Neoklasicizmus - Neoclassicism

Z Wikipédie, Voľnej Encyklopédie

Pin
Send
Share
Send

Psychika oživená Cupidovým bozkom; od Antonio Canova; 1787; mramor; 155 cm × 168 cm; Louvre
Charles Towneley v jeho sochárskej galérii; od Johann Zoffany; 1782; olej na plátne; výška: 127 cm, šírka: 102 cm; Umelecká galéria a múzeum v Towneley Hall (Burnley, UK)

Neoklasicizmus (tiež hláskované Neoklasicizmus; od Grécky νέος nèos, „nové“ a Grécky κλασικός klasikόs, „najvyššieho stupňa“)[1] bol západný kultúrne hnutie v dekoratívnom a vizuálnom umení, literatúre, divadle, hudbe a architektúre, ktoré čerpali inšpiráciu z umenia a kultúry v klasická antika. Neoklasicizmus sa narodil v roku Rím do veľkej miery vďaka spisom Johann Joachim Winckelmann, v čase znovuobjavenia Pompeje a Herculaneum, ale jeho popularita sa rozšírila po celej Európe, keď skončila generácia európskych študentov umenia Grand Tour a vrátili sa z Talianska do svojich domovských krajín s novoobjavenými grécko-rímskymi ideálmi.[2][3] Hlavné neoklasicistické hnutie sa zhodovalo s 18. storočím Vek osvietenia, a pokračovala do začiatku 19. storočia, bočne konkurovala Romantizmus. V architektúre štýl pokračoval počas 19., 20. a až do 21. storočia.

Európsky neoklasicizmus v výtvarné umenie začal sa cca. 1760 v opozícii k vtedajšej dominancii Rokokové štýl. Rokoková architektúra zdôrazňuje milosť, ornamenty a asymetria; Neoklasicistická architektúra je založená na princípoch jednoduchosti a symetrie, ktoré boli považované za cnosti umenia v Rím a Staroveké Grécko, a boli bezprostrednejšie čerpané zo 16. storočia Renesančný klasicizmus. Každá „neo“ klasika vyberá niektoré modely z radu možných klasík, ktoré má k dispozícii, a iné ignoruje. Neoklasicistickí spisovatelia a hovorcovia, patróni a zberatelia, umelci a sochári z rokov 1765 - 1830 vzdali poctu nápad generácie Phidias, ale sochárske príklady, ktoré skutočne prijali, boli s väčšou pravdepodobnosťou rímske kópie Helenistické sochy. Ignorovali archaické grécke umenie aj diela z Neskorá antika. „Rokokové“ umenie staroveku Palmýra prišlo ako zjavenie prostredníctvom rytín do Wooda Ruiny Palmýry. Dokonca aj Grécko nebolo vôbec navštevované, bol to drsný zapadákov v Osmanská ríša, nebezpečné skúmať, takže ocenenie gréckej architektúry neoklasicistami bolo sprostredkované kresbami a rytiny, ktorý jemne vyhladil a zladil, „opravil“ a „obnovil“ pamiatky Grécka, nie vždy vedome.

The Empírový štýl, druhá fáza neoklasicizmu v architektúre a dekoratívne umenie, mala svoje kultúrne stredisko v Paríž v Napoleonské obdobie.

História

Neoklasicizmus je oživením mnohých štýlov a ducha klasického staroveku inšpirovaných priamo z klasického obdobia,[4] ktorý sa zhodoval a odrážal vývoj v roku 2006 filozofia a ďalších oblastí veku osvietenstva a spočiatku išlo o reakciu proti excesom predchádzajúceho Rokokové štýl.[5] Zatiaľ čo pohyb je často popisovaný ako protiklad k Romantizmus, jedná sa o veľké nadmerné zjednodušenie, ktoré nie je trvalo udržateľné, keď sa vezme do úvahy konkrétnych umelcov alebo diela. Prípad údajného hlavného šampióna neskorého neoklasicizmu, Ingres, to zvlášť dobre demonštruje.[6] Oživenie možno hľadať v zavedení formálneho archeológia.[7][8]

Johann Joachim Winckelmann, často nazývaný „otec archeológie“[9]

Spisy z Johann Joachim Winckelmann boli dôležité pri formovaní tohto hnutia v architektúre aj vo vizuálnom umení. Jeho knihy Myšlienky na napodobňovanie gréckych diel v maliarstve a sochárstve (1750) a Geschichte der Kunst des Alterthums („Dejiny starovekého umenia“, 1764) ako prví ostro rozlišovali medzi starogréckym a rímskym umením a vymedzili obdobia v rámci gréckeho umenia, ktoré sledovali trajektóriu od rastu k zrelosti a potom napodobňovanie alebo úpadok, ktorý má naďalej vplyv na súčasnosť deň. Winckelmann veril, že umenie by sa malo zameriavať na „ušľachtilú jednoduchosť a pokojnú vznešenosť“,[10] a ocenil idealizmus gréckeho umenia, v ktorom podľa neho nachádzame „nielen prírodu v jej najkrajšej podobe, ale aj niečo mimo nej, a to určité ideálne formy jej krásy, ktoré ako starodávny tlmočník Platón učí nás, pochádzajme z obrazov vytvorených iba mysľou. “Teória bola v západnom umení veľmi vzdialená novému, jeho dôraz na dôkladné kopírovanie gréckych modelov však bol:„ Jediný spôsob, ako sa stať skvelými, alebo ak je to možné, nenapodobiteľné, je napodobňovať starcov “.[11]

S príchodom Grand Tour, výstrelok zberateľstva starožitnosti začal, ktorý položil základy mnohých veľkých zbierok šíriacich neoklasicistické oživenie po celej Európe.[12] „Neoklasicizmus“ v každom odbore znamená konkrétny kánon „klasického“ modelu.

