosaics and stained glass for Palace of Culture (1911–1913) in Marosvásárhely.

A notable furniture designer is Ödön Faragó [hu] who combined traditional popular architecture, oriental architecture and international Art Nouveau in a highly picturesque style. Pál Horti [hu], another Hungarian designer, had a much more sober and functional style, made of oak with delicate traceries of ebony and brass.

Iné variácie

The most prolific Slovinsky Art Nouveau architect was Ciril Metod Koch.[87] Študoval na Otto Wagner's classes in Vienna and worked in the Laybach (now Ľubľana, Slovinsko) City Council from 1894 to 1923. After the earthquake in Laybach in 1895, he designed many secular buildings in Secession style that he adopted from 1900 to 1910:[87] Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), renovated Hauptmann Building in Secession style in 1904. The highlight of his career was the Loan Bank in Radmannsdorf (now Radovljica) v roku 1906.[87]

The most notable Secession buildings in Praha sú príklady total art with distinctive architecture, sculpture and paintings.[88] The main railway station (1901–1909) was designed by Josef Fanta and features paintings of Václav Jansa a sochy Ladislav Šaloun a Stanislav Sucharda along with other artists. The Obecný dom (1904–1912) was designed by Osvald Polívka and Antonín Balšánek, painted by famous Czech painter Alfons Mucha and features sculptures of Josef Mařatka a Ladislav Šaloun. Polívka, Mařatka, and Šaloun simultaneously cooperated in the construction of Nová radnica (1908–1911) along with Stanislav Sucharda, and Mucha later painted Katedrála svätého Víta's stained glass windows in his distinctive style.

The style of combining Hungarian Szecesszió and national architectural elements was typical for a Slovák architekt Dušan Jurkovič. His most original works are the Cultural House in Szakolca (now Skalica v Slovensko, 1905), the buildings of spa in Luhačovice (now Czech Republic) in 1901–1903 and 35 war cemeteries near Nowy Żmigród v Halič (now Poland), most of them heavily influenced by local Lemko (Rusín) folk art and carpentry (1915–1917).

Art Nouveau in Romania

The Constanța Casino is probably the most famous exemplary of Art Nouveau in Romania. The Kasíno, Kurhaus alebo Kursaal theme is specific to the Belle Époque. The author of the casino, started in 1905 and finished in 1910, is the architect Daniel Renard, who studied in Paris between and 1894 and 1900. He signed both the architectural and decoration plans of the casino. Specific to Art Nouveau is the embossed ornamentation of the facades, either with naturalistic floral motifs, such as those of the School of Nancy, or motifs inspired by marine fauna (shells, dolphins, marine chimeras, ships, masts, ...). One of the Art Nouveau houses of Bucharest is the Dinu Lipatti House (no. 12, Lascăr Catargiu Boulevard), by Petre Antonescu, its central motif being the entrance arch, above which there is a female mascaraon v vysoký reliéf. Among the examples of Art Nouveau architecture in Bucharest are townhouses, which sometimes have only horseshoe-shaped windows or other forms or ornaments specific to Art Nouveau. Príkladom je Romulus Porescu House (no. 12, Doctor Paleologu Street), which also has Egyptské obrodenie stained glass windows on the corner windows. Niektoré z Baroque Revival buildings in Bucharest have Art Nouveau or neorocaille influences, among them the Bucharest Observatory (no. 21, Lascăr Catargiu Boulevard), house no. 58 on Sfinții Voievozi Street, the beautiful Mița the Cyclist House (no. 9, Biserica Amzei Street, or no. 11, Christian Tell Street) and the Cantacuzino Palace (no. 141, Victory Avenue).[91]

One of the most important Art Nouveau painters in Romania was Antefan Luchian, who quickly took over the innovative and decorative directions of Art Nouveau for a short period of time. The moment was synchronized with the founding of the Ileana Society in 1897, of which he was a founding member, a company that organized an exhibition (1898) at the Union Hotel entitled The Exhibition of Independent Artists and published a magazine - the Ileana Magazine.[92]

Stile Liberty v Taliansku

Art Nouveau in Italy was known as arte nuova, stile floreale, stile moderno a hlavne stile Liberty. Štýl slobody took its name from Arthur Lasenby Liberty and the store he founded in 1874 in London, Liberty Department Store, which specialised in importing ornaments, textiles and art objects from Japan and the Far East, and whose colourful textiles which were particularly popular in Italy. Notable Italian designers in the style included Galileo Chini, whose ceramics were often inspired both by majolika vzory. He was later known as a painter and a theatrical scenery designer; he designed the sets for two celebrated Puccini operas Gianni Schicchi a Turandot.[93][94][11]

Liberty style architecture varied greatly, and often followed historical styles, particularly the Baroque. Facades were often drenched with decoration and sculpture. Examples of the Liberty style include the Villino Florio (1899–1902) by Ernesto Basile v Palermo; the Palazzo Castiglioni v Milan od Giuseppe Sommaruga (1901–1903); Milan, and the Casa Guazzoni (1904–05) in Milan by Giovanni Battista Bossi (1904–06).[95]

Colorful frescoes, painted or in ceramics, and sculpture, both in the interior and exterior, were a popular feature of Liberty style. They drew upon both classical and floral themes. as in the baths of Acque della Salute, and in the Casa Guazzoni in Milan.

The most important figure in Štýl slobody design was Carlo Bugatti, the son of an architect and decorator, father of Rembrandt Bugatti, Liberty sculptor, and of Ettore Bugatti, famous automobile designer. Študoval na Milanese Academy of Breraa neskôr Académie des Beaux-Arts v Paríži. His work was distinguished by its exoticism and eccentricity, included silverware, textiles, ceramics, and musical instruments, but he is best remembered for his innovative furniture designs, shown first in the 1888 Milan Fine Arts Fair. His furniture often featured a keyhole design, and had unusual coverings, including parchment and silk, and inlays of bone and ivory. It also sometimes had surprising organic shapes, copied after snails and cobras.[96]

Modernizmus in Catalonia and Spain

A highly original variant of the style emerged in Barcelona, Katalánsko, at about the same time that the Art Nouveau style appeared in Belgium and France. Nazývalo sa to Modernizmus in Catalan and Modernizmus v španielčine. Its most famous creator was Antoni Gaudí. Gaudí used floral and organic forms in a very novel way in Palau Güell (1886–1890). According to UNESCO, "the architecture of the park combined elements from the Arts and Crafts movement, Symbolism, Expressionism, and Rationalism, and presaged and influenced many forms and techniques of 20th-century Modernism."[98][99][100]He integrated crafts as keramika, farebné sklo, kované kovanie kovanie a stolárstvo into his architecture. V jeho Güellské pavilóny (1884–1887) and then Parc Güell (1900–1914) he also used a new technique called trencadís, which used waste ceramic pieces. His designs from about 1903, the Casa Batlló (1904–1906) a Casa Milà (1906–1912),[97] are most closely related to the stylistic elements of Art Nouveau.[101] Later structures such Sagrada Família combined Art Nouveau elements with revivalist Neogotické.[101] Casa Batlló, Casa Milà, Güellské pavilónya Parc Güell were results of his collaboration with Josep Maria Jujol, who himself created houses in Sant Joan Despí (1913–1926), several churches near Tarragona (1918 and 1926) and the sinuous Casa Planells (1924) in Barcelona.

Besides the dominating presence of Gaudí, Lluís Domènech i Montaner also used Art Nouveau in Barcelona in buildings such as the Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) a Nemocnica de Sant Pau (1901–1930).[101] The two latter buildings have been listed by UNESCO ako World Cultural Heritage.[102]

Another major modernista was Josep Puig i Cadafalch, ktorý navrhol Casa Martí a jeho Els Quatre Gats café, the Casimir Casaramona textile factory (now the CaixaFòrum art museum), Casa Macaya, Casa Amatller, the Palau del Baró de Quadras (housing Casa Àsia for 10 years until 2013) and the Casa de les Punxes ("House of Spikes").

A distinctive Art Nouveau movement bol tiež v Spoločenstvo Valencie. Some of the notable architects were Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montauda José María Manuel Cortina Pérez. Valencian Art Nouveau defining characteristics are a notable use of ceramics in decoration, both in the facade and in ornamentation, and also the use of Valencian regional motives.

Another remarkable variant is the Madrilenian Art Nouveau or "Modernismo madrileño", with such notable buildings as the Longoria Palace, Casino de Madrid alebo Cementerio de la Almudena, medzi inými. Renowned modernistas from Madrid were architects José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti a Francisco Andrés Octavio [es].

The Modernizmus movement left a wide art heritage including drawings, paintings, sculptures, glass and metal work, mosaics, ceramics, and furniture. A part of it can be found in Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspired by a Paris café called Le Chat Noir, where he had previously worked, Pere Romeu i Borràs [ca.] decided to open a café in Barcelona that was named Els Quatre Gats (Four Cats in Catalan).[103] The café became a central meeting point for Barcelona's most prominent figures of Modernizmus, ako napr Pablo Picasso a Ramon Casas i Carbó who helped to promote the movement by his posters and postcards. For the café he created a picture called Ramon Casas a Pere Romeu na tandeme that was replaced with his another composition entitled Ramon Casas and Pere Romeu in an Automobile in 1901, symbolizing the new century.

Antoni Gaudí designed furniture for many of the houses he built; one example is an armchair called the for the Battle House. He influenced another notable Catalan furniture designer, Gaspar Homar [ca.] (1870–1953) who often combined marquetry and mosaics with his furnishings.[104]

Arte Nova v Portugalsku

The Art Nouveau variant in Aveiro (Portugal) was called Arte Nova, and its principal characteristic feature was ostentation: the style was used by bourgeoisie who wanted to express their wealth on the facades while leaving the interiors conservative.[106] Another distinctive feature of Arte Nova was the use of locally produced tiles with Art Nouveau motifs.[106]

The most influential artist of Arte Nova was Francisco Augusto da Silva Rocha.[106] Though he was not trained as an architect, he designed many buildings in Aveiro and in other cities in Portugal.[107][106] One of them, the Major Pessoa residence, has both an Art Nouveau facade and interior, and now hosts the Museum of Arte Nova.[106]

There are other examples of Arte Nova in other cities of Portugal.[108][109] Some of them are the Museum-Residence Dr. Anastácio Gonçalves od Manuel Joaquim Norte Júnior [bod](1904–1905) in Lisabon, Café Majestic od João Queiroz [bod] (1921) a Livraria Lello bookstore by Xavier Esteves [bod](1906), both in Porto.

