Barokový - Baroque

Z Wikipédie, Voľnej Encyklopédie

Pin
Send
Share
Send

Baroko
Múzeum WLA Venus a Adonis od Petera Paula Rubensa.jpg
Extáza svätej Terézie HDR.jpg
Wieskirche 1.2.jpg
Hore: Venuša a Adonis od Peter Paul Rubens (1635–40); Stred: Extáza svätej Terézie od Bernini (1651); Spodná časť: Wieskirche v Bavorsku (1754)
Roky aktívne17. – 18. storočie

The Barokový (UK: /bəˈrɒk/, USA: /bəˈrk/; Francúzština:[baʁɔk]) je a štýl z architektúry, hudba, tancovať, maľba, sochárstvo a ďalšie umenia, ktoré v Európe prekvitali od začiatku 17. storočia do 40. rokov 17. storočia. Na územiach španielskej a portugalskej ríše vrátane Pyrenejského polostrova to pokračovalo spolu s novými štýlmi až do prvého desaťročia 18. rokov. Nasledovalo to Renesančné umenie a Manierizmus a predchádzal Rokokové (v minulosti často označované ako „neskoré baroko“) a Neoklasicistické štýly. Podporila to agentúra katolícky kostol ako prostriedok na potlačenie jednoduchosti a strohosti Protestant architektúra, umenie a hudba Luteránske barokové umenie vyvinuté aj v častiach Európy.[1]

Barokový štýl využíval na dosiahnutie pocitu úžasu kontrast, pohyb, bujaré detaily, sýtu farbu, majestátnosť a prekvapenie. Štýl začal na začiatku 17. storočia v Ríme, potom sa rýchlo rozšíril do Francúzska, severného Talianska, Španielska a Portugalska, potom do Rakúska, južného Nemecka a Ruska. Do 30. rokov 20. storočia sa z neho vyvinul ešte okázalejší štýl, tzv rokajl alebo Rokokové, ktorá sa objavovala vo Francúzsku a v strednej Európe do polovice až konca 18. storočia.

V dekoratívne umenieŠtýl využíva bohatú a zložitú výzdobu. Odchod od renesančného klasicizmu má v každej krajine svoje vlastné cesty. Všeobecnou črtou je ale to, že všade sú východiskovým bodom ozdobné prvky, ktoré zavádza Renesancia. Klasický repertoár je preplnený, hustý, prekrýva sa, je nabitý, aby vyvolal šokové efekty. Nové motívy zavedené barokom sú: kartuša, trofeje a zbrane, koše z ovocia alebo kvetov a iné, vyrobené v intarzia, štukatúra, alebo vyrezávané.[2]

Pôvod slova

Prívesok vo forme sirény vyrobený z a baroková perla (trup) so smaltovanými zlatými úchytmi osadenými rubínmi, pravdepodobne v roku 1860, v Metropolitné múzeum umenia (Mesto New York)

Anglické slovo barokový pochádza priamo z Francúzsky (ako to môže naznačovať moderný štandardný anglický pravopis). Niektorí vedci tvrdia, že francúzske slovo vzniklo z portugalského výrazu barokové („chybná perla“) a ukazuje na[je potrebné objasnenie] latinčina verruca,[3] („bradavica“) alebo na slovo s príponou -ǒccu (bežné v predrímskej Iberii).[4][5][6] Ostatné zdroje naznačujú a Stredoveká latinčina termín používaný v logike, baroko, ako najpravdepodobnejší zdroj.[7]

V 16. storočí stredoveké latinské slovo baroko prekročil rámec scholastickej logiky a začal sa používať na charakterizáciu všetkého, čo sa javilo ako absurdne zložité. Francúzsky filozof Michel de Montaigne (1533–1592) termín spojil baroko s „Bizarné a zbytočne komplikované“.[8] Ostatné prvotné zdroje sa združujú baroko s mágiou, zložitosťou, zmätkom a prebytkom.[7]

Slovo barokový bola pred 18. storočím spájaná aj s nepravidelnými perlami. Francúzsky barokový a portugalčine barokové boli výrazy často spájané so šperkami. Príklad z roku 1531 používa tento výraz na opis perál v zozname Karol V. francúzskyje[je potrebné objasnenie] poklady.[9] Neskôr sa toto slovo objaví v vydaní z roku 1694 Le dictionnaire de l'Académie Française, ktorý popisuje barokový ako „používa sa iba pre perly, ktoré sú nedokonale okrúhle.“[10] Podobne to popisuje aj portugalský slovník z roku 1728 barokové v súvislosti s „hrubou a nerovnou perlou“.[11]

Alternatívna derivácia slova barokový poukazuje na meno talianskeho maliara Federico Barocci (1528–1612).[12]

V 18. storočí sa tento výraz začal používať na označenie hudby, nie však lichotivým spôsobom. V anonymnej satirickej revue o premiére filmu Jean-Philippe Rameauje Hippolyte et Aricie v októbri 1733, ktorá bola vytlačená v Mercure de France v máji 1734 kritik napísal, že novinkou v tejto opere bol „du barocque“, sťažujúc sa na to, že hudbe chýbala ucelená melódia, nešetrila disonanciami, neustále menila tóninu a meter a rýchlo prešla každým kompozičným zariadením.[13]

V roku 1762 Le dictionnaire de l'Académie Française zaznamenal, že tento výraz môže obrazne popísať niečo „nepravidelné, bizarné alebo nerovné“.[14]

Jean-Jacques Rousseau, ktorý bol hudobníkom, skladateľom i filozofom, napísal v roku 1768 v Encyklopédia„Baroková hudba je hudba, v ktorej je harmónia zmätená a nabitá moduláciami a disonanciami. Spev je drsný a neprirodzený, intonácia náročná a pohyb je obmedzený. Zdá sa, že tento výraz pochádza zo slova„ baroco “, ktoré používajú logici. . “[8][15]

V roku 1788 Quatremère de Quincy definoval pojem v Encyclopédie Méthodique ako „architektonický štýl, ktorý je veľmi zdobený a mučený“.[16]

Francúzske podmienky štýl barokový a hudobná baroková sa objavil v Le dictionnaire de l'Académie Française v roku 1835.[17] Do polovice 19. storočia prijali kritici a historici umenia pojem „barok“ ako spôsob zosmiešňovania postrenesančného umenia. Toto bol zmysel slova, ktorý v roku 1855 použil popredný historik umenia Jacob Burckhardt, ktorý napísal, že barokoví umelci „pohŕdali a zneužívali podrobnosti“, pretože im chýbala „úcta k tradícii“.[18]

V roku 1888 historik umenia Heinrich Wölfflin publikoval prvú vážnu akademickú prácu o tomto štýle, Renaissance und Barock, kde boli popísané rozdiely medzi maľbou, sochou a architektúrou renesancie a baroka.[19]

Architektúra: pôvod a vlastnosti

Quadratura alebo trompe-l'œil strop Kostol Gesù z Ríma, do Giovanni Battista Gaulli, od 1673 do 1678[20]

Barokový štýl architektúry bol výsledkom doktrín prijatých katolícky kostol na Tridentský koncil v rokoch 1545–63, v reakcii na Protestantská reformácia. Prvá fáza Protireformácia vnucoval tvrdý akademický štýl náboženskej architektúre, ktorá oslovovala intelektuálov, nie však masu kostolníkov. Tridentský koncil sa namiesto toho rozhodol osloviť populárnejšie publikum a vyhlásil, že umenie by malo komunikovať náboženské témy s priamym a emocionálnym zapojením.[21][22] Luteránske barokové umenie sa vyvinulo ako spovedná značka identity v reakcii na Skvelý obrazoborectvo z Kalvíni.[23]

Barokové kostoly boli navrhnuté s veľkým centrálnym priestorom, kde mohli byť veriaci blízko oltára, s kupolou alebo kupolou vysoko nad hlavou, čo umožňovalo svetlo osvetliť kostol pod ním. Kupola bola jedným z ústredných symbolických prvkov barokovej architektúry, ktorý ilustroval spojenie medzi nebesami a zemou. Vnútro kupoly bolo bohato zdobené maľbami anjelov a svätých a štukovými soškami anjelov, ktoré pôsobili dojmom dole. pohľadu do neba.[24] Ďalšou črtou barokových kostolov sú kvadratúra; trompe-l'œil maľby na strope v štukových rámoch, či už skutočné alebo maľované, preplnené maľbami svätcov a anjelov a spojené architektonickými detailmi s balustrádami a konzolami. Quadratura obrazy Atlanty pod rímsami sa zdá, že podopierajú strop kostola. Na rozdiel od maľovaných stropov Michelangela v Sixtínskej kaplnke, ktoré kombinovali rôzne výjavy, z ktorých každý mal svoju vlastnú perspektívu, aby sa na ne dalo pozerať po druhom, boli barokové stropné maľby starostlivo vytvorené, aby divák na podlahe kostola videl celý strop v správnej perspektíve, akoby boli čísla skutočné.