V angličtine sa termín „neoklasicizmus“ používa predovšetkým vo vizuálnom umení; podobné hnutie v Anglická literatúra, ktorá sa začala podstatne skôr, sa volá Augustiánska literatúra. To, čo dominovalo niekoľko desaťročí, sa začalo zmenšovať, keď sa neoklasicizmus vo vizuálnom umení stal módnym. Aj keď sa pojmy líšia, situácia vo francúzskej literatúre bola podobná. V hudbe nastalo obdobie klasická hudbaa je používaný výraz „neoklasicizmus“ Vývoj 20. storočia. Avšak opery z Christoph Willibald Gluck predstavoval špecificky neoklasický prístup uvedený v jeho predslove k zverejnenému skóre Alceste (1769), ktorej cieľom bolo reformovať operu odstránením ornamenty, čím sa zvyšuje úloha zboru v súlade s Grécka tragédiaa s použitím jednoduchších nezdobených melodických línií.[13]

Anton Raphael Mengs; Rozsudok v Paríži; asi 1757; olej na plátne; výška: 226 cm, šírka: 295 cm, kupuje Kataríny Veľkej zo štúdia; Ermitážne múzeum (Saint Petersburg, Rusko)

Pojem „neoklasicistický“ bol vynájdený až v polovici 19. storočia a v tom čase bol štýl popísaný takými výrazmi ako „skutočný štýl“, „reformovaný“ a „obrodenie“; to, čo sa považovalo za oživené, sa značne líšilo. Starodávne modely boli určite veľmi zapojené, ale štýl sa dal považovať za oživenie renesancie, najmä vo Francúzsku za návrat k prísnejším a ušľachtilejším. Barokový veku Ľudovít XIV, na ktoré značná nostalgia ako sa dominantné vojenské a politické postavenie Francúzska začalo vážne zhoršovať.[14] IngresKorunovačný portrét Napoleona si dokonca požičal od neskorej antiky konzulárne diptychy a ich Karolínsky obroda, k nesúhlasu kritikov.

Neoklasicizmus bol najsilnejší v architektúry, sochárstvo a dekoratívne umenie, kde boli klasické modely na rovnakom médiu pomerne početné a prístupné; príklady zo starej maľby, ktoré demonštrovali vlastnosti, ktoré Winckelmannove písmo našlo v sochárstve, chýbali a chýbajú. Winckelmann sa podieľal na šírení poznatkov o prvých veľkých rímskych maľbách, ktoré boli objavené na adrese Pompeje a Herculaneum a ako väčšina súčasníkov okrem Gavin Hamilton, nebol nimi dojatý, citujúc Plínius mladšíkomentáre k úpadku maľby v jeho období.[15]

Pokiaľ ide o maľbu, grécka maľba sa úplne stratila: neoklasicistickí maliari ju nápadito oživili, čiastočne prostredníctvom basreliéf vlysy, mozaiky a keramická maľba a čiastočne prostredníctvom príkladov maľby a dekorácie Vrcholná renesancia z Raphaelgenerácia fresiek v Neronovej Domus Aurea, Pompeje a Herculaneuma opätovným obdivom k Mikuláš Poussin. Veľa „neoklasicistickej“ maľby je klasickejšie v predmete ako v čomkoľvek inom. Po celé desaťročia zúril tvrdý, ale často veľmi zle informovaný spor o relatívne zásluhy gréckeho a rímskeho umenia, pričom Winckelmann a jeho helenisti boli spravidla na strane víťazov.[16]

Maľba a tlač

Pohľad na takzvaný Chrám svornosti s Saturnovým chrámom, vpravo Oblúk Septimia Severa; od Giovanni Battista Piranesi; 1760–1778; leptanie; rozmer celého listu: 53,8 x 79,2 cm; Metropolitné múzeum umenia (Mesto New York)

Je ťažké zachytiť radikálnu a vzrušujúcu povahu ranej neoklasickej maľby pre súčasné publikum; teraz napadá aj tých autorov, ktorí sa k tomu priaznivo prikláňajú ako k „insidnému“ a „pre nás takmer úplne nezaujímavému“ - niektoré z nich Kenneth Clarkkomentáre používateľa Anton Raphael Mengs„ambiciózny Parnassus na Villa Albani,[17] od umelca, ktorého jeho priateľ Winckelmann opísal ako „najväčšieho umelca svojho času a možno aj neskôr“.[18] Kresby sa následne zmenili na výtlačky, z John Flaxman použité veľmi jednoduché perokresby (považované za najčistejšie klasické médium)[19]) a čísla, ktoré sú väčšinou v profile Odysea a iné predmety a kedysi „prepúšťali umeleckú mládež Európy“, ale teraz sú „zanedbávané“,[20] kým historické maľby z Angelica Kauffman, hlavne portrétistov, sú popísané ako osoby, ktoré majú „nedôverčivú jemnosť a nudnosť“ Fritz Novotný.[21] Rokoková ľahkovážnosť a barokové hnutie boli odstránené, ale veľa umelcov sa usilovne snažilo umiestniť čokoľvek na svoje miesto a pri absencii starodávnych príkladov pre historickú maľbu, iných ako Grécke vázy používa Flaxman, Raphael tendenciu byť používaný ako náhradný model, ako to odporúčal Winckelmann.

Horatská prísaha; od Jacques-Louis David; 1784; olej na plátne; výška: 330 cm, šírka: 425 cm; Louvre
Diana a Amor; od Pompeo Batoni; 1761; olej na plátne; 124,5 x 172,7 cm; Metropolitné múzeum umenia

Tvorba ďalších umelcov, ktorých nebolo možné ľahko označiť za insidných, kombinovala aspekty romantizmu so všeobecne neoklasicistickým štýlom a tvorila súčasť histórie oboch hnutí. Nemecko-dánsky maliar Asmus Jacob Carstens dokončil len veľmi málo veľkých mytologických diel, ktoré plánoval, pričom zostali väčšinou kresby a farebné štúdie, ktoré sa často podarí priblížiť Winckelmannovmu predpisu „ušľachtilej jednoduchosti a pokojnej vznešenosti“.[22] Na rozdiel od Carstensových nerealizovaných schém, leptanie z Giovanni Battista Piranesi boli početné a ziskové a boli vrátené späť výrobcami Grand Tour do všetkých častí Európy. Jeho hlavným predmetom boli stavby a zrúcaniny Ríma a viac ho stimulovalo starodávne ako moderné. Trochu znepokojujúca atmosféra mnohých z nich Vedute (pohľady) sa stáva dominantným v jeho sérii 16 výtlačkov Carceri d'Invenzione („Imaginárne väznice“), ktorých „utláčateľská kyklopská architektúra“ sprostredkúva „sny o strachu a frustrácii“.[23] Rodený Švajčiar Johann Heinrich Füssli strávil väčšinu svojej kariéry v Anglicku, a hoci jeho základný štýl bol založený na neoklasických princípoch, jeho predmety a zaobchádzanie častejšie odrážali „gotický“ kmeň Romantizmus, a snažili sa vyvolať drámu a vzrušenie.