Jugendstil in the Nordic countries

Fínsko

Art Nouveau was popular in the Severské krajiny, where it was usually known as Jugendstil, and was often combined with the National Romantic Style of each country. The Nordic country with the largest number of Jugendstil buildings is the Fínske veľkovojvodstvo, potom časť Ruská ríša.[110] The Jugendstil period coincided with Zlatý vek fínskeho umenia and national awakening. Po Parížska expozícia in 1900 the leading Finnish artist was Akseli Gallen-Kallela.[111] He is known for his illustrations of the Kalevala, the Finnish national epic, as well as for painting numerous Judendstil buildings in the Duchy.

The architects of the Finnish pavilion at the Exposition were Herman Gesellius, Armas Lindgrena Eliel Saarinen. They worked together from 1896 to 1905 and created many notable buildings in Helsinki počítajúc do toho Pohjola Insurance building (1899–1901) a Fínske národné múzeum (1905–1910)[112] as well as their joint residence Hvitträsk v Kirkkonummi (1902). Architects were inspired by Nordic legends and nature, rough granite façade thus became a symbol for belonging to the Finnish nation.[113] After the firm dissolved, Saarinen designed the Helsinki Railway Station (1905–1914) in clearer forms, influenced by American architecture.[113] The sculptor who worked with Saarinen in construction of National Museum of Finland and Helsinki Railway Station was Emil Wikström.

Another architect who created several notable works in Finland was Lars Sonck. His major Jugendstil works include Katedrála v Tampere (1902–1907), Ainola, domov Jean Sibelius (1903), Headquarters of the Helsinki Telephone Association (1903–1907) and Kallio Church in Helsinki (1908–1912). Tiež Magnus Schjerfbeck, brat Helene Schjerfbeck, vyrobené tuberkulóza sanatórium známy ako Nummela Sanatorium in 1903 using the Jugendstil style.[114][115][116]

Nórsko

Norway also was aspiring independence (from Sweden) and local Art Nouveau was connected with a revival inspired by Viking folk art and crafts. Notable designers included Lars Kisarvik, who designed chairs with traditional Viking and Keltský vzory a Gerhard Munthe, ktorý navrhol stoličku so štylizovaným znakom dračej hlavy zo starých vikingských lodí a tiež širokú škálu plagátov, obrazov a grafiky.[117][je potrebná úplná citácia]

Nór mesto Ålesund je považované za hlavné centrum secesie v Škandinávii, pretože bolo kompletne zrekonštruované po požiari 23. januára 1904.[118] Asi 350 budov bolo postavených v rokoch 1904 až 1907 podľa urbanistického plánu, ktorý navrhol inžinier Frederik Næsser. Spojením jednoty a rozmanitosti sa zrodil štýl známy ako Ål Stil. Budovy štýlu majú lineárny dekor a ozveny Jugendstilových aj ľudových prvkov, napr. veže z roubené kostoly alebo hrebeňové strechy.[118] Jedna z budov, lekáreň Swan, dnes hostí Secesné centrum.

Švédsko a Dánsko

Medzi jugendstilské diela iných severských krajín patria Engelbrektskyrkan (1914) a Kráľovské dramatické divadlo (1901–1908) v Štokholm, Švédsko[119] a bývalá mestská knižnica (teraz Dánsky národný obchodný archív) v Aarhus, Dánsko (1898–1901).[120] Architektom druhého menovaného je Hacknite Kampmanna, potom navrhovateľ Národný romantický štýl ktorí tiež tvorili Custom House, Divadlo a Villa Kampen v Aarhus. Najvýznamnejším dánskym secesným dizajnérom bol strieborník Georg Jensen. The Baltická výstava v Malmö 1914 možno považovať za posledný hlavný prejav secesného javu vo Švédsku.[121]

Moderný v Rusku

Модерн („moderný“) bola veľmi pestrá ruská variácia secesie, ktorá sa objavila v Moskve a Saint Petersburg v roku 1898 vydaním nového umeleckého časopisu „Мир искусства“ (prepis: Mir Iskusstva) („Svet umenia“), ruskými umelcami Alexandre Benois a Léon Bakst, a hlavný redaktor Sergej Diaghilev. Časopis organizoval výstavy popredných ruských umelcov vrátane Michail Vrubel, Konštantín Somov, Izák Levitana ilustrátor knihy Ivan Bilibin. Štýl sveta umenia menej využíval rastlinné a kvetinové formy francúzskej secesie; silne čerpala z jasných farieb a exotických vzorov ruského folklóru a rozprávok. Najvplyvnejším príspevkom "sveta umenia" bolo vytvorenie novej baletnej spoločnosti Ballets Russes, ktorej šéfuje Diaghilev, s kostýmami a kulisami, ktoré navrhli Bakst a Benois. Nová baletná spoločnosť mala premiéru v Paríži v roku 1909 a účinkovala tam každý rok až do roku 1913. Exotické a farebné súpravy navrhnuté Benoisom a Bakstom mali zásadný vplyv na francúzske umenie a dizajn. Kostýmy a scénografie boli reprodukované v popredných parížskych časopisoch, Ilustrácia, La Vie parisienne a Vestník du bon ton, a ruský štýl sa stal v Paríži známym ako à la Bakst. Spoločnosť uviazla v Paríži najskôr po vypuknutí prvej svetovej vojny a potom po nej Ruská revolúcia v roku 1917, a ironicky nikdy nevystupoval v Rusku.[122]

Z ruských architektov bol najvýznamnejší v čistom secesnom štýle Fyodor Schechtel. Najznámejším príkladom je Ryabushinsky House v Moskve. Postavil ju ruský podnikateľ a vlastník novín a potom po Ruská revolúcia, sa stala rezidenciou spisovateľa Maxim Gorkij, a teraz je z neho Gorkého múzeum. Jeho hlavné schodisko vyrobené z lešteného kameniva z betónu, mramoru a žuly má plynulé, vlnité čiary podobné morským vlnám a je osvetlené lampou v podobe plávajúcich medúz. V interiéri sú tiež dvere, okná a strop zdobené farebnými freskami z mozaiky.[123] Schechtel, ktorý je tiež považovaný za významnú osobnosť v Ruská symbolika, navrhol niekoľko ďalších významných budov v Moskve vrátane prestavby budovy Moskovská stanica Yaroslavsky, v tradičnejšom moskovskom štýle obrodenia.[123]

Vytvorili ďalší ruskí architekti tohto obdobia Architektúra ruského obrodenia, ktorá čerpala z histor Ruská architektúra. Tieto budovy boli vytvorené väčšinou z dreva a odkazovali sa na Architektúra Kyjevskej Rusi. Jedným z príkladov je dom Teremok v Talashkino (1901–1902) od Sergej Malyutina Pertsov dom (tiež známy ako Pertsov dom) v Moskve (1905 - 1907). Bol tiež členom Mir iskusstva pohyb. The Saint Petersburg architekt Nikolaj Vasiljev postavený v rôznych štýloch pred emigráciou v roku 1923. Táto budova je pozoruhodná pre kamenné rezbárske práce od Sergeja Vashkova inšpirované rezbami Katedrála svätého Demetria v Vladimír a Katedrála svätého Juraja v Yuryev-Polsky XII. a XIII. storočia. The Marfo-Mariinského kláštora (1908–1912) by Alexej Ščušev je aktualizovaná verzia klasiky Ruská pravoslávna cirkev. Shchusev neskôr navrhol Leninovo mauzóleum (1924) v Moskve.

V Rusku bolo v tomto období vybudovaných niekoľko umeleckých kolónií Ruské obrodenie štýl. Dve najznámejšie kolónie sa nachádzali v Abramcevo, financované z Savva Mamontova Talashkino, Smolenskij gubernia, financované z Princezná Maria Tenisheva. Jedným z príkladov tejto architektúry ruského obrodenia je Marfo-Mariinského kláštora (1908–1912), aktualizovaná ruská pravoslávna cirkev od Alexej Ščušev, ktorý neskôr, ironicky, navrhol Leninovo mauzóleum v Moskve.

Jūgendstils (Secesia v Rige)

Riga, súčasné hlavné mesto Lotyšsko, bol v tom čase jedným z hlavných miest USA Ruská ríša. Secesná architektúra v Rige Napriek tomu sa vyvinul podľa vlastnej dynamiky a štýl sa stal v meste ohromne populárnym. Krátko po lotyšskej etnografickej výstave v roku 1896 a výstave priemyselných a remeselných výrobkov v roku 1901 sa secesia stala dominantným štýlom v meste.[124] Secesná architektúra teda predstavuje jednu tretinu všetkých budov v centre Rigy, čo z neho robí mesto s najvyššou koncentráciou týchto budov kdekoľvek na svete. Kvantita a kvalita secesnej architektúry bola jedným z kritérií pre zaradenie Rigy do Svetové kultúrne dedičstvo UNESCO.[125]

V Rige boli rôzne variácie secesnej architektúry:

  • v eklektickej secesii boli najobľúbenejšie kvetinové a iné prírodou inšpirované prvky výzdoby. Príklady tejto variácie sú diela Michail Eisenstein,
  • v kolmej secesii sa do vertikálnych kompozícií fasád integrovali geometrické ornamenty. Niekoľko obchodných domov bolo postavených v tomto štýle a niekedy sa tiež označuje ako „štýl obchodného domu“ alebo Warenhausstil V Nemecku,
  • Národná romantická secesia sa inšpirovala miestnym ľudovým umením, monumentálnymi objemami a použitím prírodných stavebných materiálov.

Niektoré neskôr Neoklasicistické budovy obsahovali aj secesné detaily.