Interiéry barokových kostolov boli vo vrcholnom baroku čoraz ozdobnejšie a sústredili sa okolo oltára, zvyčajne umiestneného pod kupolou. Najznámejšie barokové dekoratívne diela vrcholného baroka sú Stolička svätého Petra (1647–53) a Baldachino svätého Petra (1623–34), obaja by Gian Lorenzo Bernini, v Bazilika svätého Petra v Ríme. Baldekýn svätého Petra je príkladom vyváženosti protikladov v barokovom umení; gigantické proporcie kusu so zjavnou ľahkosťou vrchlíka; a kontrast medzi pevnými skrútenými stĺpmi, bronzom, zlatom a mramorom kusa s tečúcimi závesmi anjelov na vrchlíku.[25] The Drážďanské Frauenkirche slúži ako významný príklad luteránskeho barokového umenia, ktoré bolo dokončené v roku 1743 po objednaní luteránskou mestskou radou v Drážďanoch a „pozorovateľmi z 18. storočia ho porovnali s obdobím sv. Petra v Ríme“.[1]

Skrútený stĺp v interiéroch kostolov je jedným z charakteristických znakov baroka. Poskytuje jednak pohybový pocit, ale aj nový dramatický spôsob odrážania svetla. The kartuša bola ďalšou charakteristickou črtou barokovej výzdoby. Boli to veľké tabule vyrezávané z mramoru alebo kameňa, zvyčajne oválne a so zaobleným povrchom, ktoré niesli obrázky alebo text pozlátenými písmenami, a boli umiestnené ako vnútorná výzdoba alebo nad vchodmi budov a doručovali správy tým, ktorí boli dole. Prejavili širokú škálu vynálezov a nachádzali sa vo všetkých druhoch budov, od katedrál a palácov až po malé kaplnky.[26]

Barokoví architekti niekedy používali vynútená perspektíva vytvárať ilúzie. Pre Palazzo Spada v Ríme Borromini použil stĺpy zmenšujúcej sa veľkosti, zužujúcu sa podlahu a miniatúrnu sochu v záhrade ďalej, aby vytvoril ilúziu, že chodba je dlhá tridsať metrov, keď v skutočnosti bola dlhá iba sedem metrov. Socha na konci chodby sa javí ako v nadživotnej veľkosti, aj keď je vysoká iba šesťdesiat centimetrov. Borromini navrhol ilúziu za pomoci matematika.

Talianske baroko

Svätý Ignác od Rím (1626–1650)

Prvá budova v Ríme, ktorá mala barokovú fasádu, bola Kostol Gesù v roku 1584; bol neskoršími barokovými štandardmi prostý, znamenal však rozchod s tradičnými renesančnými fasádami, ktoré mu predchádzali. Interiér tohto kostola zostal veľmi strohý až do vrcholného baroka, keď bol bohato zdobený.

V Ríme v roku 1605, Pavol V. sa stal prvým zo série pápežov ktorý si objednal baziliky a cirkevné budovy, ktorých cieľom bolo inšpirovať emócie a úctu šírením foriem a bohatstvom farieb a dramatických efektov.[27] Medzi najvplyvnejšie pamiatky ranného baroka patrila fasáda Bazilika svätého Petra (1606–1619) a nová loď a lodžia, ktoré spájali priečelie s Michelangelovým dómom v staršom kostole. Nový dizajn vytvoril dramatický kontrast medzi stúpajúcou kupolou a neprimerane širokou fasádou a kontrast na samotnej fasáde medzi dórskymi stĺpmi a veľkou hmotou portiku.[28]

V polovici až koncom 17. storočia dosiahol štýl vrchol, ktorý sa neskôr nazýval vrcholným barokom. Mnoho monumentálnych diel bolo zadaných pápežom Urban VIII a Alexander VII. Sochár a architekt Gian Lorenzo Bernini navrhol novú štvornásobnú kolonádu okolo Námestia svätého Petra (1656 až 1667). Tri galérie stĺpov v obrovskej elipsy vyvážia nadrozmernú kupolu a dodávajú kostolu a námestiu jednotu a pocit obrovského divadla.[29]

Ďalším významným novátorom talianskeho vrcholného baroka bol Francesco Borromini, ktorého hlavným dielom bol kostol sv San Carlo alle Quattro Fontane alebo svätý Karol zo štyroch fontán (1634–46). Pocit pohybu nie je daný výzdobou, ale samotnými stenami, ktoré sa vlnia a konkávnymi a konvexnými prvkami vrátane oválnej veže a balkóna vloženého do konkávneho traverzu. Rovnako revolučný bol aj interiér; hlavný priestor kostola bol oválny, pod oválnou kupolou.[29]

Maľované stropy, preplnené anjelmi a svätými a trompe-l'œil architektonické efekty, boli dôležitou črtou talianskeho vrcholného baroka. Zahrnuté sú aj hlavné diela Vstup svätého Ignáca do raja od Andrea Pozzo (1685–1695) v Kostol svätého Ignáca v Ríme a Triumf Ježišovho mena od Giovanni Battista Gaulli v Kostol Gesù v Ríme (1669–1683), na ktorom sa nachádzali postavy prelievajúce sa z obrazového rámu a dramatické šikmé osvetlenie a kontrasty svetlo-tma.[30] Tento štýl sa rýchlo rozšíril z Ríma do ďalších oblastí Talianska: objavil sa v Benátkach v kostole sv Pozdrav sv. Márie (1631–1687) od Baldassare Longhena, vysoko originálny osemhranný tvar korunovaný obrovskou kupolou. Objavil sa tiež v Turíne, najmä v Kaplnka Svätého plátna (1668 - 1694) od Guarino Guarini. Štýl sa začal používať aj v palácoch; Guarini navrhol Palazzo Carignano v Turíne, zatiaľ čo Longhena navrhla Ca 'Rezzonico na Canal Grande, (1657), ukončená Giorgio Massari zdobené maľbami od Giovanni Battista Tiepolo.[31] Séria mohutných zemetrasení v Sicília si väčšinu z nich vyžiadala prestavba a niektoré boli postavené v bujarom neskorobarokovom alebo rokokovom štýle.

Španielske baroko

Veže katedrály v Santiago de Compostela od Fernando de Casas Novoa (1680 (stredná veža) a 1738–1750)

Katolícka cirkev v Španielsku, a najmä jezuiti, boli hybnou silou španielskej barokovej architektúry. Prvým významnejším dielom v tomto štýle bola kaplnka San Isidro v Madrid, začala v roku 1643 Pedro de la Torre. Kontrovala extrémne bohatstvo ornamentu v exteriéri s jednoduchosťou v interiéri, rozdelenou do viacerých priestorov a využitím svetelných efektov na vytvorenie tajomného pocitu.[32] Katedrála v Santiago de Compostela bol modernizovaný sériou barokových doplnkov počnúc koncom 17. storočia, počnúc vysoko zdobenou zvonicou (1680), potom lemovanou dvoma ešte vyššími a zdobnejšími vežami, zvanými Obradorio, pridané medzi rokmi 1738 a 1750 používateľom Fernando de Casas Novoa. Ďalšou dominantou španielskeho baroka je veža kaplnky Palác San Telmo v Sevilla od Leonardo de Figueroa.[33]

Granada bol oslobodený z Maurov až v 15. storočí a mal svoju vlastnú odlišnú rozmanitosť baroka. Maliar, sochár a architekt Alonso Cano navrhol barokový interiér mesta Katedrála v Granade medzi rokom 1652 a jeho smrťou v roku 1657. Vyznačuje sa dramatickými kontrastmi mohutných bielych stĺpov a zlatého dekoru.

Je nazývaná najoriginálnejšia a najbohatšie zdobená architektúra španielskeho baroka Churrigueresque štýl, pomenovaný po bratoch Churriguera, ktorý pracoval predovšetkým v Salamance a Madride. Medzi ich diela patria budovy na hlavnom námestí mesta Starosta námestia Salamanca (1729).[33] Tento vysoko ornamentálny barokový štýl mal veľký vplyv na mnohé kostoly a katedrály postavené Španielmi v Amerike.

Medzi ďalších významných španielskych barokových architektov neskorého baroka patria Pedro de Ribera, žiak Churriguera, ktorý navrhol Kráľovský hospic v San Fernando v Madride, a Narciso Tomé, ktorý navrhol oslavovaných El Transparente oltárny obraz pri Toledská katedrála (1729–32), ktorá v určitom svetle vytvára ilúziu vznášania sa nahor.[33]

Architekti španielskeho baroka mali účinok ďaleko za Španielskom; ich práca mala veľký vplyv v kostoloch postavených v španielskych kolóniách v Latinskej Amerike a na Filipínach. Kostol postavený jezuitmi pre kolégium v Tepotzotlán, so zdobenou barokovou fasádou a vežou, je dobrým príkladom.[34]

Stredná Európa a Rokokové (40. až 17. roky)

Quadratura; maľovanú kupolu od Andrea Pozzo pre Jezuitský kostol, Viedeň, čo vytvára ilúziu pohľadu nahor na nebeské postavy okolo neexistujúcej kupoly (1703)

V rokoch 1680 až 1750 bolo v strednej Európe, v Bavorsku, Rakúsku, Čechách a juhozápadnom Poľsku postavených veľa vysoko zdobených katedrál, opátstiev a pútnických kostolov. Niektorí boli v Rokokové štýl, zreteľný, okázalejší a asymetrický štýl, ktorý vyšiel z baroka, ktorý ho potom v prvej polovici 18. storočia nahradil v strednej Európe, až kým ho nevystriedal klasicizmus.[35]

Kniežatá mnohých štátov v tomto regióne si tiež pre svoje paláce a rezidencie zvolili baroko alebo rokoko a na ich stavbu často používali architektov vyškolených v Taliansku.[36] Medzi významných architektov patrili Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt a Dominikus Zimmermann v Bavorsku, Balthasar Neumann v Bruhla Matthäus Daniel Pöppelmann v Drážďanoch. V Prusku Fridrich II. Pruský bol inšpirovaný Grand Trianon z Palác vo Versailles, a použil ho ako model svojho letného sídla, Sanssouci, v Postupim, ktoré pre neho navrhol Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). Ďalším dielom barokovej palácovej architektúry je Zwinger v Drážďany, bývalá oranžéria paláca vojvodov z Sasko v 18. storočí.