Neoklasicizmus v maľbe získal nový zmysel pre smerovanie so senzačným úspechom Jacques-Louis Davidje Horatská prísaha na Parížsky salón z roku 1785. Napriek tomu, že to vyvolalo republikánske cnosti, išlo o zákazku kráľovskej vlády, na ktorej David trval na maľovaní v Ríme. Davidovi sa podarilo skĺbiť idealistický štýl s drámou a razanciou. Stredová perspektíva je kolmá na rovinu obrazu, ktorú zvýrazňuje slabá arkáda za sebou, proti ktorej sú hrdinské postavy umiestnené ako v vlys, s náznakom umelého osvetlenia a inscenácie operaa klasické sfarbenie Mikuláš Poussin. David sa rýchlo stal vodcom francúzskeho umenia a po Francúzska revolúcia sa stal politikom s kontrolou nad veľkou časťou vládneho sponzorstva v umení. Podarilo sa mu udržať jeho vplyv v Napoleonské období sa zmenila na úprimne propagandistické diela, ale musela odísť z Francúzska do exilu v Bruseli na Obnova bourbonu.[24]

Vrátane mnohých Davidových študentov Jean-Auguste-Dominique Ingres, ktorý sa počas svojej dlhej kariéry videl ako klasicista, napriek vyzretému štýlu, ktorý má dvojzmyselný vzťah s hlavným prúdom neoklasicizmu, a mnohým neskorším odbočeniam do Orientalizmus a Trubadúrový štýl ktoré je ťažké odlíšiť od tých jeho nestydatých romantických súčasníkov, až na prvenstvo, ktoré jeho diela vždy dávajú kresbe. V salóne vystavoval viac ako 60 rokov, od roku 1802 do začiatkov Impresionizmus, ale jeho štýl, keď sa raz formoval, sa zmenil len málo.[25]

Plastika

Porovnanie medzi bustou z 1. - 2. storočia nášho letopočtu bohyňa Roma v Louvre; a busta vytesaná približne v rokoch 1821/1824 Bertel Thorvaldsen z Národná galéria umenia (Washington DC.)

Ak neoklasicistická maľba trpela nedostatkom starodávnych modelov, mala neoklasicistická plastika tendenciu trpieť ich nadbytkom, hoci príkladov skutočnej gréckej plastiky „klasického obdobia“ začínajúcich asi v roku 500 pred Kristom bolo veľmi málo; najuznávanejšími dielami boli väčšinou rímske kópie.[26] Prední neoklasicistní sochári sa vo svojej dobe tešili obrovskej reputácii, ale dnes sú už menej uznávaní, s výnimkou Jean-Antoine Houdon, ktorého tvorbou boli predovšetkým portréty, veľmi často ako busty, ktoré neobetujú silný dojem z sitterovej osobnosti idealizmu. S pokračovaním dlhej kariéry sa jeho štýl stal klasickejším a predstavuje pomerne plynulý prechod od rokokového šarmu k klasickej dôstojnosti. Na rozdiel od niektorých neoklasicistických sochárov netrval na tom, aby ich sediaci mali rímske šaty alebo neboli oblečení. Stvárnil väčšinu veľkých postáv osvietenstva a odcestoval do Ameriky na výrobu a socha Georga Washingtona, ako aj busty z Thomas Jefferson, Ben Franklin a ďalšie svietidlá novej republiky.[27][28]

Antonio Canova a Dán Bertel Thorvaldsen mali sídlo v Ríme a rovnako ako portréty produkovali veľa ambicióznych postáv a skupín v životnej veľkosti; oba predstavovali silne idealizujúcu tendenciu v neoklasickom sochárstve. Canova má ľahkosť a milosť, kde je Thorvaldsen prísnejší; rozdiel je ilustrovaný v ich príslušných skupinách Tri milosti.[29] Všetci títo, a Flaxman, boli stále aktívni v 20. rokoch 20. storočia a romantizmus pomaly ovplyvňoval sochárstvo, kde verzie neoklasicizmu zostali dominantným štýlom po väčšinu 19. storočia.

Skorým neoklasicistom v sochárstve bol Švéd Johan Tobias Sergel.[30] John Flaxman bol tiež alebo hlavne sochár, ktorý väčšinou produkoval výrazne klasické reliéfy, ktoré sú štýlom porovnateľné s jeho výtlačkami; taktiež navrhoval a modeloval neoklasickú keramiku pre Josiah Wedgwood na niekoľko rokov. Johann Gottfried Schadow a jeho syna Rudolf, jeden z mála neoklasicistických sochárov, ktorí zomreli mladí, boli poprední nemeckí umelci,[31] s Franz Anton von Zauner v rakusku. Neskorobarokový rakúsky sochár Franz Xaver Messerschmidt v polovici kariéry sa obrátil k neoklasicizmu, krátko predtým, ako sa zdá, že utrpel akúsi psychickú krízu, po ktorej odišiel do krajiny a venoval sa veľmi výrazným „charakterovým hlavám“ plešatých postáv, ktoré ťahali extrémnu mimiku.[32] Rovnako ako Piranesi Carceri, tieto sa tešili veľkému oživeniu záujmu počas veku psychoanalýza na začiatku 20. storočia. Holandský neoklasický sochár Mathieu Kessels študoval u Thorvaldsena a pracoval takmer výlučne v Ríme.

Pretože pred 30. rokmi 18. storočia nemali USA vlastnú sochársku tradíciu, s výnimkou náhrobných kameňov, korouhvičiek a figúrok lodí,[33] tu bol prijatý európsky neoklasicistický spôsob, ktorý sa mal udržať po celé desaťročia a je doložený príkladom v sochách Horatio Greenough, Harriet Hosmerová, Hiram Powers, Randolph Rogers a William Henry Rinehart.

Architektúra a dekoratívne umenie

Adam štýl, interiér Syon House v Londýne, navrhol Robert Adam v 60. rokoch 17. storočia
„The Etruské miestnosť “, z Postupim (Nemecko), ilustrácia Friedrich Wilhelm Klose asi v roku 1840

Neoklasické umenie bolo tradičné i nové, historické i moderné, konzervatívne a progresívne súčasne.[34]

Neoklasicizmus si najskôr získal vplyv v Anglicku a vo Francúzsku prostredníctvom generácie francúzskych študentov umenia, ktorí sa vzdelávali v Ríme a boli ovplyvnení spismi Winckelmanna, a rýchlo si ho osvojili pokrokové kruhy v iných krajinách, ako sú Švédsko, Poľsko a Rusko. Klasicizujúci dekor sa najskôr vrúbľoval do známych európskych foriem, ako napríklad v interiéroch Katarína IImilenec, Gróf Orlov, ktorý navrhol taliansky architekt s tímom Talianov štukadori: iba izolované oválne medailóny ako cameo a basreliéf nadbytok náznak neoklasicizmu; zariadenie je plne talianske rokokové.