Štýl Sapin v La Chaux-de-Fonds, Švajčiarsko

Variácia s názvom Štýl Sapin („Pine Tree Style“) sa objavil v La Chaux-de-Fonds v Kantón Neuchâtel vo Švajčiarsku. Štýl uviedol na trh maliar a umelec Charles l’Eplattenier a bol inšpirovaný najmä sapinalebo borovica a ďalšie rastliny a divoká zver Pohorie Jura. Jedným z jeho hlavných diel bolo krematórium v ​​meste, ktoré obsahovalo trojuholníkové formy stromov, šišky a ďalšie prírodné témy z regiónu. Štýl tiež zapadal do geometrickejších štylistických prvkov Jugendstil a Viedenská secesia.[126]

Ďalšou pozoruhodnou stavbou v tomto štýle je Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, chata, ktorú v roku 1905 navrhol a postavil študent osemnásťročného študenta L'Epplattenier Charles-Édouard Jeanneret (1887–1965), ktorý sa neskôr stal známejším ako Le Corbusier, Forma domu bola tradičná Švajčiarska chata, ale výzdoba fasády obsahovala trojuholníkové stromy a ďalšie prírodné prvky. Jeanneret postavil ďalšie dve chaty v tejto oblasti, vrátane vily Stotzer, v tradičnejšom štýle horskej chaty.[127][126][128][129]

Štýl Tiffany a Louis Sullivan v Spojených štátoch

V Spojených štátoch spoločnosť Louis Comfort Tiffany hral ústrednú rolu v americkej secesii. Narodený v roku 1848 študoval na Národná akadémia dizajnu v New Yorku začal pracovať so sklom vo veku 24 rokov, vstúpil do rodinného podniku založeného jeho otcom a v roku 1885 založil vlastný podnik zameraný na jemné sklo a vyvinul nové techniky jeho farbenia. V roku 1893 začal vyrábať sklenené vázy a misy, znovu vyvíjal nové techniky, ktoré umožňovali originálnejšie tvary a sfarbenie, a začal experimentovať s dekoratívnym oknom. V roku 1895 boli jeho sklenené vrstvy vytlačené, mramorované a prekrývajúce sa. Vďaka svojej výnimočnej sýtosti a farebnej rozmanitosti boli jeho nové diela uvedené v secesnej galérii Siegfrieda Binga, čím získali novú európsku klientelu. Po smrti svojho otca v roku 1902 prevzal celý podnik Tiffany, stále sa však veľa času venoval navrhovaniu a výrobe sklenených umeleckých predmetov. Na naliehanie Thomas Edison, začal vyrábať elektrické žiarovky s viacfarebnými sklenenými tienidlami v štruktúrach z bronzu a železa alebo zdobené mozaikami, ktoré boli vyrábané v mnohých sériách a vydaniach, pričom každá bola vyrobená so šperkom. Na každom produkte pracoval tím dizajnérov a remeselníkov. Najmä lampa Tiffany sa stala jednou z ikon secesie, ale Tiffanini remeselníci (a remeselníčky) navrhli a vyrobili mimoriadne okná, vázy a iné sklárske umenie. Tiffanyho pohár mal na veľtrhu tiež veľký úspech 1900 Expozícia Universelle v Paríži; jeho okno z farebného skla sa volalo Let duší získal zlatú medailu.[130] Kolumbijská výstava bola pre Tiffany dôležitým miestom; kaplnka, ktorú navrhol, bola vystavená v pavilóne umenia a priemyslu. Tiffanská kaplnka spolu s jedným z okien Tiffaninho domu v New Yorku sú teraz vystavené v Charles Hosmer Morse Museum of American Art v Winter Park, Florida.

Ďalšou dôležitou osobnosťou americkej secesie bol architekt Louis Sullivan. Sullivan bol popredným priekopníkom americkej modernej architektúry. Bol zakladateľom Chicagská škola, architekt niektorých z prvých mrakodrapov a učiteľ Frank Lloyd Wright. Jeho najslávnejšie príslovie bolo „Forma sleduje funkciu“. Zatiaľ čo forma jeho budov bola formovaná ich funkciou, jeho výzdoba bola ukážkou americkej secesie. V roku 1893 Svetová kolumbijská výstava v Chicagu, ktoré je známe svojou neoklasickou architektúrou Biele mesto, navrhol veľkolepý secesný vchod pre veľmi funkčnú Dopravnú budovu.[131][132]

Zatiaľ čo architektúra jeho Carson, Pirie, Scott a budova spoločnosti (1899) (teraz Sullivan Center) bol nápadne moderný a funkčný, okná obklopil štylizovanou kvetinovou výzdobou. Vynašiel rovnako originálnu výzdobu pre Národná farmárska banka Owatonna, Minnestota (1907 - 1908) a obchodná národná banka v Grinell v Iowe. Vynašiel špecificky americkú secesiu, v ktorej deklaroval, že dekoratívne formy by mali bez konca oscilovať, vlniť, miešať a odvodzovať ich. Vytvoril diela s vysokou precíznosťou, ktoré niekedy kombinovali gotiku a secesnú tematiku.[133]

Secesia v Argentíne

Zaplavená európskymi prisťahovalcami, Argentína privítala všetky umelecké a architektonické európske štýly vrátane secesie.[134] Mestá s najvýznamnejším secesným dedičstvom v Argentíne sú Buenos Aires, Rosario a Mar del Plata.[135]

Paríž bol prototypom Buenos Aires s výstavbou veľkých bulvárov a tried v 19. storočí.[134] Miestny štýl spolu s francúzskym vplyvom tiež sledoval taliansku slobodu ako mnoho architektov (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) boli Taliani. V dielach Julián García Núñez [es] Katalánsky vplyv možno zaznamenať, keď v roku 1900 ukončil štúdium v ​​Barcelone.[134] Vplyv Viedenská secesia nájdete v budove Paso y Viamonte.[134]

Zavedenie secesie v roku 2006 Rosario je pripojený k Francisco Roca Simó [es] ktorý trénoval v Barcelone.[136] Jeho Budova klubu Español [es] (1912) predstavuje jedno z najväčších vitráží v Latinskej Amerike, ktoré vyrába (rovnako ako obklady a keramika) miestna firma Buxadera, Fornells y Cía.[137] Sochárom budovy je Diego Masana z Barcelony.[137]

Vplyv Belgicka na argentínsku secesiu predstavuje Villa Ortiz Basualdo, ktorá je v súčasnosti hostiteľom Mestské múzeum umenia Juana Carlosa Castagnina v Mar del Plata kde je nábytok, interiéry a osvetlenie Gustave Serrurier-Bovy.

Secesia vo zvyšku sveta

Rovnako ako v Argentíne, aj na secesiu v iných krajinách mali najväčší vplyv zahraniční umelci:

Secesné motívy nájdete tiež v Francúzske koloniálne artchitechture v celom Francúzska Indočína.

Pozoruhodné umelecké hnutie tzv Škola Becalel sa objavil v Palestínsky región v datovaní k neskorému Osmanovi a Britský mandát obdobia. Bol opísaný ako „fúzia orientálne umenie a Jugendstil. ““[146] Niekoľko umelcov spojených so školou Becalel bolo známe svojím secesným štýlom, vrátane Ze'ev Raban, Efraim Mojžiš Lilien a Abel Pann.[147]

Charakteristiky

Pre ranú secesiu, najmä v Belgicku a vo Francúzsku, boli charakteristické zvlnené, zakrivené formy inšpirované ľaliami, viničom, stonkami kvetov a inými prírodnými formami. používané najmä v interiéroch Victor Horta a výzdoba Louis Majorelle a Émile Gallé.[148] Čerpalo tiež zo vzorov založených na motýloch a vážkach požičaných z japonského umenia, ktoré boli v tom čase v Európe populárne.[149]

Ranná secesia tiež často obsahovala štylizovanejšie formy vyjadrujúce pohyb, ako napríklad štátny prevrat alebo „šľahnutie"čiara zobrazená v cyklámenových rastlinách, ktorú nakreslil dizajnér Hermann Obrist v roku 1894. Popis publikovaný v Pan časopis o Hermann Obristvisí na stene Cyklámen (1894), v porovnaní s „náhlymi násilnými krivkami generovanými prasknutím biča“,[150] Pojem „whiplash“, hoci sa pôvodne používal na zosmiešnenie štýlu, sa často používa pri charakteristických krivkách, ktoré používajú secesní umelci.[150] Takéto ozdobné zvlnené a plynulé línie v synkopovanom rytme a asymetrickom tvare sa často nachádzajú v architektúre, maľbe, sochárstve a iných formách secesného dizajnu.[150]

Populárne boli aj iné kvetinové formy inšpirované ľaliami, vistériami a inými kvetmi, najmä v lampách Louis Comfort Tiffany a sklenené predmety vyrobené umelcami Škola v Nancy a Émile Gallé. Medzi ďalšie zakrivené a zvlnené formy vypožičané z prírody patrili motýle, pávy, labute a lekná. Mnoho návrhov zobrazovalo ženské vlasy prepletené so stonkami ľalií, kosatcov a iných kvetov.[151] Štylizované kvetinové formy používali najmä Victor Horta v kobercoch, balustrádach, oknách a nábytku. Tiež ich vo veľkej miere využíval Hector Guimard pre balustrády a najslávnejšie pre lampy a zábradlia na vstupoch do Parížske metro. Guimard vysvetlil: "To, čomu sa treba vyhnúť vo všetkom, čo je spojité, je paralelnosť a symetria. Príroda je najväčší staviteľ a príroda nerobí nič, čo je paralelné a nič, čo je symetrické."[152]

Skôr secesný nábytok, napríklad taký, ktorý vyrobil Louis Majorelle a Henry van de Velde, sa vyznačovalo použitím exotických a drahých materiálov, vrátane mahagónu s intarziami vzácnych drevín a obkladov, a zakrivenými tvarmi bez pravých uhlov. Dalo to pocit ľahkosti.

V druhej secesnej fáze, po roku 1900, bola výzdoba čistejšia a línie boli viac štylizované. Krivky a tvary sa vyvinuli do mnohouholníkov a potom do kociek a iných geometrických tvarov. Tieto geometrické tvary boli použité s osobitným účinkom v architektúre a nábytku Jozef Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser a Josef Hoffmann, najmä Palais Stoclet v Bruseli, ktorý oznámil príchod Art Deco a modernizmus.[78][79][80]

Ďalšou charakteristikou secesnej architektúry bolo použitie svetla otvorením vnútorných priestorov odstránením stien a rozsiahle využitie strešných okien na vnesenie maximálneho množstva svetla do interiéru. Rezidencia-ateliér architekta a ďalšie domy postavené Victor Horta mal rozsiahle svetlíky, podopierané zakrivenými železnými rámami. V Hotel Tassel odstránil tradičné steny okolo schodiska, takže schody sa stali ústredným prvkom interiérového dizajnu.