Kostol sv. Mikuláša od Praha (1704–1755)

Jedným z najlepších príkladov rokokového kostola je Bazilika Vierzehnheiligen, príp Bazilika štrnástich svätých pomocníkov, pútnický kostol neďaleko mesta Bad Staffelstein pri Bambergu v Bavorsko, južné Nemecko. Baziliku navrhol Balthasar Neumann a bola postavená v rokoch 1743 až 1772. Jej pôdorys je radom do seba zapadajúcich kruhov okolo centrálneho oválu s oltárom umiestneným v presnom strede kostola. Interiér tohto kostola ilustruje vrchol rokokovej výzdoby.[37] Ďalším pozoruhodným príkladom tohto štýlu je Pútnický kostol vo Wies (Nemecky: Wieskirche). Navrhli to bratia J. B. a Dominikus Zimmermann. Nachádza sa na úpätí Alpy, v obci Steingaden v Weilheim-Schongau okres, Bavorsko, Nemecko. Stavba prebiehala v rokoch 1745 - 1754 a interiér bol zdobený freskami a štukatúrou v duchu tradície Škola Wessobrunner. Teraz je na zozname svetového dedičstva UNESCO.

Ďalším pozoruhodným príkladom je Kostol sv. Mikuláša v Prahe (1704–55), postavený r Christoph Dientzenhofer a jeho syna Kilian Ignaz Dientzenhofer. Výzdoba pokrýva všetky steny interiéru kostola. Oltár je umiestnený v lodi pod centrálnou kupolou a je obklopený kaplnkami. Svetlo klesá z kupoly hore a z okolitých kaplniek. Oltár je celý obklopený oblúkmi, stĺpmi, zakrivenými balustrádami a pilastrami z farebného kameňa, ktoré sú bohato zdobené sochárstvom, čo vytvára zámerný zmätok medzi skutočnou architektúrou a výzdobou. Architektúra sa transformuje na divadlo svetla, farieb a pohybu.[25]

V Poľsku inšpirované Talianmi Poľské baroko trvala od začiatku 17. do polovice 18. storočia a zdôrazňovala bohatosť detailov a farieb. Prvá baroková stavba v dnešnom Poľsku a pravdepodobne jedna z najuznávanejších je Kostol svätého Petra a Pavla v Krakov, navrhol Giovanni Battista Trevano. Žigmundov stĺp v Varšava, postavená v roku 1644, bola prvou svetskou barokovou pamiatkou postavenou vo forme stĺpu.[38] Príkladom palácového štýlu bol Wilanówsky palác, postavený v rokoch 1677 až 1696.[39] Najznámejším barokovým architektom pôsobiacim v Poľsku bol Holanďan Tylman van Gameren a jeho pozoruhodné diela sú napríklad varšavské diela Kostol svätého Kazimierza a Krasińského palác, Anny v Krakove a Branický palác v Bialystok.[40] Najoslavovanejším dielom poľského baroka je však dielo Fara kostol v Poznaňs podrobnosťami o Pompeo Ferrari.

Francúzske baroko alebo Klasicizmus

Fasáda z Palais Rohan od Štrasburg (Francúzsko), ktorá je obrátená k rieke

Francúzsko do značnej miery odolávalo zdobenému barokovému štýlu Talianska, Španielska, Viedne a zvyšku Európy. Francúzsky barokový štýl (často označovaný ako Veľký klasicizmus alebo jednoducho Klasicizmus vo Francúzsku) je úzko spojená s prácami postavenými pre Ľudovít XIV a Ľudovít XV; vyznačuje sa viac geometrickým poriadkom a mierou ako barokové a menej komplikovanou výzdobou na fasádach a v interiéroch. Ľudovít XIV. Vyzval barokového majstra Berniniho, aby predložil návrh nového krídla Louvre, odmietol ho však v prospech klasickejšieho návrhu Claude Perrault a Louis Le Vau.[41]

Palác vo Versailles (začalo Louis Le Vau v roku 1661)

Zahrnutí hlavní architekti štýlu François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Kostol sv Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661) a najmä Jules Hardouin Mansart a Robert de Cotte, ktorého práca zahŕňala Galerie des Glaces a Grand Trianon vo Versailles (1687–1688). Mansart bol tiež zodpovedný za barokový klasicizmus Miesto Vendôme (1686–1699).[42]

Hlavným kráľovským projektom tohto obdobia bolo rozšírenie Palác vo Versailles, začala v roku 1661 Le Vau s výzdobou od maliara Charles Le Brun. Záhrady navrhol André Le Nôtre konkrétne na doplnenie a zosilnenie architektúry. Zrkadlová sieň Galerie des Glaces, ktorá je stredobodom zámku s maľbami Le Brun, bola postavená v rokoch 1678 až 1686. Mansart dokončil Grand Trianon v roku 1687. Kaplnka, ktorú navrhol de Cotte, bola dokončená v roku 1710. Po smrti Ľudovíta XIV. Pridal intímnejší Ľudovít XV Petit Trianon a vysoko zdobené divadlo. Fontány v záhradách boli navrhnuté tak, aby ich bolo vidieť z interiéru, a aby to ešte viac pridalo na dramatickom efekte. Palác obdivovali a kopírovali najmä ďalší európski panovníci Petra Veľkého Ruska, ktorý navštívil Versailles začiatkom vlády Ľudovíta XV., a postavil svoju vlastnú verziu na adrese Palác Peterhof pri Petrohrade medzi rokmi 1705 a 1725.[43]

Portugalské baroko

Neptúnova sláva, Palác Queluz, 1747

Baroková architektúra v Portugalsku trvala asi dve storočia (koniec sedemnásteho storočia a osemnáste storočie). Vláda Ján V. a Jozef I. zvýšil dovoz zlata a diamantov v období zvanom Kráľovský absolutizmus, ktoré umožňovalo rozkvet portugalského baroka.

Baroková architektúra v Portugalsku sa teší zvláštnej situácii a odlišnej časovej osi od zvyšku Európy.

Je podmienená niekoľkými politickými, umeleckými a ekonomickými faktormi, ktoré vznikajú v niekoľkých fázach, a rôznymi druhmi vonkajších vplyvov, ktoré vedú k jedinečnej zmesi,[44] tí, ktorí hľadajú talianske umenie, sú často nepochopení, namiesto toho nájdu špecifické formy a charakter, ktoré mu dodávajú jedinečnú portugalskú rozmanitosť. Ďalším kľúčovým faktorom je existencia jezuitskej architektúry, ktorá sa nazýva aj „prostý štýl“ (Estilo Chão alebo Estilo Plano).[45] ktorý ako názov evokuje, je jasnejší a pôsobí trochu stroho.

Budovy sú jednopriestorové baziliky, hlboká hlavná kaplnka, bočné kaplnky (s malými komunikačnými dverami), bez vnútornej a vonkajšej výzdoby, veľmi jednoduchý portál a okná. Je to veľmi praktická budova, ktorá umožňuje s malými úpravami postaviť ju v celej ríši a pripraviť ju na zdobenie neskôr alebo keď budú k dispozícii ekonomické zdroje.

Prvé portugalské baroko v skutočnosti nechýba v budovaní, pretože „obyčajný štýl“ sa dá ľahko transformovať pomocou dekorácie (maľby, obkladov atď.), Ktorá premení prázdne oblasti na pompézne a prepracované barokové scenáre. To isté by sa dalo aplikovať aj na exteriér. Následne je ľahké prispôsobiť budovu vkusu času a miesta a pridať k novým funkciám a detailom. Praktické a ekonomické.

S väčším počtom obyvateľov a lepšími hospodárskymi zdrojmi, na sever, najmä na oblasti Porto a Braga,[46][47][48] bol svedkom architektonickej obnovy, ktorá je viditeľná vo veľkom zozname kostolov, kláštorov a palácov postavených aristokraciou.

Porto je mesto baroka v Portugalsku. Jeho historické centrum je súčasťou UNESCO Zoznam svetového dedičstva.[49]

Mnohé z barokových diel v historickej časti mesta i mimo nej patria Nicolau Nasoni taliansky architekt žijúci v Portugalsku, ktorý kreslí pôvodné budovy so scénografickým umiestnením, ako napríklad kostol a veža Clérigos,[50] logia z Porto katedrála, kostol Misericórdia, Palác São João Novo,[51] the Palác Freixo,[52] the Biskupský palác (Portugalčina: Paço Episcopal do Porto)[53] spolu s mnohými ďalšími.

Ruské baroko

Západná fasáda Katarínsky palác (1752–1756) od Bartolomeo Rastrelli

Debut ruského baroka, príp Petrovského baroka, nasledovala dlhá návšteva Petra Veľkého do západnej Európy v rokoch 1697–98, kde navštívil zámky vo Fontainebleu a Versailles a ďalšie architektonické pamiatky. Po svojom návrate do Ruska sa rozhodol postaviť podobné pamätníky v meste St. Petersburg, ktoré sa stalo novým hlavným mestom Ruska v roku 1712. K prvým významným pamiatkam petrovského baroka patrí Petra a Pavla a Menšikovov palác.

Za vlády Cisárovná Anna a Elizaveta PetrovnaRuskej architektúre dominoval luxusný barokový štýl talianskeho pôvodu Bartolomeo Rastrelli, ktorý sa vyvinul do Alžbetínske baroko. Medzi podpisové budovy Rastrelli patrí Zimný palác, Katarínsky palác a Smolenská katedrála. Ďalšími výraznými pamiatkami alžbetínskeho baroka je zvonica sv Troitse-Sergiyeva Lavra a Červená brána.[54]

V Moskva, Naryškinovo baroko sa rozšíril najmä v architektúre Východná pravoslávna kostoly na konci 17. storočia. Bola to kombinácia západoeurópskeho baroka s tradičným Rusky ľudové štýly.