Druhá neoklasická vlna, závažnejšia, študovanejšia (prostredím rytiny) a vedome archeologickejšie sa spája s výškou Napoleonské impérium. Vo Francúzsku bola prvá fáza neoklasicizmu vyjadrená v „štýle Ľudovíta XVI.“ A druhá v štýloch nazývaných „Directoire“ alebo Impérium. Rokokový štýl zostal v Taliansku populárny, kým napoleonské režimy nepriniesli nový archeologický klasicizmus, ktorý bol prijatý ako politické vyhlásenie mladých, pokrokových, mestských Talianov s republikánskymi sklonmi.[podla koho?]

V dekoratívnom umení je neoklasicizmus ilustrovaný empírovým nábytkom vyrobeným v Paríži, Londýne, New Yorku, Berlíne; v Biedermeier nábytok vyrobený v Rakúsku; v Karl Friedrich Schinkelmúzeá v Berlíne, pane John SoaneBank of England v Londýne a novovybudovaná "capitol„vo Washingtone, D.C .; a v Wedgwoodje basreliéfy a „čierne bazalky“ vázy. Štýl bol medzinárodný; Škótsky architekt Charles Cameron vytvoril honosné talianske interiéry pre rodených Nemcov Kataríny II. Veľkej, v ruskom Petrohrade.

V interiéroch neoklasicizmus priniesol objav originálneho klasického interiéru inšpirovaného znovuobjaveniami v Pompeje a Herculaneum. Začali sa koncom 40. rokov 17. storočia, ale široké publikum dosiahli až v 60. rokoch 17. storočia,[35] s prvými luxusnými objemami prísne kontrolovanej distribúcie Le Antichità di Ercolano (Starožitnosti Herculaneum). Starožitnosti Herculaneum ukázali, že aj tie najklasicistickejšie interiéry Barokovýalebo najviac „rímskych“ miestností v William Kent boli založené na bazilika a chrám exteriérová architektúra sa obrátila dovnútra, a teda ich často bombastický vzhľad pre moderné oči: vyzbrojený okenné rámy zmenené na pozlátené zrkadlá, krby doplnené chrámovými predkami. Nové interiéry sa snažili znovu vytvoriť autenticky rímsky a skutočne interiérový slovník.

Techniky použité v tomto štýle zahŕňali plochejšie, ľahšie motívy, tvarované dole vlys-ako reliéf alebo maľované monotónnymi tónmi en camaïeu ("ako cameo"), izolované medailóny alebo vázy alebo busty alebo bucrania alebo iné motívy, zavesené na kúskoch vavrínu alebo stužky, so štíhlymi arabeskami na pozadí, možno napríklad „pompejskej červenej“ alebo bledých odtieňov alebo farieb kameňa. Štýl vo Francúzsku bol spočiatku parížsky Goût grec („Grécky štýl“), nie súdny štýl; kedy Ľudovít XVI nastúpil na trón v roku 1774, Marie Antoinette, jeho kráľovná milujúca módu, priniesla pred súd štýl „Louis XVI“. Až do prelomu storočia však neexistoval skutočný pokus o použitie základných foriem rímskeho nábytku a výrobcovia nábytku si s väčšou pravdepodobnosťou požičiavali zo starej architektúry, rovnako ako strieborníci skôr brali zo starodávnej keramiky a kameňa. rezbárstvo než kovoobrábanie: „Zdá sa, že návrhári a remeselníci ... mali takmer zvrátené potešenie pri prenose motívov z jedného média na druhé“.[36]

Približne od roku 1800 priniesol nový príliv gréckych architektonických príkladov, videný prostredníctvom leptov a rytín, nový impulz pre neoklasicizmus, Grécka obroda. Zároveň Empírový štýl bola grandióznejšia vlna neoklasicizmu v architektúre a dekoratívnom umení. Vychádza hlavne z cisárskych rímskych štýlov a pochádza z obdobia vlády Napoleon v Prvé francúzske cisárstvo, kde to bolo určené na idealizáciu napoleonského vedenia a francúzskeho štátu. Štýl zodpovedá buržoáznejším Biedermeier štýl v nemecky hovoriacich krajinách, Federálny štýl v Spojených štátoch,[35] the Regentský štýl v Británii a Napoleonov štýl vo Švédsku. Podľa historika umenia Hugh Honor „Impérium, pokiaľ ešte nie je vrcholom neoklasicistického hnutia, ako sa niekedy predpokladá, znamená jeho rýchly úpadok a premenu späť na obyčajné starožitné oživenie, zbavené všetkých myšlienok a sily presvedčenia, ktoré inšpirovali jeho majstrovské diela “.[37] Skoršia fáza štýlu sa nazývala Adam štýl vo Veľkej Británii a „Louis Seize“ alebo Louis XVI vo Francúzsku.

Neoklasicizmus bol naďalej hlavnou silou v akademické umenie cez 19. storočie a ďalej - konštantný protiklad k Romantizmus alebo Gotické prebudenia - hoci bol od konca 19. storočia vo vplyvných kritických kruhoch často považovaný za anti-moderný alebo dokonca reakčný.[SZO?] Centrá viacerých európskych miest, najmä St. Petersburg a Mníchov, vyzerali veľmi podobne ako múzeá neoklasicistickej architektúry.

Gotická obrodná architektúra (často spojená s romantickým kultúrnym hnutím), štýl pochádzajúci z 18. storočia, ktorý si získal popularitu v priebehu 19. storočia, kontrastoval s neoklasicizmom. Zatiaľ čo neoklasicizmus bol charakterizovaný štýlmi, geometrickými líniami a poriadkom ovplyvneným gréckymi a rímskymi štýlmi, novogotická architektúra kládla dôraz na stredoveké budovy, ktoré často pôsobili v rustikálnom „romantickom“ duchu.