Vzťah k súčasným štýlom a hnutiam

Dva príklady rokoko: návrh konzolového stola z roku 1752 (vľavo) a porcelánovej misy z roku 1756 (vpravo). Krivky, rastlinné ozdoby, asymetria a motívy inšpirované prírodou boli široko použité v oboch Rokokové obrodenie (jeden z najpopulárnejších štýlov v 70. a 80. rokoch 18. storočia) a secesia

Secesia ako umelecký štýl súvisí s Prerafaelitov a Symbolista štýly a umelci ako Aubrey Beardsley, Alfons Mucha, Edward Burne-Jones, Gustáv Klimt a Jan Toorop je možné zaradiť do viacerých z týchto štýlov. Na rozdiel od symbolistickej maľby má však secesia osobitý vzhľad; a na rozdiel od remeselník-orientovaný Hnutie umeleckých remesiel, Secesní umelci ľahko použili nové materiály, opracované povrchy a abstrakcia v službách čistého dizajnu.

Secesia sa nevyhla použitiu strojov, ako to robilo hnutie Umelecké remeslá. V prípade sochárstva boli hlavnými použitými materiálmi sklo a tepané železo, čo viedlo k sochárskym kvalitám aj v architektúre. Keramika sa uplatnila aj pri tvorbe edícií sôch umelcov ako napr Auguste Rodin.[153] aj keď jeho socha nie je považovaná za secesiu.

Secesná architektúra využívala mnohé technologické inovácie z konca 19. storočia, najmä použitie exponovaného železa a veľkých kusov skla nepravidelného tvaru pre architektúru.

Secesné tendencie boli tiež absorbované do miestnych štýlov. Napríklad v Dánsku to bol jeden aspekt Skønvirke („estetické dielo“), ktoré samotné užšie súvisí s Štýl umenia a remesiel.[154][155] Rovnako tak umelci prijali do kvetinového umenia veľa secesných kvetinových a organických motívov Młoda Polska („Young Poland“) štýl v Poľsku.[156] Młoda Polska, zahŕňal však aj iné umelecké štýly a zahŕňal širší prístup k umeniu, literatúre a životnému štýlu.[157]

Žánre

Secesia je zastúpená v maľbe a sochárstvo, ale najvýraznejšie je to v architektúra a dekoratívne umenie. Bolo to vhodné pre grafické umenie, najmä plagát, interiérový dizajn, kov a sklo umenie, šperky, dizajn nábytku, keramika a textil.

Plagáty a grafika

Grafika v secesnom období prekvitala vďaka novým technológiám tlače, najmä farebnej litografia, ktorá umožňovala hromadnú výrobu farebných plagátov. Umenie sa už neobmedzovalo iba na galérie, múzeá a salóny; bolo možné ho nájsť na parížskych múroch a v ilustrovaných umeleckých časopisoch, ktoré obiehali po celej Európe a do Spojených štátov. Najpopulárnejšou témou secesných plagátov boli ženy; ženy symbolizujúce pôvab, modernosť a krásu, často obklopené kvetmi.

V Británii bol popredným secesným grafikom Aubrey Beardsley (1872–1898). Začal vygravírovanými knižnými ilustráciami pre Le Morte d'Arthur, potom čiernobiele ilustrácie pre Salome od Oscar Wilde (1893), ktorá mu priniesla slávu. V tom istom roku začal gravírovať ilustrácie a plagáty pre časopis o umení Štúdio, ktorá pomohla propagovať európskych umelcov ako napr Fernand Khnopff v Británii. Krivky a zložité kvetinové vzory priťahovali toľko pozornosti ako text.[158]

Švajčiarsko-francúzsky umelec Eugène Grasset (1845–1917) bol jedným z prvých tvorcov francúzskych secesných plagátov. Pomáhal zdobiť slávny kabaret Le Chat noir v roku 1885 a vytvoril prvé plagáty pre Fêtes de Paris. Vytvoril oslavný plagát Sarah Bernhardt v roku 1890 a širokú škálu knižných ilustrácií. Umelci-návrhári Jules Chéret, Georges de Feure a maliar Henri de Toulouse-Lautrec všetko vyrobené plagáty pre parížske divadlá, kaviarne, kabarety tanečných sál. The Česky umelec Alfons Mucha (1860–1939) pricestoval do Paríža v roku 1888 a v roku 1895 vytvoril v predstavení plagát pre herečku Sarah Bernhardt Gismonda od Viktorien Sardou. Úspech tohto plagátu viedol k kontraktu na výrobu plagátov k ďalším šiestim hrám Bernhardta. V priebehu nasledujúcich štyroch rokov pre herečku navrhol aj kulisy, kostýmy či dokonca šperky.[159][160] Na základe úspechov svojich divadelných plagátov Mucha vytvoril plagáty na rôzne výrobky, od cigariet a mydla po pivové sušienky, ktoré obsahovali idealizovanú ženskú postavu s postavou presýpacích hodín. Ďalej pokračoval v navrhovaní výrobkov, od šperkov po krabičky na sušienky, vo svojom osobitom štýle.[161]

Vo Viedni bol najplodnejším dizajnérom grafiky a plagátov Koloman Moser (1868–1918), ktorý sa aktívne zúčastnil secesného hnutia s Gustáv Klimt a Josef Hoffmann, a urobil ilustrácie a obálky pre časopis hnutia, Ver Sacrum, ako aj obrazy, nábytok a dekorácie.[162]

Maľba

Maľovanie bolo ďalšou doménou secesie, aj keď väčšina maliarov spájaných so secesiou je primárne označovaná za členov iných hnutí, najmä postimpresionizmus a symbolika. Alfons Mucha bol známy svojimi secesnými plagátmi, ktoré ho frustrovali. Podľa jeho syna a autora životopisov Jiří Mucha, na secesiu príliš nemyslel. "Čo je to, Secesia? spýtal sa. „... Umenie nikdy nemôže byť nové.“ [163] Na svoju prácu ako maliar histórie sa tešil najväčšej hrdosti. Jeho jediná secesná maľba „Slava“ je portrétom dcéry jeho patróna v slovanskom kroji, ktorý bol vytvorený podľa jeho divadelných plagátov.[163]

Maliari, ktorí boli najviac spojení so secesiou, boli Les Nabispostimpresionistickí umelci pôsobiaci v Paríži v rokoch 1888 až 1900. Jedným z ich deklarovaných cieľov bolo prelomenie bariéry medzi výtvarným a dekoratívnym umením. Maľovali nielen plátna, ale aj ozdobné paravány a panely. Mnohé z ich diel boli ovplyvnené estetikou japonských tlačí. Členovia vrátane Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallottona Paul Sérusier.[164]

V Belgicku Fernand Khnopff pracoval v maľbe aj grafickom dizajne. Nástenné maľby od Gustava Klimta boli integrované do dekoratívnej schémy Josef Hoffmann pre Palais Stoclet. Klimtova nástenná maľba pre jedáleň v Palais Stoclet (1905–1911) je považovaná za majstrovské dielo neskorej secesie.

Jeden predmet sa objavil v tradičnej maľbe aj v secesii; americká tanečnica Loie Fullerová, zobrazili francúzski a rakúski maliari a umelci plagátov.[165]

Jeden osobitný štýl, ktorý sa stal populárnym v secesnom období, najmä v Bruseli, bol sgrafito, technika vynájdená v renesancii nanášania vrstiev tónovanej omietky na výrobu nástenných malieb na fasádach domov. Toto využil najmä belgický architekt Paul Hankar za domy, ktoré postavil pre dvoch priateľov umelcov, Paula Cauchieho a Alberta Ciamberlaniho.

Sklo umenie

Sklo umenie bolo médium, v ktorom secesia nachádzala nové a rozmanité spôsoby vyjadrovania. Intenzívne experimentovanie pokračovalo, najmä vo Francúzsku, s cieľom nájsť nové efekty transparentnosti a nepriehľadnosti: pri gravírovaní kameňa, dvojitých vrstiev a gravírovaní kyselinou, čo je technika, ktorá povoľovala sériovú výrobu. Mesto Nancy sa stalo dôležitým centrom pre francúzsky sklársky priemysel a dielňami Émile Gallé a Daum štúdio, ktoré vedie Auguste a Antonin Daum. Pracovali s mnohými významnými dizajnérmi, vrátane Ernest Bussière [fr], Henri Bergé (ilustrátor) [fr]a Amalric Walter. Vyvinuli novú metódu inkrustácie skla vtlačením fragmentov rôznofarebného skla do nedokončeného kusu. Často spolupracovali s návrhárom nábytku Louis Majorelle, ktorého domov a dielne boli v Nancy. Ďalším znakom secesie bolo použitie vitráží s týmto štýlom kvetinových motívov v bytových salónoch, najmä v secesných domoch v Nancy. Mnohé z nich boli dielom Jacques Grüber, ktorý vyrobil okná pre Villa Majorelle a ďalšie domy.[167]

V Belgicku bola vedúcou spoločnosťou skláreň v Val Saint Lambert, ktoré vytvorili vázy v organických a kvetinových formách, z ktorých mnohé navrhla Philippe Wolfers. Wolfers bol známy najmä pre tvorbu diel symbolista sklo, často s pripevnenou kovovou dekoráciou. V Čechy, potom región Rakúsko-Uhorské cisárstvo známe pre výrobu kryštálov, spoločnosti J. & L. Lobmeyr a Joh. Loetz Witwe tiež experimentoval s novými technikami farbenia, čím vytvoril živšie a sýtejšie farby. V Nemecku experimenty viedol Karl Köpping, ktorý pomocou fúkaného skla vytvoril mimoriadne jemné poháre v podobe kvetov; také jemné, že dnes prežije len málokto.[168]

Vo Viedni boli sklenené vzory secesného hnutia oveľa geometrickejšie ako návrhy vo Francúzsku alebo Belgicku; Otto Prutscher bol najprísnejším skleneným dizajnérom hnutia.[168] V Británii vytvorilo niekoľko kvetinových vitráží Margaret Macdonald Mackintosh na architektonické predstavenie s názvom „Dom milovníka umenia“.