Baroko v španielskej a portugalskej koloniálnej Amerike

Fasáda Jezuitský kostol od Arequipa (Peru), 1698–1699. Na výšku fasády dohliadal španielsky architekt Diego de Adrián, ale rovnako ako takmer všetky andské hybridné barokové pamiatky, aj tu vyrezávali ornamentiku indiánski sochári a murári, ktorí pri výbere snímok postupovali s prekvapivou slobodou.[55]

V dôsledku kolonizácie Amerík európskymi krajinami sa baroko prirodzene presunulo do oblasti Nový svet, nájdenie obzvlášť priaznivej pozície v regiónoch, v ktorých dominujú Španielsko a Portugalsko, pričom obe krajiny sú centralizované a neredukovateľne katolícke monarchie, rozšírením podliehajúcim Rímu a prívržencom baroka Protireformný najtypickejšie. Európski umelci migrovali do Ameriky a navštevovali školu, spolu s rozsiahlym prienikom do Katolícki misionári, z ktorých mnohí boli zručnými umelcami, vytvorili mnohotvárne baroko často ovplyvnené ľudovým vkusom. The Criollo a Samostatné remeselníci urobili veľa pre to, aby dali tomuto barokovému unikátu. Hlavné centrá amerického barokového pestovania, ktoré stále stoja, sú (v tomto poradí) Mexiko, Brazília, Peru, Ekvádor, Kuba, Kolumbia, Bolívia, Guatemala a Portoriko.

Za zmienku stojí najmä takzvané „misijné baroko“ vyvinuté v rámci španielskej redukcie v oblastiach od Mexika a juhozápadných častí súčasných Spojených štátov až po juh až po Argentínu a Čile, domorodé osady organizované španielskym katolíkom. misionárov, aby ich premenili na kresťanskú vieru a zušľachťovali ich v západnom živote, čím vytvorili hybridné baroko ovplyvnené natívnou kultúrou, kde prekvital Criollos a mnoho indických remeselníkov a hudobníkov, dokonca aj gramotných, s vlastnými schopnosťami a talentom. V správach misionárov sa často opakuje, že západné umenie, najmä hudba, malo hypnotický dopad na lesníkov a na obrazy svätcov sa pozeralo tak, že majú veľkú moc. Mnoho Indov sa obrátilo a vytvorila sa nová forma oddanosti, vášnivej intenzity, nabitej mystikou, poverami a teatrálnosťou, ktorá potešovala sviatočnými omšami, posvätnými koncertmi a tajomstvami.[56][57]

Koloniálna baroková architektúra v španielskej Amerike sa vyznačuje bohatou výzdobou (portál Kostol La Profesa, Mexico City; fasády pokryté Pueblovský štýl azulejos, ako v Kostol San Francisco Acatepec v San Andrés Cholula a Kláštorný kostol v San Franciscu z Puebla), ktoré sa budú stupňovať v tzv Churrigueresque štýl (Fasáda svätostánku Katedrála v Mexico Cityod, Lorenzo Rodríguez; Kostol San Francisco Javier, Tepotzotlán; Kostol Santa Prisca z Taxco). V Peru, sa stavby väčšinou rozvíjali v mestách Lima, Cusco, Arequipa a Trujillo od roku 1650 vykazujú pôvodné vlastnosti, ktoré napredujú aj do európskeho baroka, ako napríklad v používaní odpružené steny a solomonické kolóny (Kostol la Compañía de Jesús, Cusco; Bazilika a kláštor v San Franciscu, Lima).[58] Medzi ďalšie krajiny patrí: Metropolitná katedrála v Sucre v Bolívia; Katedrálna bazilika Esquipulas v Guatemala; Katedrála Tegucigalpa v Honduras; Katedrála v Leóne v Nikaragua; the Kostol la Compañía de Jesús v Quito, Ekvádor; the Kostol sv. Ignáca v Bogotá, Kolumbia; the Katedrála v Caracase v Venezuela; the Cabildo z Buenos Aires v Argentína; the Kostol Santo Domingo v Santiago, Čile; a Havanská katedrála v Kuba. Je tiež potrebné pripomenúť kvalitu kostolov sv Španielske jezuitské misie v Bolívii, Misie španielskych jezuitov v Paraguay, Španielske misie v Mexiku a Španielske františkánske misie v Kalifornii.[59]

V Brazília, ako v metropole, Portugalsko, architektúra má určité Taliansky vplyv, zvyčajne a Borrominesque typu, ako je vidieť na Konkatedrála v Recife (1784) a Kostol Nossa Senhora da Glória do Outeiro v Rio de Janeiro (1739). V regióne Minas Gerais, zvýraznil prácu používateľa Aleijadinho, autor skupiny kostolov, ktoré vynikajú zakrivenou planimetriou, fasádami s konkávne konvexnými dynamickými efektmi a plastickou úpravou všetkých architektonických prvkov (Kostol São Francisco de Assis v Ouro Preto, 1765–1788).

Barok v španielskej a portugalskej koloniálnej Ázii

V portugalských kolóniách India (Goa, Daman a Diu) prekvital architektonický štýl barokových foriem zmiešaných s hinduistickými prvkami, ako napr Goaská katedrála a Bazilika Bom Jesus Goa, v ktorom je hrobka Svätý František Xaverský. Súbor kostoly a kláštory Goa bolo vyhlásené a Stránka svetového dedičstva v roku 1986.

V Filipíny, ktorá bola dlho súčasťou Španielskeho cisárstva, je zachovaných veľké množstvo barokových stavieb, vrátane Barokové kostoly na Filipínach že štyri z nich a barokové a neoklasicistické mesto Vigan, sú obaja UNESCO Stránky svetového dedičstva. Bolo to tiež veľmi pozoruhodné Opevnené mesto Manila (Intramuros). Ďalším mestom s pozoruhodne zachovaným španielskym barokom je Tayabas.

Maľba

Kristovo pohreb; od Caravaggio; asi 1602–1604; olej na plátne; 3 × 2 m; Pinacoteca Vaticana (Vatikán)

Barokoví maliari sa zámerne usilovali oddeliť od maliarov obdobia renesancie a manierizmu po nej. Vo svojej palete použili intenzívne a teplé farby a predovšetkým využili farbu primárne farby červená, modrá a žltá, často sú všetky tri v tesnej blízkosti.[66] Vyvarovali sa rovnomerného osvetlenia renesančnej maľby a na určité časti obrazu použili silné kontrasty svetla a tmy, aby upriamili pozornosť na ústredné činy alebo postavy. Vo svojej kompozícii sa vyhli pokojným scénam renesančných malieb a vybrali si momenty najväčšieho pohybu a drámy. Na rozdiel od pokojných tvárí renesančných obrazov, tváre v barokových maľbách jasne vyjadrili svoje emócie. Často používali asymetriu, pričom činnosť prebiehala ďaleko od stredu obrazu a vytvárali osi, ktoré neboli ani vertikálne, ani horizontálne, ale šikmé doľava alebo doprava, čo dávalo pocit nestability a pohybu. Tento dojem z pohybu umocnili tým, že kostýmy osobností rozfúkal vietor alebo sa pohnú vlastnými gestami. Celkovým dojmom bol pohyb, emócie a dráma.[67] Ďalším podstatným prvkom barokovej maľby bola alegória; každý obraz rozprával príbeh a mal správu, často zašifrovanú symbolmi a alegorickými znakmi, od ktorých sa očakával, že ich vzdelaný divák bude vedieť a prečítať.[68]

Las Meninas; od Diego Velázquez; 1656–1657; olej na plátne; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madrid, Španielsko)

Prvotné dôkazy o talianskych barokových myšlienkach v maľbe sa vyskytli v Bologni, kde Annibale Carracci, Agostino Carracci a Ludovico Carracci sa usiloval vrátiť vizuálne umenie k usporiadanému klasicizmu renesancie. Ich umenie však obsahovalo aj ústredné myšlienky protireformácie; these included intense emotion and religious imagery that appealed more to the heart than to the intellect.[69]

Another influential painter of the Baroque era was Michelangelo Merisi da Caravaggio. His realistic approach to the human figure, painted directly from life and dramatically spotlit against a dark background, shocked his contemporaries and opened a new chapter in the history of painting. Other major painters associated closely with the Baroque style include Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzoa Paolo de Matteis in Italy; Francisco de Zurbarán a Diego Velázquez in Spain; Adam Elsheimer in Germany; a Nicolas Poussin a Georges de La Tour in France (though Poussin spent most of his working life in Italy). Poussin and La Tour adopted a "classical" Baroque style with less focus on emotion and greater attention to the line of the figures in the painting than to colour.

The Toilet of Venus; od François Boucher; 1751; oil on canvas; 108 × 85 cm; Metropolitné múzeum umenia (Mesto New York)

Peter Paul Rubens was the most important painter of the Flemish Baroque štýl. Rubens' highly charged compositions reference erudite aspects of classical and Christian history. His unique and immensely popular Baroque style emphasised movement, colour, and sensuality, which followed the immediate, dramatic artistic style promoted in the Protireformácia. Rubens specialized in making altarpieces, portraits, landscapes, and historické maľby of mythological and allegorical subjects.

One important domain of Baroque painting was Quadratura, or paintings in trompe-l'oeil, which literally "fooled the eye". These were usually painted on the stucco of ceilings or upper walls and balustrades, and gave the impression to those on the ground looking up were that they were seeing the heavens populated with crowds of angels, saints and other heavenly figures, set against painted skies and imaginary architecture.[35]

In Italy, artists often collaborated with architects on interior decoration; Pietro da Cortona was one of the painters of the 17th century who employed this illusionist way of painting. Among his most important commissions were the frescoes he painted for the Palace of the Barberini family (1633–39), to glorify the reign of Pope Urban VIII. Pietro da Cortona's compositions were the largest decorative frescoes executed in Rome since the work of Michelangelo at the Sixtínska kaplnka.[70]

François Boucher was an important figure in the more delicate French Rococo style, which appeared during the late Baroque period. He designed tapestries, carpets and theatre decoration as well as painting. His work was extremely popular with Madame Pompadour, the Mistress of King Ľudovít XV. His paintings featured mythological romantic, and mildly erotic themes.[71]

Spanish Americas

Example of Bolivian painting (from the Cusco School): an Arquebusier Angel; od Master of Calamarca; 17 storočie

In the Spanish Americas, the first influences were from Sevillan Tenebrizmus, mainly from Zurbarán —some of whose works are still preserved in Mexiko a Peru— as can be seen in the work of the Mexicans José Juárez a Sebastián López de Arteaga, and the Bolivian Melchor Pérez de Holguín. The Cusco School of painting arose after the arrival of the Italian painter Bernardo Bitti in 1583, who introduced Manierizmus v Amerike. It highlighted the work of Luis de Riaño, disciple of the Italian Angelino Medoro, author of the murals of the Church of San Pedro z Andahuaylillas. It also highlighted the Indian (Kečuánčina) painters Diego Quispe Tito a Basilio Santa Cruz Pumacallao, ako aj Marcos Zapata, author of the fifty large canvases that cover the high arches of the Cathedral of Cusco. V Ekvádor, Škola Quito was formed, mainly represented by the mestic Miguel de Santiago a criollo Nicolás Javier de Goríbar.