Štýl Ľudovíta XVI. (1760-1789)

The Hôtel de Coislin z Paríža, postavený v roku 1770

Označuje prechod od Rokokové ku klasicizmu. Na rozdiel od Klasicizmus Ľudovíta XIV, ktorá transformovala ozdoby na symboly, ich štýl Ľudovíta XVI predstavuje čo najrealistickejšie a najprirodzenejšie, tj vavrínové vetvy sú skutočne vavrínové vetvy, ruže rovnaké atď. Jedným z hlavných dekoratívnych princípov je symetria. V interiéroch sú použité farby veľmi jasné, medzi ktoré patrí biela, svetlošedá, jasná modrá, ružová, žltá, veľmi svetlá lila a zlatá. Zabráni sa nadmernému zdobeniu.[38] Návrat do staroveku je synonymom predovšetkým návratu k rovným líniám: prísne vertikály a horizontály boli na dennom poriadku. Hadovité už neboli tolerované, s výnimkou občasného polkruhu alebo oválu. Výzdoba interiéru tiež ocenila tento vkus prísnosti, takže sa do módy vrátili ploché povrchy a pravé uhly. Na sprostredkovanie tejto závažnosti sa použil ornament, ktorý však nikdy nezasahoval do základných línií a vždy bol umiestnený symetricky okolo stredovej osi. Aj tak, ébénistes často naklonené predné uhly, aby sa zabránilo nadmernej tuhosti.[39]

Inšpiráciou boli ozdobné motívy v štýle Ľudovíta XVI staroveku, Štýl Ľudovíta XIVa príroda. Charakteristické prvky štýlu: imbrikované disky, guilloché, dvojité luky, fajčiace panvice, lineárne opakovania malých motívov (rozety, korálky, vajíčka), trofej alebo kvetinové medailóny visiace na viazanej stuhe, akant listy, gadrooning, prekladané, meandre, kornútiky, maskaróny, Starodávne urny, statívy, napaľovače parfumov, delfíny, baranie a leví hlavy, chimérya gryfóny. Veľmi využívané sú aj grécko-rímske architektonické motívy: trepanie, pilastre (skladaný a neflutovaný), skladané balustre (skrútené a rovné), stĺpce (zasnúbený a nezapojené, niekedy nahradené karyathidy), volútový konzoly, triglyfy s guttae (v úľava a trompe-l'œil).[40]

Empire style (1804-1815)

Château de Compiègne, kráľovské sídlo postavené pre Ľudovít XV a obnovené Napoleon

Predstavuje pre novú francúzsku spoločnosť, ktorá vystúpila z revolúcia ktoré udávali tón vo všetkých oblastiach života vrátane umenia. The Žakárový stroj je vynájdený v tomto období (čo predstavuje revolúciu v celom šijacom systéme, dovtedy manuálnom). Jednou z dominantných farieb je červená, zdobená pozlátený bronz. Používajú sa aj svetlé farby vrátane bielej, krém, fialová, hnedá, modrá, tmavo červená, s malými ozdobami z pozláteného bronzu. Súčasťou architektúry interiéru sú drevené panely zdobené zlátením úľavy (na bielom alebo farebnom podklade). Motívy sú umiestnené geometricky. Steny sú pokryté štuky, tapety pr tkaniny. Krbové rímsy sú vyrobené z bieleho mramoru, majúce karyatidy v ich rohoch alebo iných prvkoch: obelisky, sfingy, okrídlené levy atď. Na ich vrcholoch boli umiestnené bronzové predmety vrátane krbové hodiny. Dvere pozostávajú z jednoduchých obdĺžnikových panelov zdobených ústrednou postavou inšpirovanou Pompejami. Empírové látky sú damasky s modrým alebo hnedým pozadím, satény so zeleným, ružovým alebo fialovým pozadím, zamáty rovnakých farieb, brošne so zlatom alebo striebrom a bavlnené látky. Všetky tieto boli použité v interiéroch na záclony, na zakrytie určitého nábytku, na vankúše alebo poťahy (na čalúnenie sa používa aj pena).[42]

Celý ornament Empire sa riadi dôsledným duchom symetrie pripomínajúcim Štýl Ľudovíta XIV. Spravidla motívy na pravej a ľavej strane kúska navzájom zodpovedajú v každom detaile; ak tak neurobia, jednotlivé motívy sú úplne symetrický v zložení: starožitné hlavy s identickými vlasmi padajúcimi na každé rameno, čelné postavy Victory so symetricky usporiadanými tunikami, identické ružice alebo labute lemujúce zámkovú dosku atď. Ľudovít XIV, Napoleon mal sadu znakov, ktoré boli nepochybne spojené s jeho vládou, predovšetkým orla, včielku, hviezdy a iniciály Ja (pre Imperátor) a N (pre Napoleon), ktoré boli zvyčajne vpísané do cisárskej vavrínovej koruny. Použité motívy zahŕňajú: postavy z Víťazstvo nesúce palmové ratolesti, grécke tanečnice, nahé a zahalené ženy, postavy starožitných vozov, okrídlené putti, maskaróny z Apollo, Hermes a Gorgon, labute, levy, hlavy volov, kone a divé zvieratá, motýle, pazúry, okrídlené chiméry, sfingy, bucrania, morské kone, dubové vence zauzlené tenkými vlečenými stužkami, popínavá vinná réva, mak rinceaux, rozety, palmové vetvy a rebríček. Je veľa grécko-rímskych: tuhé a ploché akant listy, palmety, kornútiky, korálky, amfory, statívy, napodobnené disky, caduceuses z Ortuť, vázy, prilby, horiace fakle, okrídlené trúbkarky a starodávne hudobné nástroje (tuby, hrkálky a hlavne lýry). Cez ich starožitný pôvod, flauta a triglyfy takže prevláda za Ľudovíta XVI. sú opustené. Egyptské obrodenie motívy sú obzvlášť bežné na začiatku obdobia: skarabeovia, lotos hlavné mestá, okrídlené disky, obelisky, pyramídy, postavy na sebe nemesis, karyatidy en gaine podporované bosými nohami a so ženskými egyptskými pokrývkami hlavy.[43]

Záhrady

V Anglicku mala augustovská literatúra priamu paralelu s augustovým štýlom krajinného dizajnu. Odkazy sú zreteľne viditeľné v práci Alexander pápež. Najlepšie dochované príklady neoklasicistických anglických záhrad sú Chiswick House, Stowe House a Stourhead.[45]