V Spojených štátoch, Louis Comfort Tiffany a jeho dizajnéri sa preslávili najmä svojimi žiarovkami, ktorých sklenené tienidlá zložito spájali spoločné kvetinové témy. Lampy Tiffany si získali obľubu po roku Svetová kolumbijská výstava v Chicagu v roku 1893, kde Tiffany vystavila svoje lampy v byzantskej kaplnke. Tiffany intenzívne experimentovala s procesmi farbenia skla, patentovaním tohto procesu v roku 1894 Favrilové sklo, ktorá na zafarbenie vnútra roztaveného skla použila oxidy kovov, čím získala iridiskový efekt. V jeho dielňach sa vyrobilo niekoľko rôznych sérií Lampa Tiffany v rôznych kvetinových vzoroch spolu s vitrážami, obrazovkami, vázami a rôznymi dekoračnými predmetmi. Jeho diela boli najskôr dovezené do Nemecka, potom do Francúzska Siegfried Bing, a potom sa stal jedným z dekoratívnych vnemov výstavy 1900. Americký súper s Tiffany, Steuben Glass, bola založená v roku 1903 v Corning, NYod, Frederick Carder, ktorí rovnako ako Tiffany použili proces Fevrile na vytvorenie povrchov s dúhovými farbami. Ďalším významným americkým sklárskym umelcom bol John La Farge, ktorí vytvorili zložité a farebné vitráže na náboženských aj čisto dekoratívnych témach.[168]

Príklady vitráží v kostoloch možno nájsť v Secesné náboženské budovy článok.

Kovové umenie

Teoretik architektúry z 19. storočia Viollet-le-Duc sa zasadzoval skôr za to, aby sa skryli železné rámy moderných budov, ale secesní architekti Victor Horta a Hector Guimard išli o krok ďalej: do interiérov aj exteriérov svojich budov pridali železnú výzdobu v krivkách inšpirovaných kvetinovými a rastlinnými formami. Mali podobu zábradlia schodiska v interiéri, svietidiel a ďalších detailov v interiéri a balkónov a iných ozdôb v exteriéri. Stali sa jedným z najvýraznejších prvkov secesnej architektúry. Použitie kovovej dekorácie v rastlinných formách sa čoskoro objavilo aj v strieborných príboroch, lampách a iných dekoratívnych predmetoch.[169]

V USA návrhár George Grant Elmslie zhotovil mimoriadne zložité liatinové vzory pre balustrády a inú vnútornú výzdobu budov chicagského architekta Louis Sullivan.

Zatiaľ čo francúzski a americkí dizajnéri používali kvetinové a rastlinné formy, Jozef Maria Olbrich a ďalší umelci secesie navrhli čajové kanvice a iné kovové predmety v geometrickejšom a triezvejšom štýle.[170]

Šperky

Medzi charakteristiky secesnej klenotnice patria jemné krivky a línie. Jeho dizajn často predstavuje prírodné objekty vrátane kvetov, zvierat alebo vtákov. Ženské telo je tiež populárne a často sa na ňom objavuje portréty. Často to zahŕňalo dlhé náhrdelníky vyrobené z perál alebo retiazok zo strieborných retiazok prerušovaných sklenenými korálkami alebo končiacich strieborným alebo zlatým príveskom, ktoré boli často koncipované ako ozdoba na uchytenie jedného fazetovaného šperku ametyst, peridotalebo citrín.[171]

Secesné obdobie prinieslo do šperkárskeho priemyslu pozoruhodnú štylistickú revolúciu, ktorú viedli predovšetkým veľké parížske firmy. Posledné dve storočia kladie dôraz na jemné šperky do dramatického prostredia pre diamanty. Počas secesie vládli diamanty zvyčajne podpornou úlohou. Klenotníci experimentovali s celým radom ďalších kameňov vrátane achát, granát, opál, mesačný kameň, akvamarín a ďalšie polodrahokamy a okrem iného aj so širokou paletou nových techník smaltovaniea nové materiály vrátane roh, tvarované sklo a slonová kosť.

Vrátane raných pozoruhodných parížskych klenotníkov v secesnom štýle Louis Aucoc, ktorej rodinná klenotnícka firma sa datuje do roku 1821. Najslávnejší návrhár secesného obdobia, René Lalique, vyučil sa v ateliéri Aucoc v rokoch 1874 až 1876. Lalique sa stal ústrednou postavou secesných šperkov a skla, využívajúcich prírodu, od r. vážky na trávy, ako jeho modely. Umelci mimo tradičného sveta šperkov, ako napr Paul Follot, známy predovšetkým ako návrhár nábytku, experimentoval s návrhmi šperkov. Vrátane ďalších pozoruhodných francúzskych secesných návrhárov šperkov Jules Brateau a Georges Henry. V USA bol najslávnejším návrhárom Louis Comfort Tiffany, ktorého práce boli zobrazené v obchode Siegfried Bing a tiež na parížskej výstave v roku 1900.

V Británii bol najvýznamnejšou osobnosťou dizajnér spoločnosti Liberty & Co. Archibald Knox, ktorí vyrábali rôzne secesné kúsky vrátane strieborných spôn na opasok. C. R. Ashbee navrhnuté prívesky v tvare pávov. Všestranný Glasgow návrhár Charles Rennie Mackintosh tiež vyrábala šperky pomocou tradičných keltských symbolov. V Nemecku stredisko pre Jugendstil klenotníctvo bolo mestom Pforzheim, kde je väčšina nemeckých firiem vrátane Theodor Fahrner, sa nachádzali. Rýchlo vyrobili diela, aby uspokojili dopyt po novom štýle.[171]

Architektúra a ornamentika

Art Nouveau architecture was a reaction against the eclectic styles that dominated European architecture in the second half of the 19th century. It was expressed through decoration: either okrasné (based on flowers and plants, e.g. thistles,[172] irises,[173] cyclamens, orchids, water lilies etc.) or sculptural (see the respective section nižšie). While faces of people (or maskaróny) are referred to ornament, the use of people in different forms of sculpture (statues and reliefs: see the respective section below) was also common in some forms of Art Nouveau. Predtým Viedenská secesia, Jugendstil and the various forms of the National romantic style façades were asymmetrical, and often decorated with polychrome ceramic tiles. The decoration usually suggested movement; there was no distinction between the structure and the ornament.[174] A curling or "whiplash" motif, based on the forms of plants and flowers, was widely used in the early Art Nouveau, but decoration became more abstract and symmetrical in Viedenská secesia and other later versions of the style, as in the Palais Stoclet in Brussels (1905–1911).[175]

The style first appeared in Brussels' Hankarov dom od Paul Hankar (1893) a Hôtel Tassel (1892–93) of Victor Horta. The Hôtel Tassel was visited by Hector Guimard, who used the same style in his first major work, the Castel Béranger (1897–98). Horta and Guimard also designed the furniture and the interior decoration, down to the doorknobs and carpeting. In 1899, based on the fame of the Castel Béranger, Guimard received a commission to design the entrances of the stations nového Paris Métro, which opened in 1900. Though few of the originals survived, these became the symbol of the Art Nouveau movement in Paris.

In Paris, the architectural style was also a reaction to the strict regulations imposed on building facades by Georges-Eugène Haussmann, the prefect of Paris under Napoleon III. Bow windows were finally allowed in 1903, and Art Nouveau architects went to the opposite extreme, most notably in the houses of Jules Lavirotte, which were essentially large works of sculpture, completely covered with decoration. An important neighbourhood of Art Nouveau houses appeared in the French city of Nancy, around the Villa Majorelle (1901–02), the residence of the furniture designer Louis Majorelle. Bol navrhnutý používateľom Henri Sauvage as a showcase for Majorelle's furniture designs.[176]

Many Art Nouveau buildings were included in UNESCO World Cultural Heritage list as a part of their city centres (in Bern, Budapešť, Ľvov, Paríž, Porto, Praha, Riga, Saint Petersburg, Štrasburg (Neustadt), Viedeň). Along with them, there were buildings that were included in the list as separate objects:

Plastika

Sculpture was another form of expression for Art Nouveau artists, crossing with ceramics sometimes. The porcelain figurine Dancer with a Scarf od Agathon Léonard won recognition both in ceramics and in sculpture at the Parížska expozícia in 1900. Sculptors of other countries also created ceramic sculptures: Bohemian Stanislav Sucharda a Ladislav Šaloun, Belgický Charles Van der Stappen a katalánčina Lambert Escaler [ca.], who created statues of polychrome terracotta. Another notable sculptor of that time was Agustí Querol Subirats od Katalánsko who created statues in Spain, Mexico, Argentínaa Kuba.[178]

V architektonická socha not only statues but also reliefs were used. Art Nouveau architects and sculptors found inspiration in animal motívy (butterflies,[179] peacocks,[180] swans,[181] owls,[182] netopiere,[183] dragons,[184] medvede[185]). Atlantes,[186] karyatidy,[187] putti,[188] a chrliče[189] boli tiež použité.

Nábytok

Furniture design in the Art Nouveau period was closely associated with the architecture of the buildings; the architects often designed the furniture, carpets, light fixtures, doorknobs, and other decorative details. The furniture was often complex and expensive; a fine finish, usually polished or varnished, was regarded as essential, and continental designs were usually very complex, with curving shapes that were expensive to make. It also had the drawback that the owner of the home could not change the furniture or add pieces in a different style without disrupting the entire effect of the room. For this reason, when Art Nouveau architecture went out of style, the style of furniture also largely disappeared.

In France, the centre for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé a Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliance des industries d'art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of intarzia in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Other notable furniture designers of the Nancy School included Eugène Vallin a Émile André; both were architects by training, and both designed furniture that resembled the furniture from Belgian designers such as Horta and Van de Velde, which had less decoration and followed more closely the curving plants and flowers. Other notable French designers included Henri Bellery-Desfontaines, who took his inspiration from the neo-Gothic styles of Viollet-le-Duc; a Georges de Feure, Eugène Gaillarda Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing to revitalize the French furniture industry with new themes. Their work was known for "abstract naturalism", its unity of straight and curved lines, and its rokoko vplyv. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François-Rupert Carabin, a sculptor by training, whose furniture featured sculpted nude female forms and symbolic animals, particularly cats, who combined Art Nouveau elements with Symbolizmus. Other influential Paris furniture designers were Charles Plumeta Alexandre Charpentier.[190] In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th-century Rokokové furniture were re-interpreted in a new style.[10]

In Belgium, the pioneer architects of the Art Nouveau movement, Victor Horta a Henry van de Velde, designed furniture for their houses, using vigorous curving lines and a minimum of decoration. The Belgian designer Gustave Serrurier-Bovy added more decoration, applying brass strips in curving forms. In the Netherlands, where the style was called Nieuwe Kunst or New Art, H. P. Berlag, Lion Cachet and Theodor Nieuwenhuis followed a different course, that of the English Hnutie umeleckých remesiel, with more geometric rational forms.