In the 18th century sculptural altarpieces began to be replaced by paintings, developing notably the Baroque painting in the Americas. Similarly, the demand for civil works, mainly portraits of the aristocratic classes and the ecclesiastical hierarchy, grew. The main influence was the Murillesque, and in some cases – as in the criollo Cristóbal de Villalpando – that of Valdés Leal. The painting of this era has a more sentimental tone, with sweet and softer shapes. It highlight Gregorio Vásquez de Arce v Kolumbiaa Juan Rodríguez Juárez a Miguel Cabrera v Mexiko.

Plastika

The Bust of Louis XIV; od Gian Lorenzo Bernini; 1665; marble; 105 × 99 × 46 cm; Palác vo Versailles

The dominant figure in baroque sculpture was Gian Lorenzo Bernini. Under the patronage of Pope Urban VIII, he made a remarkable series of monumental statues of saints and figures whose faces and gestures vividly expressed their emotions, as well as portrait busts of exceptional realism, and highly decorative works for the Vatican, including the imposing Chair of St. Peter beneath the dome in Bazilika svätého Petra. In addition, he designed fountains with monumental groups of sculpture to decorate the major squares of Rome.[74]

Baroque sculpture was inspired by ancient Roman statuary, particularly by the famous statue of Laocoön from the first century AD, which was on display in the gallery of the Vatican. When he visited Paris in 1665, Bernini addressed the students at the Academy of painting and sculpture. He advised the students to work from classical models, rather than from nature. He told the students, "When I had trouble with my first statue, I consulted the Antinous like an oracle."[75]

Notable late French baroque sculptors included Étienne Maurice Falconet a Jean Baptiste Pigalle. Pigalle was commissioned by Fridricha Veľkého to make statues for Frederick's own version of Versailles at Sanssouci v Postupim, Nemecko. Falconet also received an important foreign commission, creating the famous statue of Petra Veľkého on horseback found in St. Petersburg.

In Spain, the sculptor Francisco Salzillo worked exclusively on religious themes, using polychromed wood. Some of the finest baroque sculptural craftsmanship was found in the gilded stucco altars of churches of the Spanish colonies of the New World, made by local craftsmen; examples include the Rosary Chapel of the Church of Santo Domingo in Oaxaca (Mexico), 1724–1731.

Nábytok

A beautiful gilded Baroque table, with a stone top (most probably marble), from the Cinquantenaire Museum (Bruxelles, Belgicko)

The main motifs used are: horns of plenty, festoons, baby angels, lion heads holding a metal ring in their mouths, female tváre surrounded by garlands, oval cartouches, acanthus leaves, klasický columns, caryatids, pediments and other elements of Classical architecture sculpted on some parts of pieces of furniture,[76] baskets with fruits or flowers, shells, armour and trophies, heads of Apollo alebo Bakchus, and C-shaped volút.[77]

During the first period of the reign of Louis XIV, furniture followed the previous style of Louis XIII, and was massive, and profusely decorated with sculpture and gilding. After 1680, thanks in large part to the furniture designer André Charles Boulle, a more original and delicate style appeared, sometimes known as Boulle work. It was based on the inlay of eben and other rare woods, a technique first used in Florence in the 15th century, which was refined and developed by Boulle and others working for Louis XIV. Furniture was inlaid with plaques of ebony, copper, and exotic woods of different colors.[78]

New and often enduring types of furniture appeared; the commode, with two to four drawers, replaced the old coffre, or chest. The canapé, or sofa, appeared, in the form of a combination of two or three armchairs. New kinds of armchairs appeared, including the fauteuil en confessionale or "Confessional armchair", which had padded cushions ions on either side of the back of the chair. The console table also made its first appearance; it was designed to be placed against a wall. Another new type of furniture was the table à gibier, a marble-topped table for holding dishes. Early varieties of the desk appeared; the Mazarin desk had a central section set back, placed between two columns of drawers, with four feet on each column.[79]

Music and ballet

Antonio Vivaldi, (1678–1741)

Termín Barokový is also used to designate the style of music composed during a period that overlaps with that of Baroque art. The first uses of the term 'baroque' for music were criticisms. In an anonymous, satirical review of the première in October 1733 of Rameau's Hippolyte et Aricie, printed in the Mercure de France in May 1734, the critic implied that the novelty of this opera was "du barocque," complaining that the music lacked coherent melody, was filled with unremitting dissonances, constantly changed key and meter, and speedily ran through every compositional device.[82] Jean-Jacques Rousseau, who was a musician and noted composer as well as philosopher, made a very similar observation in 1768 in the famous Encyklopédia z Denis Diderot: "Baroque music is that in which the harmony is confused, and loaded with modulations and dissonances. The singing is harsh and unnatural, the intonation difficult, and the movement limited. It appears that term comes from the word 'baroco' used by logicians."[15]

Common use of the term for the music of the period began only in 1919, by Curt Sachs,[83] and it was not until 1940 that it was first used in English in an article published by Manfred Bukofzer.[82]

Louis XIV in costume as Apollo for the Balet Royal de la Nuit (1653)

The baroque was a period of musical experimentation and innovation. New forms were invented, including the koncert a sinfonia. Opera was born in Italy at the end of the 16th century (with Jacopo Peri's mostly lost Dafne, produced in Florencia in 1598) and soon spread through the rest of Europe: Louis XIV created the first Royal Academy of Music, In 1669, the poet Pierre Perrin opened an academy of opera in Paris, the first opera theatre in France open to the public, and premiered Pomone, the first grand opera in French, with music by Robert Cambert, with five acts, elaborate stage machinery, and a ballet.[84] Heinrich Schütz v Nemecku, Jean-Baptiste Lully in France, and Henry Purcell in England all helped to establish their national traditions in the 17th century.

The classical ballet also originated in the Baroque era. The style of court dance was brought to France by Marie de Medici, and in the beginning the members of the court themselves were the dancers. Ľudovít XIV himself performed in public in several ballets. In March 1662, the Académie Royale de Danse, was founded by the King. It was the first professional dance school and company, and set the standards and vocabulary for ballet throughout Europe during the period.[84]

Several new instruments, including the klavír, were introduced during this period. The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padova, Italy, who was employed by Ferdinando de' Medici, Grand Prince of Tuscany, as the Keeper of the Instruments.[85][86] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("a keyboard of cyprus with soft and loud"), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.[87]

Composers and examples

Divadlo

Výprava pre Andromedé od Pierre Corneille, (1650)
Design for a theater set created by Giacomo Torelli for the ballet Les Noces de Thétis, od Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

The Baroque period was a golden age for theatre in France and Spain; playwrights included Corneille, Racine a Moliere in France; a Lope de Vega a Pedro Calderón de la Barca Španielsko.

During the Baroque period, the art and style of the theatre evolved rapidly, alongside the development of opera and of ballet. The design of newer and larger theatres, the invention the use of more elaborate machinery, the wider use of the proscenium arch, which framed the stage and hid the machinery from the audience, encouraged more scenic effects and spectacle.[88]

The Baroque had a Catholic and conservative character in Spain, following an Italian literary model during the Renaissance.[89] The Hispanic Baroque theatre aimed for a public content with an ideal reality that manifested fundamental three sentiments: Catholic religion, monarchist and national pride and honour originating from the chivalric, knightly world.[90]

Two periods are known in the Baroque Spanish theatre, with the division occurring in 1630. The first period is represented chiefly by Lope de Vega, but also by Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente alebo Juan Pérez de Montalbán. The second period is represented by Pedro Calderón de la Barca and fellow dramatists Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moretoa Francisco Bances Candamo.[91] These classifications are loose because each author had his own way and could occasionally adhere himself to the formula established by Lope. It may even be that Lope's "manner" was more liberal and structured than Calderón's.[92]

Lope de Vega introduced through his Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) the new comedy. He established a new dramatic formula that broke the three Aristoteles unities of the Italian school of poetry (action, time and place) and a fourth unity of Aristotle which is about style, mixing of tragic and comic elements showing different types of verses and stanzas upon what is represented.[93] Although Lope has a great knowledge of the plastic arts, he did not use it during the major part of his career nor in theatre or scenography. The Lope's comedy granted a second role to the visual aspects of the theatrical representation.[94]

Tirso de Molina, Lope de Vega, and Calderón were the most important play writers in Golden Era Spain. Their works, known for their subtle intelligence and profound comprehension of a person's humanity, could be considered a bridge between Lope's primitive comedy and the more elaborate comedy of Calderón. Tirso de Molina is best known for two works, The Convicted Suspicions a The Trickster of Seville, one of the first versions of the Don Juan myth.[95]

Upon his arrival to Madrid, Cosimo Lotti brought to the Spanish court the most advanced theatrical techniques of Europe. His techniques and mechanic knowledge were applied in palace exhibitions called "Fiestas" and in lavish exhibitions of rivers or artificial fountains called "Naumaquias". He was in charge of styling the Gardens of Buen Retiro, z Zarzuela a z Aranjuez and the construction of the theatrical building of Coliseo del Buen Retiro.[96] Lope's formulas begin with a verse that it unbefitting of the palace theatre foundation and the birth of new concepts that begun the careers of some play writers like Calderón de la Barca. Marking the principal innovations of the New Lopesian Comedy, Calderón's style marked many differences, with a great deal of constructive care and attention to his internal structure. Calderón's work is in formal perfection and a very lyric and symbolic language. Liberty, vitality and openness of Lope gave a step to Calderón's intellectual reflection and formal precision. In his comedy it reflected his ideological and doctrine intentions in above the passion and the action, the work of Autos sacramentales achieved high ranks.[97] The genre of Comedia is political, multi-artistic and in a sense hybrid. The poetic text interweaved with Medias and resources originating from architecture, music and painting freeing the deception that is in the Lopesian comedy was made up from the lack of scenery and engaging the dialogue of action.[98]

The best known German playwright was Andreas Gryphius, who used the Jezuita model Holandsky Joost van den Vondel a Pierre Corneille. There was also Johannes Velten who combined the traditions of the English comedians and the commedia dell'arte with the classic theatre of Corneille and Moliére. His touring company was perhaps the most significant and important of the 17th century.