Neoklasicizmus a móda

Revolučný prominent Thérésa Tallien
Portrét Antoine Valedau z roku 1809

V móde ovplyvnil neoklasicizmus oveľa väčšiu jednoduchosť dámskych šiat a dlhotrvajúcu módu pre biele od dôb pred francúzskou revolúciou, ale až po nej sa vo Francúzsku začali presadzovať dôkladné pokusy o imitáciu starodávnych štýlov, aspoň pre ženy. Klasické kostýmy už dávno obliekali módne dámy, ktoré na portréte vystupovali ako postava z gréckeho alebo rímskeho mýtu (najmä v podobe portrétov mladej modelky) Emma, ​​lady Hamilton z 80. rokov 19. storočia), ale také kostýmy sa nosili iba na portrétové sedenie a maškarné plesy až do obdobia revolúcie a možno, rovnako ako iné exotické štýly, sa doma vyzliecť. Ale štýly, ktoré nosí portréty Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien a ďalší parížski tvorcovia trendov boli určené na vychádzky aj na verejnosti. Vidieť pani Tallienovú v opere, Talleyrand vtipkoval, že: „Nie je možné pas vystaviť plus somptueusement!„(„ Nie je možné sa honosnejšie vyzliecť. “). V roku 1788, tesne pred revolúciou, dvorný portrétista Louise Élisabeth Vigée Le Brun sa konala grécka večera, kde dámy mali obyčajné biele grécke tuniky.[46] Kratšie klasické účesy, pokiaľ možno s kučerami, boli menej kontroverzné a boli veľmi rozšírené a vlasy boli teraz odhalené dokonca aj vonku; okrem večerných šiat, kapoty alebo iné poťahy sa zvyčajne nosili aj doma predtým. Namiesto toho sa na zväzovanie alebo zdobenie vlasov používali tenké stužky alebo filety v gréckom štýle.

Veľmi ľahké a voľné šaty, zvyčajne biele a často so šokujúco obnaženými rukami, stúpali strmo od členka až tesne pod bodice, kde bol výrazne zvýraznený tenký lem alebo kravata okolo tela, často v inej farbe. Tvar je dnes často známy ako Ríšska silueta hoci predchádza Prvé francúzske cisárstvo Napoleona, ale jeho prvá cisárovná Joséphine de Beauharnais mala vplyv na jeho šírenie po Európe. Dlhý obdĺžnikový šál alebo zavinovačka, veľmi často obyčajná červená, ale so zdobeným okrajom na portrétoch, pomohla v chladnejšom počasí a pri sedení bola zjavne položená okolo bránice - pre čo sa uprednostňovali rozľahlé pololežiace polohy.[47] Na začiatku 19. storočia sa tieto štýly rozšírili po celej Európe.

Neoklasicistická móda pre mužov bola oveľa problematickejšia a nikdy sa nerozbehla inak ako vo vlasoch, kde hrala dôležitú úlohu v kratších štýloch, ktoré nakoniec vyústili do použitia parochní a potom bieleho púdru na vlasy pre mladších mužov. Nohavice boli pre Grékov a Rimanov symbolom barbara, ale mimo maliarskeho alebo najmä sochárskeho ateliéru bolo len málo mužov pripravených opustiť ich. V skutočnosti bolo v tomto období triumf čistých nohavíc, príp pantaloon, cez cullottes alebo podkolienky z Ancien Régime. Aj keď David počas vrcholenia revolučného nadšenia pre zmenu všetkého v roku 1792 navrhol na žiadosť vlády nový francúzsky „národný kroj“, jeho súčasťou boli pomerne tesné legíny pod kabátom, ktorý sa zastavil nad kolenom. Veľká časť dobre situovaných mladých mužov strávila väčšinu kľúčového obdobia vo vojenskej službe kvôli Francúzske revolučné vojnya vojenská uniforma, ktorá začala zdôrazňovať krátke bundy vpredu, poskytujúce úplný prehľad o priliehavých nohaviciach, sa často nosili, keď neboli v službe, a ovplyvňovala ciliviánske mužské štýly.

Problém nohavíc umelci uznali ako prekážku pri vytváraní súčasníka historické maľby; rovnako ako iné prvky súčasného odevu, boli mnohými umelcami a kritikmi považovaní za nenapraviteľne škaredé a neheroické. Používali sa rôzne stratégie, aby sa zabránilo ich zobrazovaniu v moderných scénach. V James Dawkins a Robert Wood Objavovanie ruín Palmýra (1758) od Gavin Hamilton, sú dvaja starožitníci gentlemana uvedení v tóga-ako arabské rúcho. V Watson a žralok (1778) od John Singleton Copley, mohla byť hlavná postava vierohodne zobrazená nahá a zloženie je také, že z ôsmich ďalších zobrazených mužov iba jeden zobrazuje jedinú závorník noha prominentne. Američania Copley a Benjamin West viedol umelcov, ktorí úspešne ukázali, že nohavice sa dajú použiť v hrdinských scénach, s dielami ako West Smrť generála Wolfa (1770) a Copley's Smrť majora Peirsona, 6. januára 1781 (1783), hoci nohaviciam sa stále opatrne vyhýbali Raft Medúzy, dokončená v roku 1819.

Klasicky inšpirované mužské účesy zahŕňali Bedford Crop, pravdepodobne predchodca väčšiny jednoduchých moderných mužských štýlov, ktorý vynašiel radikálny politik Francis Russell, 5. vojvoda z Bedfordu ako protest proti a daň za prášok na vlasy; he encouraged his friends to adopt it by betting them they would not. Another influential style (or group of styles) was named by the French "à la Titus" after Titus Junius Brutus (not in fact the Roman Emperor Titus as often assumed), with hair short and layered but somewhat piled up on the crown, often with restrained quiffs or locks hanging down; variants are familiar from the hair of both Napoleon a Juraja IV Spojeného kráľovstva. The style was supposed to have been introduced by the actor François-Joseph Talma, who upstaged his wigged co-actors when appearing in productions of works such as Voltaireje Brutus (o Lucius Junius Brutus, who orders the execution of his son Titus). In 1799 a Parisian fashion magazine reported that even bald men were adopting Titus wigs,[48] and the style was also worn by women, the Journal de Paris reporting in 1802 that "more than half of elegant women were wearing their hair or wig à la Titus.[49]

Later Neoclassicism

The West building (1941) of the Národná galéria umenia vo Washingtone
The Assan House od Bukurešť (Rumunsko), 1906–1914, built to the design of the architect Ion D. Berindey, vo francúzštine Neoklasicistické štýl

In American architecture, Neoclassicism was one expression of the Americká renesancia pohyb, ca. 1890–1917; its last manifestation was in Architektúra krásneho umenia, and its final large public projects were the Lincolnov pamätník (highly criticized at the time), the Národná galéria umenia in Washington, D.C. (also heavily criticized by the architectural community as being backward thinking and old fashioned in its design), and the Americké prírodovedné múzeum's Roosevelt Memorial. These were considered stylistic anachronisms when they were finished. In the British Raj, Sir Edwin Lutyens' monumental city planning for Naí Dillí marks the glorious sunset of Neoclassicism. World War II was to shatter most longing for (and imitation of) mythical, heroic times.