In Britain, the furniture of Charles Rennie Mackintosh was purely Arts and Crafts, austere and geometrical, with long straight lines and right angles and a minimum of decoration.[191] Continental designs were much more elaborate, often using curved shapes both in the basic shapes of the piece, and in applied decorative motifs. In Germany, the furniture of Peter Behrens a Jugendstil was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; simplicity of structure and simplicity of materials, for furniture that could be inexpensive and easily mass-manufactured. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser. The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier štýl.[192]

Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudí a Modernizmus movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles.[117]

In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, New York, whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Celtic Art a Gotické umenie, with touches of Art Nouveau in the metal trim applied to the pieces.[117]

Keramika

Ceramic art, including fajansa, was another flourishing domain for Art Nouveau artists, in the English-speaking countries falling under the wider umelecká keramika pohyb. The last part of the 19th century saw many technological innovations in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) ceramics with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as sang de boeuf glaze, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional kamenina (grés) methods and reinvented them with new motifs.[193]

Émile Gallé, in Nancy, created earthenware works in natural earth colors with naturalistic themes of plants and insects. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte a Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with architectural ceramics, many of them made by the firm of Alexandrom Bigotom, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look.[193]

One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou a Auguste Rodin. His works were acclaimed at the 1900 Exposition.

The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Manufacture nationale de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch v Nemecku a Doulton v Británii. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [fr] a Auguste Delaherche.[194]

In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf od Agathon Léonard, vyrobené pre Manufacture nationale de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition.

The Zsolnay factory v Pécs, Hungary, was founded by Miklós Zsolnay (1800–1880) in 1853 and led by his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900) with chief designer Tádé Sikorski (1852–1940) to produce stoneware and other ceramics. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of eosin. He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, potom na 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a veľká cena. Frost-resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement.[195]

Ceramic tiles were also a distinctive feature of Portuguese Arte Nova that continued the long azulejo tradition of the country.

Mozaiky

Mosaics were used by many Art Nouveau artists of different movements, especially of Catalan Modernizmus (Nemocnica de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera a veľa ďalších). Antoni Gaudí invented a new technique in the treatment of materials called trencadís, which used waste ceramic pieces.

Farebné Maiolica tile in floral designs wee a distinctive feature of the Majolica House in Vienna by Otto Wagner, (1898) and of the buildings of the works of the Russian Kolónia Abramtsevo, especially those by Michail Vrubel.

Textil a tapety

Textiles and wallpapers were an important vehicle of Art Nouveau from the beginning of the style, and an essential element of Art Nouveau interior design. In Britain, the textile designs of William Morris had helped launch the Hnutie umeleckých remesiel and then Art Nouveau. Many designs were created for the Liberty department store in London, which popularized the style throughout Europe. One such designer was the Strieborné štúdio, which provided colourful stylized floral patterns. Other distinctive designs came from Glasgowská školaa Margaret Macdonald Mackintosh. The Glasgow school introduced several distinctive motifs, including stylized eggs, geometric forms and the "Rose of Glasgow".

In France, a major contribution was made by designer Eugène Grasset who in 1896 published La Plante et ses applications ornamentales, suggesting Art Nouveau designs based on different flowers and plants. Many patterns were designed for and produced by for the major French textile manufacturers in Mulhouse, Lille and Lyon, by German and Belgian workshops. The German designer Hermann Obrist specialized in floral patterns, particularly the cyclamen and the "whiplash" style based on flower stems, which became a major motif of the style. The Belgian Henry van de Velde presented a textile work, La Veillée d'Anges, at the Salon La Libre Esthéthique in Brussels, inspired by the symbolism of Paul Gauguin a Nabis. In the Netherlands, textiles were often inspired by batikovanie patterns from the Dutch colonies in the Východná India. Folk art also inspired the creation of tapestries, carpets, embroidery and textiles in Central Europe and Scandinavia, in the work of Gerhard Munthe a Frida Hansen v Nórsku. The Five Swans dizajn Otto Eckmann appeared in more than one hundred different versions. The Hungarian designer János Vaszary combined Art Nouveau elements with folkloric themes.[197]

Múzeá

There are 4 types of museums featuring Art Nouveau heritage:

  • Broad-scope museums (not specifically dedicated to Art Nouveau but with large collection of items in this style). Art Nouveau monuments are italicised;
  • House-museums of Art Nouveau artists (all but Alphose Mucha museum are Art Nouveau monuments);
  • Museums dedicated to local Art Nouveau movements (all are Art Nouveau monuments);
  • Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside (not dedicated to local Art Nouveau movements/specific artists).
KrajinaBroad-scope museumsHouse-museums of Art Nouveau artistsMuseums dedicated to local Art Nouveau movementsOther Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside
 RakúskoMúzeum úžitkového umenia v ViedeňBudova secesie v ViedeňWagner Pavilions at Karlsplatz a Hietzing v Viedeň
 ArgentínaJuan Carlos Castagnino Municipal Museum of Art v Mar del Plata
 BelgickoFin-de-Siècle Museum v BruselMaison and Atelier Horta v BruselBelgian Comic Strip Center, Múzeum hudobných nástrojov v Brusel
 ČilePalacio Baburizza v Valparaiso
 Česká republikaVýchodočeské múzeum v Hradec KraloveAlfons Mucha Múzeum v PrahaMuseum of Modern Art in Olomouc
 DánskoMuseum Sønderjylland in Skærbæk
 FrancúzskoMusée d'Orsay, Museum of Decorative Arts, Múzeum Carnavalet, Petit Palais v Paríž; Musée historique v Haguenau; Musée d'art moderne et contemporain v Štrasburg, Múzeum výtvarného umenia v NancyVilla Majorelle v Nancy; Musée Lalique [fr] v Wingen-sur-Moder;Museum of the Nancy School v NancyMaxim's Art Nouveau "Collection 1900" vyššie Maxim reštaurácia v Paríž (groups of twenty or more persons only)
 FínskoAteneum a Fínske národné múzeum v Helsinki, Turku Art Museum v TurkuHvitträsk (house of Herman Gesellius, Armas Lindgrena Eliel Saarinen) v Kirkkonummi a Gallen-Kallela Museum v Espoo
 NemeckoBröhan Museum in Berlin, Museum in der Majolika in Karlsruhe, Landesmuseum v Mainz, Museum Wiesbaden v WiesbadenDarmstadt Colony Museum [de] v DarmstadtOsthaus Museum v Hagen
 MaďarskoMúzeum úžitkového umenia and its branch Villa György Ráth in BudapešťMiksa Róth House museum in BudapešťHouse of Hungarian Szecesszió in BudapešťGeological Museum v Budapešť
 TalianskoMunicipal museum [to] v Casale MonferratoVilla Bernasconi [to] v Cernobbio
 LotyšskoRiga Art Nouveau Museum in Riga
 MexikoMuseo del Objeto del Objeto v Mexico City
 NórskoJugendstil Centre v ÅlesundNórske múzeum súčasného umenia v Oslo
 PortugalskoMúzeum Arte Nova v AveiroMuseum-Residence of Dr. Anastácio Gonçalves v Lisabon
 RumunskoSzékely National Museum v Sfântu Gheorghe
 RuskoKolónia Abramtsevo v Moskovská oblasť; All-Russian Decorative Art Museum and Gorky Museum v Moskva; State Russian Museum, Museum of Political History of Russia v Saint PetersburgFyodor Livchak House Museum in Uljanovsk[198]Museum of Talashkino Art Colony in Flenovo, Smolensk Oblast (in Russian only)Museum of Silver Age of Russian literature in Moskva, Múzeum Moderný v Samara, Estate of Aseevs in Tambov; Municipal Museum in Primorsk and Estate-museum of Scherbov in Gatchina (obaja Leningradská oblasť), Múzeum architektúry a urbanizmu v Taganrogu v Taganrog, Museum of Belle Epoque Architecture in Uljanovsk
 ŠpanielskoKatalánske národné múzeum umenia v Barcelona, CaixaFòrum v Madrid, Museo Art Nouveau and Art Déco v SalamancaGaudí House Museum v Barcelona, Lluís Domènech i Montaner House-Museum v Canet de MarMuseum of Catalan Modernisme [ca.] v Barcelona, Art Nouveau House-Museum [es] v NoveldaSagrada Família, Nemocnica de Sant Pau v Barcelona
 ŠvédskoBiologické múzeum v Štokholm, Röhsska múzeum v Göteborgu
  ŠvajčiarskoMusée des Beaux-Arts in La Chaux-de-Fonds [fr]
 UKMúzeum Viktórie a Alberta v Londýn; Kelvingrove múzeum v Glasgow, Galéria umenia Haworth v Accrington[199]Mackintosh House in Hunterian Museum and Art Gallery v GlasgowHornimanské múzeum v Londýn
 UkrajinaArt Museum in Černovci, Museum of Local Lore in Poltava
 USACharles Hosmer Morse Museum of American Art v Winter Park, Florida, Metropolitné múzeum umenia v New Yorku, Centrum Getty v Los Angeles; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City, Inštitút umenia v Chicagu v Chicagu

There are many other Art Nouveau buildings and structures that do not have museum status but can be officially visited for a fee or unofficially for free (e.g. railway stations, churches, cafes, restaurants, pubs, hotels, stores, offices, libraries, cemeteries, fountains as well as numerous apartment buildings that are still inhabited).