Spanish colonial Americas

Following the evolution marked from Spain, at the end of the 16th century, the companies of comedians, essentially transhumant, began to professionalize. With professionalization came regulation and censorship: as in Europe, the theatre oscillated between tolerance and even government protection and rejection (with exceptions) or persecution by the Church. The theatre was useful to the authorities as an instrument to disseminate the desired behavior and models, respect for the social order and the monarchy, school of religious dogma.[99]

The corrales were administered for the benefit of hospitals that shared the benefits of the representations. The itinerant companies (or "of the ligy"), who carried the theatre in improvised open-air stages by the regions that did not have fixed locals, required a viceregal license to work, whose price or pinción was destined to alms and works pious.[99] For companies that worked stably in the capitals and major cities, one of their main sources of income was participation in the festivities of the Corpus Christi, which provided them with not only economic benefits, but also recognition and social prestige. The representations in the viceregal palace and the mansions of the aristocracy, where they represented both the comedies of their repertoire and special productions with great lighting effects, scenery and stage, were also an important source of well-paid and prestigious work.[99]

Born in the Viceroyalty of Nové Španielsko[100] but later settled in Spain, Juan Ruiz de Alarcón is the most prominent figure in the Baroque theatre of New Spain. Despite his accommodation to Lope de Vega's new comedy, his "marked secularism", his discretion and restraint, and a keen capacity for "psychological penetration" as distinctive features of Alarcón against his Spanish contemporaries have been noted. Noteworthy among his works La verdad sospechosa, a comedy of characters that reflected his constant moralizing purpose.[99] The dramatic production of Sor Juana Inés de la Cruz places her as the second figure of the Spanish-American Baroque theatre. It is worth mentioning among her works the auto sacramental El divino Narciso a komédia Los empeños de una casa.

Záhrady

Parterre of the Orangerie from the Palác vo Versailles (1684)

The Baroque garden, tiež známy ako jardin à la française alebo French formal garden, first appeared in Rome in the 16th century, and then most famously in France in the 17th century in the gardens of Vaux le Vicomte a Palác vo Versailles. Baroque gardens were built by Kings and princes in Germany, the Netherlands, Austria, Spain, Poland, Italy and Russia until the mid-18th century, when they began to be remade into by the more natural English landscape garden.

The purpose of the baroque garden was to illustrate the power of man over nature, and the glory of its builder, Baroque gardens were laid out in geometric patterns, like the rooms of a house. They were usually best seen from the outside and looking down, either from a chateau or terrace. The elements of a baroque garden included parterres of flower beds or low hedges trimmed into ornate Baroque designs, and straight lanes and alleys of gravel which divided and crisscrossed the garden. Terraces, ramps, staircases and cascades were placed where there were differences of elevation, and provided viewing points. Circular or rectangular ponds or basins of water were the settings for fountains and statues. Bosquets or carefully trimmed groves or lines of identical trees, gave the appearance of walls of greenery and were backdrops for statues. On the edges, the gardens usually had pavilions, orangeries and other structures where visitors could take shelter from the sun or rain.[101]

Baroque gardens required enormous numbers of gardeners, continual trimming, and abundant water. In the later part of the Baroque period, the formal elements began to be replaced with more natural features, including winding paths, groves of varied trees left to grow untrimmed; rustic architecture and picturesque structures, such as Roman temples or Chinese pagodas, as well as "secret gardens" on the edges of the main garden, filled with greenery, where visitors could read or have quiet conversations. By the mid-18th century most of the Baroque gardens were partially or entirely transformed into variations of the English landscape garden.[101]

Besides Versailles and Vaux-le-Vicomte, Celebrated baroque gardens still retaining much of their original appearance include the Royal Palace of Caserta near Naples; Nymphenburg Palace a Paláce Augustusburg a Falkenlust, Brühl in Germany; Het Loo Palace in the Netherlands; the Belvedere Palace v Viedeň; the Royal Palace of La Granja de San Ildefonso in Spain; a Palác Peterhof in St. Petersburg, Russia.[101]

Differences between Rococo and Baroque

The following are characteristics that Rococo has and Baroque has not:[je potrebné objasnenie]

  • The partial abandonment of symmetry, everything being composed of graceful lines and curves, similar to the Secesia ones
  • The huge quantity of asymmetrical curves and C-shaped volút
  • The very wide use of flowers in ornamentation, an example being festoons made of flowers
  • Chinese and Japanese motifs
  • Warm pastel colours[102] (whitish-yellow, cream-coloured, pearl greys, very light blues)[103]

End of the style, condemnation and academic rediscovery

Madame de Pompadour, the mistress of Louis XV, contributed to the decline of the baroque and rococo style. In 1750 she sent her nephew, Abel-François Poisson de Vandières, on a two-year mission to study artistic and archeological developments in Italy. He was accompanied by several artists, including the engraver Nicolas Cochin and the architect Soufflot. They returned to Paris with a passion for classical art. Vandiéres became the Marquis of Marigny, and was named Royal Director of buildings in 1754. He turned official French architecture toward the neoclassical. Cochin became an important art critic; he denounced the petit style of Boucher, and called for a grand style with a new emphasis on antiquity and nobility in the academies of painting of architecture.[104]

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."[105] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.[105]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable between the two World Wars, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, usually pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.

Baroque Revival art

Ukážka veľmi krásnych detailov barokového obrodenia mestských domov z Bukurešť (Rumunsko), zľava doprava a zhora nadol: okno so ženou maskarón medzi dvoma festóny; a kartuša nad oknom; kartušové okienko s mužským maskarónom; balkón; štuky v dome; okno s kartušou v hornej časti s monogramom

Koniec 19. storočia bol zlatým vekom pre obrodenie štýlov vrátane barokového obrodenia alebo neobaroka.

Okrem praktickej (ochrannej) funkcie má tvár aj estetické a architektonické účely. Zrkadlí prevládajúce štýly určitej éry. Ozdoby sú najbežnejším „ornamentom“ budov.[106] Ozdoby použité v architektúre 17. - 18. storočia sa opakovane používajú v budovách barokového obrodenia, vrátane: rohy hojnosti, festóny, detskí anjeli, žena alebo muž maskaróny, oválne kartuše, akantové listy, klasický stĺpce, karyatidy, štíty a ďalšie prvky Grécko-rímska architektúra. Väčšina budov barokového obrodenia je manzardové strechy, zvyčajne modrá alebo niekedy čierna, s oválny alebo vikier okná. Niektoré z domov majú tento štýl v tvare kartuše oculus okná, zvyčajne s maskarónom v hornej alebo dolnej časti. Vo Francúzsku a Rumunsku je veľa vchodov markízy (Francúzsky: Markíza; Rumunský: marchiză), vyrobené zo skla a kovu, zvyčajne v a mušle- tvar. V týchto dvoch župách, najmä v Rumunsku, sa niekedy kombinoval neobarok s Secesia. Beaux-Arts budovy z konca 90. rokov 20. storočia a začiatku 20. storočia sú veľmi dobrým príkladom architektúry barokového obrodenia. Najznámejšou neobarokovou stavbou v Paríži sú: Pavillon de Flore (časť Palais du Louvre), Palais Garnier, Petit Palaisa Grand Palais. Medzi významných architektov tohto štýlu patrí Charles Garnier (1825–1898), Ferdinand Fellner (1847–1917), Hermann Helmer (1849–1919) a Ion D. Berindey (1871–1928).

V dekoratívnom umení je baroková obroda obyčajne známa ako Štýl Napoleona III alebo štýl Second Empire. Predmety v tomto štýle boli veľmi cenené na konci 90. rokov 20. storočia a na začiatku 20. storočia v Rumunsku, veľa z nich bolo prinesených z Francúzska alebo Rakúska. Jedným z hlavných vplyvov bol Štýl Ľudovíta XVIalebo Francúzsky neoklasicizmus, ktorú uprednostňoval Cisárovná Eugénie. Jej izby v Tuilerijskom paláci a na ďalších miestach boli zariadené v tomto štýle. Medzi ďalšie vplyvy patrí francúzska renesancia a Štýl Henricha II, ktoré boli populárnymi vplyvmi na truhly a skrinky, bufety a dôveryhodnosti, ktoré boli mohutné a postavené ako malé katedrály zdobené stĺpmi, štíty, kartuše, maskarónya vyrezávané anjelov a chiméry. Zvyčajne boli vyrobené z vlašských orechov alebo dubov, prípadne niekedy pripomínajúcich poirier eben.[107]