Konzervatívny modernistický architekti ako napr Auguste Perret in France kept the rhythms and spacing of columnar architecture even in factory buildings. Kde kolonáda would have been decried as "reactionary", a building's pilaster-Páči sa mi to skladaný panels under a repeating vlys looked "progressive". Pablo Picasso experimented with classicizing motifs in the years immediately following prvá svetová vojnaa Art Deco style that came to the fore following the 1925 Paris Exposition des Arts Décoratifs, often drew on Neoclassical motifs without expressing them overtly: severe, blocky commodes od É.-J. Ruhlmann alebo Süe & Kobyla; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan; the Zefektívniť moderné styling of U.S. post offices and county court buildings built as late as 1950; a Rooseveltský desetník.

There was an entire 20th-century movement in the Arts which was also called Neoclassicism. It encompassed at least music, philosophy and literature. It was between the end of World War I and the end of World War II. (For information on the musical aspects, see Klasická hudba 20. storočia a Neoclassicism in music. For information on the philosophical aspects, see Skvelé knihy.)

This literary Neoclassical movement rejected the extreme romanticism of (for example) Dada, in favour of restraint, religion (specifically Christianity) and a reactionary political program. Although the foundations for this movement in Anglická literatúra were laid by T. E. Hulme, the most famous Neoclassicists were T. S. Eliot a Wyndham Lewis. In Russia, the movement crystallized as early as 1910 under the name of Acmeizmus, s Anna Achmatová a Osip Mandelshtam as the leading representatives.

V hudbe

Neoclassicism in music is a 20th-century movement; in this case it is the Klasické a Barokový musical styles of the 17th and 18th centuries, with their fondness for Greek and Roman themes, that were being revived, not the music of the ancient world itself. (The early 20th century had not yet distinguished the Baroque period in music, on which Neoclassical composers mainly drew, from what we now call the Classical period.) The movement was a reaction in the first part of the 20th century to the disintegrating chromaticism of late-Romanticism and Impressionism, emerging in parallel with musical Modernism, which sought to abandon key tonality altogether. It manifested a desire for cleanness and simplicity of style, which allowed for quite dissonant paraphrasing of classical procedures, but sought to blow away the cobwebs of Romanticism and the twilit glimmerings of Impresionizmus in favour of bold rhythms, assertive harmony and clean-cut sectional forms, coinciding with the vogue for reconstructed "classical" dancing and costume in balet a telesná výchova.

The 17th-18th century dance suite had had a minor revival before prvá svetová vojna but the Neoclassicists were not altogether happy with unmodified diatonicism, and tended to emphasise the bright dissonance of suspensions and ornaments, the angular qualities of 17th-century modal harmony and the energetic lines of countrapuntal part-writing. Respighiho Starodávne étery a tance (1917) led the way for the sort of sound to which the Neoclassicists aspired. Although the practice of borrowing musical styles from the past has not been uncommon throughout musical history, art musics have gone through periods where musicians used modern techniques coupled with older forms or harmonies to create new kinds of works. Notable compositional characteristics are: referencing diatonic tonality, conventional forms (dance suites, concerti grossi, sonata forms, etc.), the idea of absolute music untramelled by descriptive or emotive associations, the use of light musical textures, and a conciseness of musical expression. In classical music, this was most notably perceived between the 1920s and the 1950s. Igor Stravinskij is the best-known composer using this style; he effectively began the musical revolution with his Bach-like Oktet pre dychové nástroje (1923). A particular individual work that represents this style well is Prokofievje Klasická symfónia No. 1 in D, which is reminiscent of the symphonic style of Haydn alebo Mozart. Neoklasický balet as innovated by George Balanchine de-cluttered the Russian Imperial style in terms of costume, steps and narrative, while also introducing technical innovations.

Architecture in Russia and the Soviet Union

Ostankino Palace, navrhol Francesco Camporesi and completed in 1798, in Moscow, Russia

In 1905–1914 Russian architecture passed through a brief but influential period of Neoclassical revival; the trend began with recreation of Empire style of alexandrín period and quickly expanded into a variety of neo-Renaissance, Palladian and modernized, yet recognizably classical schools. They were led by architects born in the 1870s, who reached creative peak before World War I, like Ivan Fomin, Vladimir Shchuko a Ivan Zholtovsky. When economy recovered in the 1920s, these architects and their followers continued working in primarily modernistický životné prostredie; some (Zholtovsky) strictly followed the classical canon, others (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) developed their own modernized styles.[50]

With the crackdown on architects' independence and official denial of modernism (1932), demonstrated by the international contest for the Palác Sovietov, Neoclassicism was instantly promoted as one of the choices in Stalinistická architektúra, although not the only one. It coexisted with moderately modernist architecture of Boris Iofan, bordering with contemporary Art Deco (Schuko); again, the purest examples of the style were produced by Zholtovsky school that remained an isolated phenomena. The political intervention was a disaster for konštruktivistický leaders yet was sincerely welcomed by architects of the classical schools.

Neoclassicism was an easy choice for the USSR since it did not rely on modern construction technologies (oceľový rám alebo železobetón) and could be reproduced in traditional murivo. Thus the designs of Zholtovsky, Fomin and other old masters were easily replicated in remote towns under strict material prídelové. Improvement of construction technology after World War II permitted Stalinist architects to venture into skyscraper construction, although stylistically these skyscrapers (including "exported" architecture of Palác kultúry a vedy, Varšava a Šanghaj International Convention Centre) share little with the classical models. Neoclassicism and neo-Renaissance persisted in less demanding residential and office projects until 1955, when Nikita Chruščov put an end to expensive Stalinist architecture.

Architecture in the 21st century

After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.

As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of Nová klasická architektúra. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.[51] Also, a number of pieces of postmodern architecture draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Antigone District a National Theatre of Catalonia v Barcelona medzi nimi. Postmoderná architektúra occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.

For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Traditional Architecture (or vernacular) is mostly used. The Cena Driehaus za architektúru is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzkerova cena.[52]

In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Schermerhorn Symphony Center v Nashville byť príkladom.

In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Downing College and Robert Adam Architects' Sacklerova knižnica.