Pozri tiež

Referencie

  1. ^ Sterner (1982), 6.
  2. ^ Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art, Secesia
  3. ^ a b c Sembach, Klaus-Jürgen, L'Art Nouveau (2013), pp. 8–30
  4. ^ a b [1] Victor Horta – Encyclopaedia Britannica
  5. ^ a b c d World Heritage Centre, UNESCO. "Major Town Houses of the Architect Victor Horta (Brussels)". whc.unesco.org.
  6. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes Victor Horta article
  7. ^ "Art Nouveau", Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art
  8. ^ Vigne, Georges, Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau, (2016), Editions du Patrimoine, Centre des Monuments National, p. 194
  9. ^ a b c d e Duncan (1994): 23–24.
  10. ^ a b c d e f Gontar, Cybele. Art Nouveau. In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000 (October 2006)
  11. ^ a b c d Michèle Lavallée, "Art Nouveau", Grove Dictionary of Art Oxford University Press, accessed 11 April 2008.
  12. ^ Fahr-Becker, Gabriele, L'Art Nouveau, H.F. Ullmann, (2015), p. 335-358
  13. ^ a b Madsen, S. Tschudi (1977). Secesia (v rumunčine). Editura Meridiane. pp. 7, 71.
  14. ^ "Reteaua Art Nouveau". 7. mája 2019. Získané 6. mája 2020.
  15. ^ Bouillon, Jean-Paul, Journal de l'Art Nouveau (1985), s. 6
  16. ^ https://collections.vam.ac.uk/item/O7926/chair-mackmurdo-arthur-heygate/
  17. ^ Viollet-le-Duc, Entretiens sur l'architecture
  18. ^ Bouillon 1985, s. 24.
  19. ^ Rozhovor v L'Écho de Paris, 28 December 1891, cited in Bouillon (1985)
  20. ^ Bouillon 1985, s. 26.
  21. ^ Lahor 2007, s. 30.
  22. ^ Fahr-Becker 2015, s. 91–93.
  23. ^ Fahr-Becker 2015, s. 143.
  24. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), s. 237
  25. ^ Sembach, L'Art Nouveau p. 47
  26. ^ Culot and Pirlot, Bruxelles Art Nouveau (2005), s. 74–75.
  27. ^ Sembach, L'Art Nouveau- L'Utopie de la Réconciliation (1991) pg. 46–47
  28. ^ Lahor 2007, s. 127.
  29. ^ Sachar, Brian (1984). An Atlas of European Architecture. Van Nostrand Reinhold. p.27. ISBN 978-0-4422-8149-6.
  30. ^ Champigneulle, Bernard (1976). Secesia. Barronova vzdelávacia séria. p. 115,121. ISBN 978-0-8120-5111-7.
  31. ^ Citovať web Webová stránka UNESCO
  32. ^ Culot and Pirlot (2005), p. 20
  33. ^ Fahr-Becker, s. 152.
  34. ^ Bouillon 1985.
  35. ^ [2] Hector Guimard – Art Nouveau World
  36. ^ Fahr-Becker 2015, s. 74.
  37. ^ Martin Eidelberg and Suzanne Henrion-Giele, "Horta and Bing: An Unwritten Episode of L'Art Nouveau", Burlingtonský časopis, roč. 119, Special Issue Devoted to European Art Since 1890 (Nov. 1977), pp. 747–752.
  38. ^ Duncan (1994), pp. 15–16, 25–27.
  39. ^ Fahr-Becker, Gabrielle (2015) pp. 391–413)
  40. ^ Sarnitz, August, Otto Wagner (2018), s. 49–50
  41. ^ Sarnitz, August, Hoffmann, (2016), p. 14
  42. ^ Fahr-Becker (2015) pp. 296–27
  43. ^ Fahr-Becker, Gabrielle (2015) pp. 179–188
  44. ^ Texier 2012, s. 86–87.
  45. ^ Lahor, L'Art Nouveau, s. 104
  46. ^ Duncan (1994), p. 37.
  47. ^ Fahr-Becker 2015, s. 136.
  48. ^ Fahr-Becker 2015, s. 136–137.
  49. ^ Culot and Pirlot, Bruxelles Art Nouveau(2005), s. 74–75
  50. ^ Fahr-Becker 2015, s. 140.
  51. ^ Lahor, L'Art Nouveau, s. 91.
  52. ^ Sterner (1982), p. 38–42.
  53. ^ a b Riley 2004, s. 323.
  54. ^ Fahr-Becker (2015), p. 171.
  55. ^ Fahr-Becker (2015), p. 171
  56. ^ a b Fahr-Becker (2015), p. 170–171.
  57. ^ Fahr-Becker (2015), p. 166–167
  58. ^ https://www.vam.ac.uk/articles/arts-and-crafts-an-introduction
  59. ^ Art Nouveau by Rosalind Ormiston and Michael Robinson, 58
  60. ^ "Art Nouveau – Art Nouveau Art". 22. februára 2013. Archivované od pôvodné dňa 22. februára 2013.
  61. ^ Art Nouveau by Ormiston and Robinson, 61
  62. ^ Lahor, s. 160.
  63. ^ Muter, Grant (1985). "Leon Solon and John Wadsworth". Journal of the Decorative Arts Society (9): 41–49. JSTOR 41809144.
  64. ^ He was commissioned by the Wardle family of dyers and printers, trading as "Thomas Wardle & Co" and "Bernard Wardle and Co".The Wardel Pattern Books RevealedArchivované 3 December 2013 at the Wayback Machine
  65. ^ A. Philip McMahon, "review of F. Schmalenbach, Jugendstil", Parnassus, roč. 7 (Oct. 1935), 27.
  66. ^ Reinhold Heller, "Recent Scholarship on Vienna's "Golden Age", Gustav Klimt, and Egon Schiele", Umelecký bulletin, roč. 59 (Mar. 1977), pp. 111–118.
  67. ^ a b [3] Association of Visual Artists Vienna Secession – Official Website
  68. ^ Lahor 2007, s. 52.
  69. ^ [4] Bad Nauheim – Art Nouveau European Route
  70. ^ [5] List of Art Nouveau objects in Moscow – Art Nouveau World
  71. ^ a b Junghanns, Kurt (1982). Der Deutsche Werkbund. Sein erstes Jahrzehnt (V Nemecku). p. 140. ISBN 388520097X.
  72. ^ [6] Henry van de Velde – Werkbundarchiv
  73. ^ Pevsner, Nikolaus, ed. (1999). Slovník architektúry a krajinnej architektúry (Brožovaná väzba). Fleming, John; Honour, Hugh (5th ed.). London: Penguin Books. p. 880. ISBN 978-0-14-051323-3.
  74. ^ [7] List of buildings in Berlin - Art Nouveau World
  75. ^ Lahor 2007, s. 63.
  76. ^ "The "Coup de Fouet" magazine, vol. 27 (2016), pp. 14–25" (PDF).
  77. ^ Lahor 2007, s. 120.
  78. ^ a b Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), str. 33–34
  79. ^ a b Sembach, L'Art Nouveau (2013), s. 203–213
  80. ^ a b „Stoclet House“. Centrum svetového dedičstva UNESCO. 4. júla 2009. Získané 24. júla 2019.
  81. ^ a b c d „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 23 (2014), s. 2–35“ (PDF).
  82. ^ [8] Ödön Lechner - secesný svet
  83. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 8 (2006), s. 37–41“ (PDF).
  84. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, roč. 14 (2009), s. 16“ (PDF).
  85. ^ [9] Aladár Körösfői-Kriesch - secesný svet
  86. ^ [10] Kolónia umelcov Gödöllő - článok Davida A. Hilla
  87. ^ a b c „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 13 (2009), s. 36–41“ (PDF).
  88. ^ [11] Zoznam budov v Prahe - secesný svet
  89. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunčine). Editura Cetatea de Scaun. p. 150. ISBN 978-606-537-382-2.
  90. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunčine). Editura Cetatea de Scaun. p. 178. ISBN 978-606-537-382-2.
  91. ^ Constantin, Paul (1972). Arta 1900 v România (v rumunčine). Editura Meridiane. p. 83, 84, 86, 87 a 90.
  92. ^ Elena Olariu ... pag. 16
  93. ^ http://www.bestofsicily.com/mag/art225.htm
  94. ^ Henry R. Hope, recenzia H. Lenninga,] Secesia, Umelecký bulletin, roč. 34 (jún 1952), 168–171 (predovšetkým 168–169): V roku 1952 autor Diskusie o stave secesie autor poznamenal, že secesia ešte nebola prijateľnou štúdiou pre vážne dejiny umenia alebo predmetom vhodným pre významné múzeum. výstavy a príslušné katalógy. Predpovedal blížiacu sa zmenu
  95. ^ „Storia di Milano ::: Palazzi e case liberty“.
  96. ^ Riley 2007, s. 310.
  97. ^ a b [12] Chronológia - Oficiálna webová stránka Casa Milà
  98. ^ Citácia Parc Guell v klasifikácii UNESCO
  99. ^ James Grady, Špeciálny bibliografický dodatok: Bibliografia secesie, v „The Journal of the Society of Architectural Historians“, roč. 14 (máj 1955), s. 18–27.
  100. ^ [13] Cronologia - Oficiálna webová stránka Palau Güell
  101. ^ a b c Duncan (1994): 52.
  102. ^ a b https://whc.unesco.org/en/list/804/multiple=1&unique_number=950 Oficiálny zoznam pamiatok UNESCO „Palau de la Música Catalana and Hospital de Sant Pau, Barcelona“ (1997)
  103. ^ McCully, Marilyn (1978). Els Quarte Gats: Umenie v Barcelone okolo roku 1900. Princeton University Press. p. 64.
  104. ^ Riley 2007, s. 311.
  105. ^ [14] Casa do Major Pessoa - Informačná kancelária o Património Arquitetónico
  106. ^ a b c d e „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 11 (2008), s. 2–7“ (PDF).
  107. ^ [15] Francisco Augusto da Silva Rocha - secesný svet
  108. ^ [16] Zoznam budov v Lisabone - secesný svet
  109. ^ [17] Zoznam budov v Porte - secesnom svete
  110. ^ [18] Zoznam krajín - secesný svet
  111. ^ Martin, T. & Pusa, E. 1985, s. 12.
  112. ^ [19] Fínske národné múzeum - múzeá EÚ
  113. ^ a b „Európska secesná cesta: Helsinki“. www.artnouveau.eu.
  114. ^ „Magnus Schjerfbeck“. Múzeum fínskej architektúry. Získané 15. februára 2020.
  115. ^ Profesor Albert Palmberg, M.A., M.D. (1908). „Kontrola tuberkulózy vo Fínsku“. Respiračná medicína. Získané 26. marca 2019.CS1 maint: viac mien: zoznam autorov (odkaz)
  116. ^ Axel von Bonsdorff (1926). „Skúsenosti s liečbou sanokryzínom v sanatóriu Nummela vo Fínsku.“ Acta Medica Scandinavica. 64: 123–130. doi:10.1111 / j.0954-6820.1926.tb14017.x.
  117. ^ a b c Riley 2007, s. 312.
  118. ^ a b „Secesná európska cesta: Ålesund“. www.artnouveau.eu.
  119. ^ [20] Zoznam budov v Štokholme - secesný svet
  120. ^ [21] Zoznam budov v svete Aarhus - Art Nouveau
  121. ^ https://malmo.se/Uppleva-och-gora/Arkitektur-och-kulturarv/Kulturarv-Malmo/Handelser-och-fenomen/Baltiska-utstallningen.html
  122. ^ Duncan, Alistair, Art déco, Thames and Hudson (1988), s. 147–48
  123. ^ a b Fahr-Becker (2015), strany 189–192
  124. ^ „Secesná európska cesta: Riga“. www.artnouveau.eu.
  125. ^ „Historické centrum Rigy“. UNESCO. Získané 11. marca 2016.
  126. ^ a b „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 16 (2010), s. 2–10“ (PDF).
  127. ^ Journel 2015, s. 49.
  128. ^ [22] Ecole d'art et Style sapin - La Chaux-de-Fonds
  129. ^ „Fondation Le Corbusier“. Získané 28. júla 2019.
  130. ^ Lahor 2007, s. 167.
  131. ^ H.F. Koeper. „Louis Sullivan“. Britannica. Získané 27. júla 2019.
  132. ^ Jackie Craven (15. novembra 2018). „O Louisovi Sullivanovi, architektovi“. ThoughtCo. Získané 27. júla 2019.
  133. ^ Fahr-Becker (2015), s. 325–330.
  134. ^ a b c d „Secesná európska cesta: Buenos Aires“. www.artnouveau.eu.
  135. ^ „Európska secesná trasa: mapa“. www.artnouveau.eu.
  136. ^ „Secesná európska cesta: Rosario“. www.artnouveau.eu.
  137. ^ a b „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 10 (2012), s. 44–47“ (PDF).
  138. ^ „Secesná európska cesta: Havana“. www.artnouveau.eu.
  139. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 12 (2008), s. 28–29“ (PDF).
  140. ^ „Európska secesná cesta: Lüderitz“. www.artnouveau.eu.
  141. ^ „Európska secesná cesta: Valparaiso“. www.artnouveau.eu.
  142. ^ [23] Villino Silveira - secesný svet
  143. ^ [24] Harbin - secesný svet
  144. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 30 (2018), s. 77–83“ (PDF).
  145. ^ [25] Palacio de Bellas Artes - secesný svet
  146. ^ Umelci AATC - Ze'ev Raban
  147. ^ Mishofy, Alec (2019). Sekularizácia posvätného. Brill.
  148. ^ Ducher Caractéristique des Styles (1989), s. 198–199
  149. ^ Ducher, Caractéristique des Styles (1989), s. 198–199
  150. ^ a b c Duncan (1994): 27–28.
  151. ^ Renault a Lazé, (2006) Les Styles de l'architecture et du mobilier, s. 108–109
  152. ^ Fahr-Becker, L'Art Nouveau (2015), php. 74–85
  153. ^ „Archivovaná kópia“ (PDF). Archivované od pôvodné (PDF) dňa 26. júla 2011. Získané 30. júna 2010.CS1 maint: archivovaná kópia ako titul (odkaz) Edmond Lachenal produkoval vydania Rodinových sôch
  154. ^ Jennifer Opie, Pokrm od Thorvalda Bindesbolla, v Burlingtonský časopis, roč. 132 (máj 1990), s. 356.
  155. ^ Claire Selkurt, „Nový klasicizmus: Dizajn 20. rokov 20. storočia v Dánsku“, The Journal of Decorative and Propaganda Arts, roč. 4 (Spring, 1987), s. 16–29 (s. 18 č. 4).
  156. ^ Danuta A. Boczar, Poľský plagát, v Art Journal, roč. 44 (Spring, 1984), s. 16–27 (s. 16).
  157. ^ Danuta Batorska, "Zofia Stryjeńska: princezná poľského maliarstva", v Ženský umelecký vestník, roč. 19 (jeseň, 1998 – zima, 1999), s. 24–29 (s. 24–25).
  158. ^ Lahor 2007, s. 99.
  159. ^ Úvod do diela Alfonza Muchu a secesie, prednáška od Ian Johnston z Malaspina University-College, Nanaimo, Britská Kolumbia.
  160. ^ Fraser, Julie. H. „Recyklácia umenia“ style2000.com.
  161. ^ Lahor 2007, s. 112.
  162. ^ Lahor, s. 120–121.
  163. ^ a b Sato 2015, s. 43.
  164. ^ Bétard, Daphne, La révolution Nabie, v Les Nabis et le décor, Beaux-Arts Éditions, s. 8–21
  165. ^ Bouillon, Jean-Paul, Journal de l'Art Nouveau (1870–1914), Skira, 1985
  166. ^ „Časopis„ Coup de Fouet “, ročník 31 (2019), s. 34“ (PDF).
  167. ^ Riley 2007, s. 318.
  168. ^ a b c Riley 2007, s. 320.
  169. ^ Riley 2007, s. 322.
  170. ^ Riley 2007, s. 324.
  171. ^ a b „Secesné šperky“. Získané 22. novembra 2016.
  172. ^ Bodliak - secesný svet
  173. ^ Iris - secesný svet
  174. ^ Renault a Lazé, Les de l'architecture et du mobilier (2006), s. 107–111
  175. ^ Bony, Anne, L'Architecture Moderne (2012), s. 36–40
  176. ^ Renault a Lazé, (2006), s. 107–111
  177. ^ https://whc.unesco.org/en/list/320/multiple=1&unique_number=364 Oficiálny zoznam pamiatok UNESCO „Diela Antoniho Gaudího“ (1994, 2005)
  178. ^ [26] Subustáty Querol Agustí - secesný svet
  179. ^ [27] Motýľ - secesný svet
  180. ^ [28] Peacock - secesný svet
  181. ^ [29] Swan - secesný svet
  182. ^ [30] Sova - secesný svet
  183. ^ [31] Netopier - secesný svet
  184. ^ [32] Drak - secesný svet
  185. ^ [33] Medveď - secesný svet
  186. ^ [34] Atlant - secesný svet
  187. ^ [35] Caryatid - secesný svet
  188. ^ [36] Putti - secesný svet
  189. ^ [37] Chrlič - secesný svet
  190. ^ Riley 2007, s. 302.
  191. ^ Lucie-Smith, 160
  192. ^ Riley 2007, s. 308.
  193. ^ a b Riley 2007, s. 314–15.
  194. ^ Edmond Lachenal a jeho odkazautori: Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; ilustrované vydanie (25. februára 2007)
  195. ^ Časová os, prístup 23. 1. 2008
  196. ^ Journal of UralNIIProject RAASN - 2014. - № 2. - str. 27—32. - ISSN 2074-2932 (v ruštine)
  197. ^ Riley 2007, s. 328.
  198. ^ [38] Oficiálna webová stránka múzea rezervácie Leninovho rodiska
  199. ^ „Galéria umenia Haworth“ na webovej stránke Rady mesta Hyndburn