Pozri tiež

Poznámky

  1. ^ a b Heal, Bridget (1. decembra 2011). "'Lepší pápež ako kalvínsky: Umenie a identita v neskoršom luteránskom Nemecku “. Nemecké dejiny. Nemecká spoločnosť pre dejiny. 29 (4): 584–609. doi:10.1093 / gerhis / ghr066.
  2. ^ Graur, Neaga (1970). Štýly v dekoratívnej arte (v rumunčine). Cerces. p. 153, 154 a 156.
  3. ^ „Origem da palavra BARROCO - Etimologia“. Dicionário Etimológico.
  4. ^ „BAROQUE: Etymologie de BAROQUE“. www.cnrtl.fr. empr. au port. barokové «Rocher granitique» et «perle irrégulière», atesté dep. le xiiie s. sous la forma baroka (Inkvizičníci, s. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 m² dans Mach.), d'orig. obsc., prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le teritoriumire ibérique
  5. ^ „Barokový“. Encyklopédia Britannica. 3 (11. vydanie). 1911.
  6. ^ Wikislovník. „Baroko - etymológia“. Získané 17. júna 2019.
  7. ^ a b Robert Hudson Vincent, „Baroco: Logika anglickej barokovej poetiky“. Štvrťročný moderný jazyk, Ročník 80, vydanie 3 (september 2019)
  8. ^ a b „BAROQUE: Etymologie de BAROQUE“. www.cnrtl.fr. Získané 4. januára 2019.
  9. ^ Michael Meere, Francúzska dráma renesancie a baroka: text, predstavenie, teória, Rowman & Littlefield, 2015, ISBN 1611495490
  10. ^ „se dit seulement des perles qui sont d'une rondeur fort imparfaite“. Le dictionnaire de l'Académie Française (1694)
  11. ^ Bluteau, Raphael (1728). Vocabulario Portuguez a Latino. 2. p. 58.
  12. ^ „Barokový“. Online etymologický slovník. Získané 31. decembra 2018.: "Ale Klein naznačuje, že meno môže byť od talianskeho maliara Federica Barocciho (1528–1612), ktorého tvorba ovplyvnila štýl."
  13. ^ Claude V. Palisca, „barokový“. Slovník hudby a hudobníkov v New Grove, druhé vydanie, editoval Stanley Sadie a John Tyrrell (London: Macmillan Publishers, 2001).
  14. ^ „se dit aussi au figuré, pour irrégulier, bizarre, inégale.“ Le dictionnaire de l'Académie Française (1762)
  15. ^ a b Encyklopédia; Lettre sur la Musique Française v réžii Denis Diderot
  16. ^ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique, Architektúra, zväzok 1, citovaný B. Migliorinim, Manierismo, baròcco, rococò, Rím, 1962, s. 46
  17. ^ „verejná zbierka prístupových slovníkov“. artflsrv03.uchicago.edu. Získané 2. januára 2019.
  18. ^ Burckhardt, Jacob (1855). Der Cicerone: eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens. Schweighauser. p.356. OCLC 315796790.
  19. ^ Hopkins, Owen, Les Styles en Architecture (2014), s. 70.
  20. ^ Denizeau, Gérard (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (v rumunčine). rao. p. 117. ISBN 978-606-006-149-6.
  21. ^ Hughes, J. Quentin (1953). Vplyv talianskeho manierizmu na maltskú architektúru Archivované 14. marca 2017 na Wayback Machine. Melitensiawath. Získané 8. júla 2016. s. 104–110.
  22. ^ Helen Gardner, Fred S. Kleiner a Christin J. Mamiya, Gardnerovo umenie v priebehu vekov (Belmont, CA: Thomson / Wadsworth, 2005), s. 516.
  23. ^ Heal, Bridget (20. februára 2018). „Reformácia a luteránske baroko“. Oxford University Press. Získané 1. mája 2018. Spisy teológov však môžu ísť iba tak ďaleko k vysvetleniu vývoja konfesionálneho vedomia a formovaniu náboženskej identity. Luteránske pripútanie k náboženským obrazom bolo výsledkom nielen Lutherovho opatrného schválenia ich používania, ale aj konkrétneho náboženského a politického kontextu, v ktorom sa jeho reformácia odohrala. Po reformátorovej smrti v roku 1546 bola obrazová otázka opäť ostro spochybnená. Keď sa však kalvinizmus so svojimi ikonoklastickými tendenciami šíril, nemeckí luteráni reagovali opätovným potvrdením svojho záväzku k správnemu používaniu náboženských obrazov. V roku 1615 sa berlínski luteránski občania dokonca vzbúrili, keď ich kalvínski vládcovia odstránili obrázky z mestskej katedrály.
  24. ^ Ducher, str. 102
  25. ^ a b Ducher (1988) s. 106-107
  26. ^ Ducher (1988), str. 102
  27. ^ Cabanne (1988), strana 12
  28. ^ Ducher (1988)
  29. ^ a b Ducher (1988) s. 104.
  30. ^ Cabanne (1988), strana 15
  31. ^ Cabanne (1988), strany 18–19.
  32. ^ Cabanne (1988), str. 48-49
  33. ^ a b c Cabanne (1988) str. 48–51
  34. ^ Cabanne (1988) str. 63
  35. ^ a b Ducher (2014), s. 92.
  36. ^ Cabanne (1988), s. 89–94.
  37. ^ Ducher (1988), s. 104–105.
  38. ^ „Kolumna Zygmunta III Wazy w Warszawie“. Culture.pl. Získané 24. júna 2019.
  39. ^ „WILANÓWSKÝ PALÁC“. www.anothertravelguide.com. Získané 24. júna 2019.
  40. ^ „Tylman z Gameren - architekt Warszawy: Polak z wyboru, Holender z pochodzenia -“. CODART. Získané 24. júna 2019.
  41. ^ Cabanne (1988), strany 25–32.
  42. ^ Cabanne (1988), str. 25–28.
  43. ^ Cabanne (1988), str. 28–33.
  44. ^ „Vek baroka v Portugalsku“. www.nga.gov.
  45. ^ http://www.resumos.net/files/caracterizacaodaarquiteturacha.doc
  46. ^ Bury, J. B. (1956). „Neskoré baroko a rokoko v severnom Portugalsku“. Časopis Spoločnosti historikov architektúry. 15 (3): 7–15. doi:10.2307/987760. JSTOR 987760.
  47. ^ „Hm Roteiro pelo Barroco bracarense“. Ochutnajte Braga. 30. augusta 2017.
  48. ^ „Notícias - Direção Regional de Cultura do Norte“. culturanorte.gov.pt.
  49. ^ Centrum, svetové dedičstvo UNESCO. „Historic Center of Porto, Luiz I Bridge and Monastery of Serra do Pilar“. Centrum svetového dedičstva UNESCO.
  50. ^ „Architektúra a baroko“. www.torredosclerigos.pt.
  51. ^ „Kostol sv. Joao Novo“. www.upt.pt.
  52. ^ „DGPC | Pesquisa Geral“. www.patrimoniocultural.gov.pt.
  53. ^ „DGPC | Pesquisa Geral“. www.patrimoniocultural.gov.pt.
  54. ^ William Craft Brumfield (1993). „Osmá kapitola: Základy baroka v Petrohrade“. Dejiny ruskej architektúry. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-40333-7.
  55. ^ Bailey, Gauvin Alexander (2012). Baroko a rokoko. Phaidon. p. 366 a 367. ISBN 978-0-7148-5742-8.
  56. ^ Thomas da Costa Kaufmann (1999). „12 / Východ a Západ: Jezuitské umenie a umelci v strednej Európe a stredoeurópske umenie v Amerike“. In John W. O'Malley; Gauvin Alexander Bailey; Steven J. Harris; T. Frank Kennedy (ed.). Jezuiti: Kultúry, vedy a umenie, 1540–1773, zväzok 1. University of Toronto Press. s. 274–304. ISBN 9780802042873.
  57. ^ Gauvin Alexander Bailey (1999). Umenie o jezuitských misiách v Ázii a Latinskej Amerike, 1542–1773. University of Toronto Press. s. 4–10. ISBN 9780802085078.
  58. ^ José Maria Azcarate Ristori; Alfonso Emilio Perez Sanchez; Juan Antonio Ramirez Dominguez (1983). „Historia Del Arte“.
  59. ^ Larousse (1990). DICCIONARIO ENCICLOPEDICO LAROUSSE. 12 TOMOS. Barcelona: Redakčná planéta.
  60. ^ „CATEDRAL, TESTIGO DE LA HISTORIA. LA CONSTRUCCIÓN DE LA NUEVA PARROQUIA, HOY CATEDRAL“. catedraldechihuahua.blogspot.com.
  61. ^ „Historia y arquitectura“. lahabana.com.
  62. ^ Cláudia Damasceno Fonseca. „Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos“. Património de influência portuguesa. Nadácia Calouste Gulbenkian.
  63. ^ Jorge Salvador Lara (2009). Historia de Quito, Luz de América. Bicentenario del 10 de agosto de 1809. Quito: Fonsal. str. 124, 125. ISBN 9789978366189.
  64. ^ Asociación de Funcionarios del Servicio Diplomático del Perú. „TAGLE UNA VISITA AL PALACIO DE TORRE, CASA DE LA DIPLOMACIA PERUANA“ (v španielčine).
  65. ^ „Iglesia de Santo Domingo“. Webová stránka Ministerstva cestovného ruchu Čile (v španielčine).
  66. ^ Prater a Bauer, La Peinture du baroque (1997), str. 11
  67. ^ Prater a Bauer, La Peinture du baroque (1997), str. 3. – 15
  68. ^ Prater a Bauer, La Peinture du baroque (1997), str. 12
  69. ^ „Prvky barokového štýlu.“ V Umenie a humanitné vedy prostredníctvom dôb, editovali Edward I. Bleiberg, James Allan Evans, Kristen Mossler Figg, Philip M. Soergel a John Block Friedman, 466–470. Zv. 5, Vek baroka a osvietenstva 1600–1800. Detroit, MI: Gale, 2005.
  70. ^ Ducher (1988), strany 108–109
  71. ^ Cabanne (1988), s. 102–104
  72. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMELECKÉ MÚZEUM. Phaidon. p. 246. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  73. ^ Fortenberry, Diane (2017). UMELECKÉ MÚZEUM. Phaidon. p. 259. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  74. ^ Boucher (1998), s. 146.
  75. ^ Boucher (1998), s. 16.
  76. ^ Graur, Neaga (1970). Štýly v dekoratívnej arte (v rumunčine). Cerces. p. 168.
  77. ^ Graur, Neaga (1970). Štýly v dekoratívnej arte (v rumunčine). Cerces. p. 176 a 177.
  78. ^ Renault a Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), str. 59
  79. ^ Renault a Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), str. 59
  80. ^ „Pier Table“. Umelecký inštitút v Chicagu.
  81. ^ „Šikmá recepcia“. Umelecký inštitút v Chicagu.
  82. ^ a b Palisca 2001.
  83. ^ Sachs, Curt (1919). Barockmusik [Baroková hudba]. Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (v nemčine). 26. Lipsko: Edícia Peters. s. 7–15.
  84. ^ a b Bély (2005), s. 152–54.
  85. ^ Erlich, Cyril (1990). Klavír: História. Oxford University Press, USA; Prepracované vydanie. ISBN 0-19-816171-9.
  86. ^ Powers, Wendy (október 2003). „Piano: Pianofortes Bartolomeo Cristofori (1655–1731)“. Heilbrunn Časová os dejín umenia. New York: Metropolitné múzeum umenia. Získané 27. januára 2014.
  87. ^ Isacoff (2012), s. 23.
  88. ^ „Barokové divadlá a inscenácie“. Encyklopédia Britannica. Získané 14. novembra 2019.
  89. ^ González Mas (1980), s. 1–2.
  90. ^ González Mas (1980), s. 8.
  91. ^ González Mas (1980), s. 13.
  92. ^ González Mas (1980), s. 91.
  93. ^ Lope de Vega, 2010, Komédie: El Remedio en la Desdicha. El Mejor Alcalde El Rey, s. 446–447
  94. ^ Amadei-Pulice (1990), s. 6.
  95. ^ Wilson, Edward M .; Moir, Duncan (1992). Historia de la literatura española: Siglo De Oro: Teatro (1492–1700). Úvodník Ariel, s. 155–158
  96. ^ Amadei-Pulice (1990), s. 26–27.
  97. ^ Molina Jiménez, María Belén (2008). El teatro musical de Calderón de la Barca: Análisis textual. EDITUM, s. 56
  98. ^ Amadei-Pulice (1990), s. 6–9.
  99. ^ a b c d Maya Ramos Smith; Concepción Reverte Bernal; Mercedes de los Reyes Peña (1996). América y el teatro español del Siglo de Oro. II Congreso Iberoamericano del Teatro - Tercera ponencia: Herci a spoločnosti z Ameriky, durante la época virreinal. Cádiz: Publikačná služba Univerzity v Cádizu. s. 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN 84-7786-536-1.
  100. ^ Podľa vlastných vyjadrení dramatika sa narodil v Mexico City v rokoch 1580 alebo 1581. V Taxcu sa však našiel krstný list z 30. decembra 1572, ktorý patrí chlapcovi menom Juan, synovi Pedra Ruiza de Alarcóna a Leonora de Mendoza, rodičia básnika. Napriek Alarcónovým vyhláseniam väčšina kritikov považuje Taxco za svoje rodisko. Pozri Lola Josa, Juan Ruiz de Alarcón a súčasný umelec v komédii, Madrid, Medzinárodná asociácia hispáncov, 2008, s. 7–14.
  101. ^ a b c Kluckert, Ehrenfried (2015). „Les Jardins Baroques“. L'Art Baroque - Architecture- Sculpture- Peinture. Kolín nad Rýnom: H.F. Ulmann. s. 152–160. ISBN 978-3-8480-0856-8. (Francúzsky preklad z nemčiny)
  102. ^ Graur, Neaga (1970). Štýly v dekoratívnej arte (v rumunčine). Bukurešť: Cerces. p. 160 a 163.
  103. ^ Graur, Neaga (1970). Štýly v dekoratívnej arte (v rumunčine). Bukurešť: Cerces. p. 192.
  104. ^ Cabanne (1988), s. 106.
  105. ^ a b Boucher (1998), s. 9.
  106. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunčine). Vydavateľ Cetatea de Scaun. p. 250. ISBN 978-606-537-382-2.
  107. ^ Ducher 1988, s. 194–195.
  108. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (v rumunčine). Vydavateľ Cetatea de Scaun. p. 113. ISBN 978-606-537-382-2.