Pozri tiež

Poznámky

  1. ^ "Etymology of the English word "neo-classical"". myetymology.com. Získané 2016-05-09.
  2. ^ Stevenson, Angus (2010-08-19). Oxfordský slovník angličtiny. ISBN 9780199571123.
  3. ^ Kohle, Hubertus (August 7, 2006). "The road from Rome to Paris. The birth of a modern Neoclassicism". Jacques Louis David. New perspectives.
  4. ^ Irwin, David G. (1997). Neoclassicism A&I (Art and Ideas). Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  5. ^ Honour, 17-25; Novotny, 21
  6. ^ A recurring theme in Clark: 19-23, 58-62, 69, 97-98 (on Ingres); Honour, 187-190; Novotny, 86-87
  7. ^ Lingo, Estelle Cecile (2007). François Duquesnoy and the Greek ideal. Yale University Press; Prvá edícia. pp.161. ISBN 978-0-300-12483-5.
  8. ^ Talbott, Page (1995). Classical Savannah: fine & decorative arts, 1800-1840. University of Georgia Press. p. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  9. ^ Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Culture and values: a survey of the humanities. Wadsworth Publishing; 7 edition. p. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.
  10. ^ Honour, 57-62, 61 quoted
  11. ^ Both quotes from the first pages of "Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture"
  12. ^ Dyson, Stephen L. (2006). In Pursuit of Ancient Pasts: A History of Classical Archaeology in the Nineteenth and Twentieth Centuries. Yale University Press. str. xii. ISBN 978-0-300-11097-5.
  13. ^ Honour, 21
  14. ^ Honour, 11, 23-25
  15. ^ Honour, 44-46; Novotny, 21
  16. ^ Honour, 43-62
  17. ^ Clark, 20 (quoted); Honour, 14; image of the painting (in fairness, other works by Mengs are more successful)
  18. ^ Honour, 31-32 (31 quoted)
  19. ^ Honour, 113-114
  20. ^ Honour, 14
  21. ^ Novotny, 62
  22. ^ Novotny, 51-54
  23. ^ Clark, 45-58 (47-48 quoted); Honour, 50-57
  24. ^ Honour, 34-37; Clark, 21-26; Novotny, 19-22
  25. ^ Novotny, 39-47; Clark, 97-145; Honour, 187-190
  26. ^ Novotny, 378
  27. ^ Novotny, 378–379
  28. ^ Chinard, Gilbert, ed., Houdon in America Arno PressNy, 1979, a reprint of a book published by Johns Hopkins University, 1930
  29. ^ Novotny, 379-384
  30. ^ Novotny, 384-385
  31. ^ Novotny, 388-389
  32. ^ Novotny, 390-392
  33. ^ Gerdts, William H., American Neo-Classic Sculpture: The Marble Resurrection, Viking Press, New York, 1973 p. 11
  34. ^ Palmer, Alisson Lee. Historical dictionary of neoclassical art and architecture. p. 1.
  35. ^ a b Gontar
  36. ^ Honour, 110–111, 110 quoted
  37. ^ Honour, 171–184, 171 quoted
  38. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (v rumunčine). Cerces. p. 200, 201 & 202.
  39. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 71.
  40. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 72.
  41. ^ https://www.artic.edu/artworks/96539/corner-cabinet. Chýba alebo je prázdny | názov = (Pomoc)
  42. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (v rumunčine). Cerces. p. 217, 219, 220 & 221.
  43. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 103 & 105.
  44. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. p. 209. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  45. ^ Turner, Turner (2013). British gardens: history, philosophy and design, Chapter 6 Neoclassical gardens and landscapes 1730-1800. London: Routledge. p. 456. ISBN 978-0415518789.
  46. ^ Hunt, 244
  47. ^ Hunt, 244-245
  48. ^ Hunt, 243
  49. ^ Rifelj, 35
  50. ^ "The Origins of Modernism in Russian Architecture". Content.cdlib.org. Získané 2012-02-12.
  51. ^ "Neo-classicist Architecture. Traditionalism. Historicism".
  52. ^ Driehaus Prize for New Classical Architecture at Notre Dame SoASpoločne cena Driehaus za 200 000 dolárov a cena Reed za 50 000 dolárov predstavujú najvýznamnejšie uznanie klasicizmu v súčasnom zastavanom prostredí.; retained March 7, 2014

Referencie

  • Clark, Kenneth, The Romantic Rebellion: Romantic versus Classic Art, 1976, Omega. ISBN 0-86007-718-7.
  • Honour, Hugh, Neo-classicism. Style and Civilisation 1968 (reprinted 1977), Penguin
  • Gontar, Cybele, "Neoclassicism", In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000– online
  • Hunt, Lynn, "Freedom of Dress in Revolutionary France", in From the Royal to the Republican Body: Incorporating the Political in Seventeenth- and Eighteenth-Century France, Editors: Sara E. Melzer, Kathryn Norberg, 1998, University of California Press, 1998, ISBN 0520208072,9780520208070
  • Fritz Novotny, Painting and Sculpture in Europe, 1780–1880, 2nd edition (reprinted 1980).
  • Rifelj, Carol De Dobay, Coiffures: Hair in Nineteenth-Century French Literature and Culture, 2010, University of Delaware Press, ISBN 0874130999, 9780874130997, google knihy

Ďalšie čítanie

  • Brown, Kevin (2017). Artist and Patrons: Court Art and Revolution in Brussels at the end of the Ancien Regime, Dutch Crossing, Taylor and Francis
  • Eriksen, Svend. Early Neoclassicism in France (1974)
  • Friedlaender, Walter (1952). David to Delacroix (originally published in German; reprinted 1980)
  • Gromort, Georges, with introductory essay by Richard Sammons (2001). The Elements of Classical Architecture (Classical America Series in Art and Architecture)
  • Harrison, Charles; Paul Wood and Jason Gaiger (eds) (2000; repr. 2003). Art in Theory 1648–1815: An Anthology of Changing Ideas
  • Hartop, Christopher, with foreword by Tim Knox (2010). The Classical Ideal: English Silver, 1760–1840, exh. kat. Cambridge: John Adamson ISBN 978-0-9524322-9-6
  • Irwin, David (1966). English Neoclassical Art: Studies in Inspiration and Taste
  • Johnson, James William. “What Was Neo-Classicism?” Journal of British Studies, roč. 9, č. 1, 1969, pp. 49–70. online
  • Rosenblum, Robert (1967). Transformations in Late Eighteenth-Century Art

vonkajšie odkazy

Pin
Send
Share
Send