Poznámky

  1. ^ Podľa niektorých výskumníkov je Hôtel Jassedé (1893) tiež pripisovaný secesii[35]
  2. ^ Niektoré zdroje, napr. Archív Werkbundu, ako jedného zo zakladajúcich členov uviesť Van de Velde.[72]
  3. ^ Vyrobené ako veľkonočný darček od cisára Mikuláša II z Ruska svojej manželke

Bibliografia

  • Bony, Anne, L'Architecture Moderne, Paríž, Larousse (2012) ISBN 978-2-03-587641-6
  • Bouillon, Jean-Paul, Journal de L'Art Nouveau, Paríž, Skira, 1985. ISBN 2-605-00069-9
  • Culot, Maurice a Pirlot, Ann-Marie, Bruxelles Art Nouveau, Brusel, Archives d'Architecture Moderne (vo francúzštine), (2005), ISBN 2-87143-126-4
  • Duncan, Alastair, Secesia, Svet umenia, New York: Temža a Hudson, 1994. ISBN 0-500-20273-7
  • Fahr-Becker, Gabriele (2015). L'Art Nouveau (francuzsky). H. F. Ullmann. ISBN 978-3-8480-0857-5.
  • Heller, Steven a Seymour Chwast, Grafický štýl od viktoriánskeho po digitálny, nové vyd. New York: Harry N. Abrams, Inc., 2001. s. 53–57.
  • Huyges, René, L'Art et le monde moderne, Zväzok 1, Librarie Larousse, Paríž, 1970
  • Journel, Guillemette Morel (2015). Le Corbusier- Construire la Vie Moderne (francuzsky). Editions du Patrimoine: Centre des Monument Nationaux. ISBN 978-2-7577-0419-6.
  • Lahor, Jean (2007) [1901]. L'Art nouveau (francuzsky). Baseline Co. Ltd. ISBN 978-1-85995-667-0.
  • Ormiston, Rosalind; Robinson, Michael (2013). Secesia - plagáty, ilustrácie a výtvarné umenie. Publikovanie Flame Tree. ISBN 978-1-84786-280-8.
  • Plum, Gilles (2014). Parížske architektúry de la Belle Époque. Éditions Parigramme. ISBN 978-2-84096-800-9.}
  • Renault, Christophe a Lazé, Christophe, les Styles de l'architecture et du mobliier, Éditions Jean-Paul Gisserot, 2006 (vo francúzštine). ISBN 978-2-87747-465-8
  • Riley, Noël (2004). Grammaire des Arts Décoratifs (francuzsky). Flammarion.
  • Sarnitz, august (2018). Otto Wagner (francuzsky). Kolín nad Rýnom: Taschen. ISBN 978-3-8365-6432-8.
  • Sato, Tamako (2015). Alfons Mucha - umelec ako vizionár. Kolín nad Rýnom: Taschen. ISBN 978-3-8365-5009-3.
  • Sembach, Klaus-Jürgen (2013). L'Art Nouveau - L'Utopie de la Réconciliation (francuzsky). Taschen. ISBN 978-3-8228-3005-5.
  • Sterner, Gabriele, Secesia, umenie prechodu: od individualizmu k masovej spoločnosti, 1. angličtina vyd. (pôvodný názov: Jugendstil: Kunstformen zwischen Individualismus und Massengesellschaft), preložili Frederick G. Peters a Diana S. Peters, vydavateľstvo Woodbury, N.Y .: Barronova vzdelávacia séria, 1982. ISBN 0-8120-2105-3
  • Texier, Simon (2012). Paríž - Panorama de l'architecture. Parigramme. ISBN 978-2-84096-667-8.
  • Thiébaut, Philippe (2018). Mucha et l'Art Nouveau (francuzsky). Paríž: Éditions du Chêne. ISBN 978-2-81231-806-1.
  • Vigne, George (2016). Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau (francuzsky). Paríž: Editions du Patrimoine - Centre des monumenty nationaux. ISBN 978-2-7577-0494-3.

Ďalšie čítanie

vonkajšie odkazy

Pin
Send
Share
Send