Zdroje

  • Amadei-Pulice, María Alicia (1990). Calderón y el barroco: exaltación y engaño de los sentidos. Monografie univerzity Purdue v románskych jazykoch (v taliančine). 31. Amsterdam; Philadelphia: John Benjamins Publishing Company. ISBN 978-9-02-721747-9.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Bély, Lucien (2005). Louis XIV - Le Plus Grand Roi du Monde (francuzsky). Vydania Jean-Paul Gisserot. ISBN 978-2-87-747772-7.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Boucher, Bruce (1998). Talianska baroková plastika. Svet umenia Thames & Hudson. ISBN 0-50-020307-5.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Cabanne, Pierre (1988). L'Art Classique et le Baroque (francuzsky). Paríž: Larousse. ISBN 978-2-03-583324-2.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Causa, Raffaello, L'Art au XVIII siècle du rococo à Goya (1963), (vo francúzštine) Hachcette, Paríž ISBN 2-86535-036-3
  • Ducher, Robert (1988). Caractéristique des Styles. Paríž: Flammarion. ISBN 2-08-011539-1.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Ducher, Robert (2014). La Caractéristique des Styles.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Gardner, Helen, Fred S. Kleiner a Christin J. Mamiya. 2005. Gardnerovo umenie v priebehu vekov, 12. vydanie. Belmont, Kalifornia: Thomson / Wadsworth. ISBN 978-0-15-505090-7 (pevná väzba)
  • González Mas, Ezequiel (1980). Historia de la literatura española: (Siglo XVII). Barroco, Objem 3. La Editorial, UPR.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Isacoff, Stuart (2012). Prirodzená história klavíra: Nástroj, hudba, hudobníci - od Mozarta po moderný jazz a všetko medzi tým. Vydavateľstvo Knopf Doubleday.CS1 maint: ref = harv (odkaz)
  • Prater, Andreas a Bauer, Hermann, La Peinture du baroque (1997), (vo francúzštine), Taschen, Paríž ISBN 3-8228-8365-4
  • Tazartes, Maurícius, Fontaines de Rome, (2004), (vo francúzštine) Citadelles, Paríž ISBN 2-85088-200-3

Ďalšie čítanie

  • Andersen, Liselotte. 1969. Barokové a rokokové umenie, New York: H. N. Abrams. ISBN 978-0-8109-8027-3
  • Bailey, Gauvin Alexander. 2012. Baroko a rokoko, Londýn: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-5742-8
  • Bazin, Germain, 1964. Barokové a rokokové. Séria sveta umenia Praeger. New York: Praeger. (Pôvodne publikované vo francúzštine, as Klasika, baroko a rokoko. Paríž: Larousse. Anglické vydanie dotlač ako Barokové a rokokové umenie, New York: Praeger, 1974)
  • Buci-Glucksmann, Christine. 1994. Barokový dôvod: Estetika moderny. Šalvia.
  • Downes, Kerry, „Barokový“[trvalý mŕtvy odkaz], Grove Art Online, Oxford Art Online, Oxford University Press, Web. 23. októbra 2017.[je potrebné overenie] (požadované predplatné)
  • Hills, Helen (ed.). 2011. Prehodnotenie baroka. Farnham, Surrey; Burlington, VT: Ashgate. ISBN 978-0-7546-6685-1.
  • Hortolà, Policarp, 2013, Estetika hemotafonómie: štylistické paralely medzi vedou a literatúrou a vizuálnym umením. Sant Vicent del Raspeig: ECU. ISBN 978-84-9948-991-9.
  • Kitson, Michael. 1966. Vek baroka. Pamiatky svetového umenia. Londýn: Hamlyn; New York: McGraw-Hill.
  • Lambert, Gregg, 2004. Návrat baroka do modernej kultúry. Kontinuum. ISBN 978-0-8264-6648-8.
  • Martin, John Rupert. 1977. Barokový. Ikonové vydania. New York: Harper a Rowe. ISBN 0-06-435332-X (plátno); ISBN 0-06-430077-3 (pbk.)
  • Palisca, Claude V. (1991) [1961]. Baroková hudba. Dejiny hudby Prentice Hall (3. vyd.). Englewood Cliffs, N.J .: Prentice Hall. ISBN 0-13-058496-7. OCLC 318382784.
  • Riegl, Alois (2010). Hopkins, Andrew (ed.). Počiatky barokového umenia v Ríme (texty a dokumenty). Getty Research Institute. ISBN 978-1-6060-6041-4.
  • Wölfflin, Heinrich (1964) [Pôvodne publikované v nemčine, 1888]. Renesančné a barokové. Preložil Simon, Kathrin. ISBN 0-0021-7349-2.
  • Vuillemin, Jean-Claude, 2013. Epistéma baroková: le mot et la vybral. Hermann. ISBN 978-2-7056-8448-8.
  • Wakefield, Steve. 2004. Carpentierova baroková fikcia: Návrat Medúzy. Colección Támesis. Serie A, Monografías 208. Rochester, NY: Tamesis. ISBN 1-85566-107-1.
  • Massimo Colella, Il Barocco sabaudo tra mecenatismo e retorica. Maria Giovanna Battista di Savoia Nemours e l'Accademia Reale Letteraria di Torino, Fondazione 1563 per l'Arte e la Cultura della Compagnia di San Paolo, Torino („Alti Studi sull'Età e la Cultura del Barocco“, IV-1), 2019, s. 180.
  • Massimo Colella, Separatezza e conversazione. Sondaggi intertestuali attorno a Ciro di Pers, v «Xenia. Trimestrale di Letteratura e Cultura »(Genova), IV, 1, 2019, s. 11–37.

Vonkajšie odkazy

Pin
Send
Share
Send